Teleman：盛夏浪漫

如果你問我今年有甚麼夏盛音樂專輯選擇，那首選定是The Pains of Being Pure At Heart的《Days of Abandon》，而另一張我會說是英國倫敦樂隊Teleman在Moshi Moshi廠牌旗下發表的首張專輯《Breakfast》。 

Teleman的音樂，糅合著60年代迷幻流行曲的夢幻色彩感、電子流行樂的肌理與復古的電子合成器琴音，具備美好的Pecfect-Pop條件；聽著輕柔的主唱演繹，泛出宛如The Beach Boys的陽光燦爛情味，在陣陣懶洋洋夏日浪漫情懷當中帶有消暑清熱作用。而《Breakfast》的亮點之一，是交由前Britpop班霸Suede的結他手Bernard Butler為他們操刀監製。

由主唱兼結他手Thomas Sanders和鍵琴手Jonny Sanders兩兄弟，以及低音結他手Pete Cattermoul與長髮日本人鼓手Hiro Amamiya所組成的Teleman，樂隊才只有一年半多歷史，但他們卻非新手上路。畢竟Teleman的前身是五人獨立搖滾樂隊Pete and the Pirates，曾先後在2008及2011年出版過《Little Death》和《One Thousand Pictures》兩張專輯。從Pete and the Pirates在2012年解散，到Thomas、Jonny和Pete在同年年底另組成Teleman，是因為有些舊隊友只想原地踏步，才促使他們三人另起爐灶。也是何解Teleman要擺脫以往Pete and the Pirates那種結他主導的獨立搖滾/流行樂歌路，Jonny由鼓手而變身電子樂手、大為應用電子合成器與鼓機。

曾看過有英國媒體以「Robert Wyatt遇上Pet Shop Boys遇上The Velvet Underground」來形容Teleman的聲音，作為Teleman的歌曲創作人，Thomas譜出是多麼溫婉動聽的曲子，而且帶著小品的韻味，其作品總是來得相當之耳感清涼。 

輕盈的首張單曲〈Cristina〉在淡淡然情感下，是如斯美麗夢幻而如沐春風；〈Steam Train Girl〉這首糅合獨立搖滾與歐陸電子流行曲(還用上Vocoder和唱)之作，來得甚有清風送爽之感；〈Monday Morning〉是為星期一早晨而設的明媚清爽Electro-Pop，如流水行雲的Synth主奏自然少不了；〈Skeleton Dance〉是多麼清新可喜的Art-Pop小品。再聽窩心而典雅的Ballad曲目〈Lady Low〉，更恍如仲夏夜月色底下浪漫醉人到暈的意境，美得沒話說；〈Redhead Saturday〉亦搖曳著夏日晚上的小清新浪漫。 

《Breakfast》專輯由Bernard Butler監製，但整體上卻沒有怎樣的Bernard音樂影子。然而聽新單曲〈23 Floor Up〉這首叫人感覺受到柔和陽光的深情迷幻流行曲，抑或電氣Garage Rock的〈Mainline〉，卻不難尋見Bernard斧鑿過的蛛絲馬跡。

Eno．Hyde：二人世界

Brian Eno一直以來熱衷跟別人交流合作，那早已是研究這位英國傳奇性前衞音樂奇才之音樂世界時所不可或缺的課題。為別人的作品客串助陣、擔網唱片監製，說到關係最密切的，便是與他聯袂發表合作專輯——能夠跟Eno合灌唱片，彷彿是非同凡響的事。在Eno龐大的唱片目錄全集上，有不少他與別的樂手以二人名義合作的專輯，而這個名單上，現在亦加上了Karl Hyde之名字，也是近年Eno最矚目的一個合作性音樂計劃。

現年65歲的Eno遇上現年57歲的英倫電音舞曲班霸Underworld主唱Karl Hyde，Eno • Hyde毋庸置疑這是多麼叫人引頸以待的合作關係。況且近年Underworld已見裹足不前，去年Karl站出來發表的首張個人專輯《Edgeland》裡的氛圍化歌曲，亦被指為帶有Eno的薰陶(而Eno確有為一曲〈Slummin’ It for The Weekend〉炮製Remix版)。所以他與Eno合作，那亦是理所當然的事。然而Eno • Hyde並不是要打造出怎麼憩靜空靈的Ambient歌曲，更不是甚麼驚世駭俗的前衞作品，他們帶來的《Someday World》專輯是祭出向Polyrhythmic探討的藝術流行曲。 

Eno與Karl因為在1995年乘搭同一班飛機到波斯尼亞而結識，發覺彼此有同樣的音樂與藝術興趣，但仍沒有合作的念頭。直至四、五年前，Karl參與了《Pure Scenius》這個Eno與眾樂手合作的現場演出Project，才有機會互相切磋。然後，Eno在錄音室展開了他的Polyrhythmic音樂計劃，當Karl聽過其曲目後，勾起了他對Afrobeat音樂之根源，而按捺不住拿起結他加入創作，從而引伸至這個的合作之出現。

兩位知名音樂人合作，然而《Someday World》的唱片監製卻是才只22歲的Fred Gibson，也是這專輯的第三成員，而大部分鼓擊則是由John Reynolds(Sinéad O'Connor前夫)負責。Eno與Karl都各有主唱的歌曲，但以後者唱得較多。

Eno對Polyrhythmic / Afrobeat的興趣，大抵可以追索到他為Talking Heads監製的1979、80年專輯《Fear of Music》和《Remain in Light》時。原先，這次Eno本是打算創造出只有四首長篇重複性多重節奏曲目的專輯，然後因為遇上Karl所譜寫出的歌曲，從而演進出《Someday World》裡的多重節奏/非洲節拍電幻藝術流行歌曲來。Eno的合作專輯，並非定要玩出怎麼深邃或者很電子的音樂。就正如與John Cale合作的1990年專輯《Wrong Way Up》帶來美好的藝術流行曲，抑或再度與David Byrne合作的2008年專輯《Everything That Happens Will Happen Today》全是電氣福音歌曲流行曲，今次《Someday World》亦都是其平易近人的作品。

先行單曲兼《Someday World》的專輯開場曲〈The Satellites〉由電幻氛圍化前奏帶出，再引伸出這首穿插著銅管樂(高音色士風由Roxy Music的Andy Mackay負責)與溫婉主唱的輕快Art-Pop歌曲。流暢快板的新主打歌〈Daddy’s Car〉是其Polyrhythmic / Afrobeat主導曲目，感覺如沐春風。〈A Man Wakes Up〉有如回到Talking Heads時期那種甚Funk的Afrobeat曲風，由Eno以低音嗓子唱出的〈Strip it Down〉是那麼耐人尋味、乘著清爽流暢節拍而來的溫婉中慢板Ballad，〈Who Rings the Bell〉是有著Gospel薰陶的電幻歌曲。 

〈Mother Of A Dog〉是絕對美麗而縈繞心頭電氣化Art-Pop Ballad，令我想到當年Eno為James監製的歌曲；由二人合唱出的〈To Us All〉亦是多麼夢幻優美的Ambient-Pop作品，像達明一派的〈忘記他是她〉之音樂肌理嗎？達明此曲的影響又何嘗不是來自Eno在《Apollo》裡的〈Deep Blue Day〉呢。而〈When I Built This World〉之重點，是歌曲的懾人心魄、思潮起伏、變化多端，讓Polyrhythmic、電聲、弦樂、銅管樂水乳交融而來，還有歌曲開頭的幾句旋律來得似十足由Doris Day以及Nat King Cole唱紅的經典老歌〈When I Fall in Love〉，可以跟著哼起來。 

而為配合專輯的推出，Eno • Hyde亦聯同HoloDecks替《Someday World》帶來一個免費app，以手機的照相機對著的黑膠唱片Centre Label按鍵，便能從螢幕看到在黑膠唱片上的「虛擬城市」隨著音樂互動。說時遲、那時快，在《Someday World》面世後不久，Eno • Hyde亦宣佈他們的另一張專輯《High Life》會在6月底推出——都說Eno加盟英國電音名廠Warp之後在近年乃再度多產起來吧。

ANWIYCTI：低音主義

當ANWIYCTI在去年的香港大型音樂節《Clockenflap》作首次公演，以Joey Pui(Zaraha / eleven wishes goodbye)為首的他們已旗幟鮮明地彰顯出樂隊別樹一幟的獨立搖滾姿態——在台上他們以三位低音結他手與一位鼓手之陣營出來，歌曲以Bass Riff作主導，而完全摒棄了結他的角色，從意義上來說已是好一種「反搖滾」的風骨。ANWIYCTI在2012年秋已成軍，秘密練兵多時，直到2013年底才在《Clockenflap》粉墨登場獻出處子演出，可見他們是多麼處心積慮而來的樂隊。而他們同步亦在錄音室閉門造車。 

全名A New World If You Can Take It的ANWIYCTI，其首張專輯《A New World If You Can Take It》即將會在香港獨立廠牌Imagine Imagine Imagine Records旗下發表，並會在6月12日於Hidden Agenda舉行專輯發佈音樂會。一如III Records的作風， ANWIYCTI這專輯亦會以限量黑膠唱片形式出版，今次是以白色膠印製。

在ANWIYCTI作品裡的Riff/Bassline/主奏，全由Joey Pui、Edward Chiu和Eqqus Lee三支低音結他包辦，無疑是別開生面的破格形式(至少對香港獨立搖滾圈來說是)，而重點是他們的音樂並不拘泥於某種曲風上，反之他們的聲音乃得以跨越Neo-Psychedelic、Post-Punk、Noise Rock、Drone Doom、Shoegaze、Post-Rock甚至Electronica等流派風格而來。沒錯，有些樂隊是開拓了一種獨特的音樂型式，然而卻只管公式化玩下去，所以只見出來的歌曲首首聽似差不多。而ANWIYCTI的驚豔之處，正是他們所祭出的音樂包容性，變化多端。即使Joey是陣中主唱，但所帶來卻不盡然是Song-Based的歌曲，樂隊也有其器樂曲目。

《A New World If You Can Take It》由闇黑沉重Bassline帶出的開場曲〈X〉來得如斯夢幻、神秘而幽美，在夢囈般的人聲下，歌曲就是Post-Rock與Dream-Pop之合體。〈Daydreaming the Daydream〉讓重型緊湊而風馳電掣的Stoner Rock張力遇上Groovy舞曲節奏，配以是迷幻流行曲的曲子，我引用的比較是Queens of The Stone Age遇上Primal Scream。〈1516〉是直截了當、衝口衝面而來的暴烈Noise Rock，〈Many But One〉在連綿的Bassline下可以聽到他們介乎Sonic Youth與Shoegaze之間的薰陶，〈The Truth〉就是由重型Riff驅動的Shoegaze歌曲。器樂搖滾曲目〈ii〉帶來扣人心弦的Drone Doom風，從低迴暗湧推至狂風掃落葉。

作為低音結他主導的樂隊，ANWIYCTI沒有用結他，但卻有用電子合成器，所以他們也有電音化的曲目。〈My F Mind〉是多麼電幻美好、流水行雲的Synth Rock樂曲，來得好比以樂隊形式奏出的Electronica樂章；〈Into The Sea〉以漫天無際的Ambient前奏帶出，當你以這會是Ambient Rock曲目來時，隨著鏗鏘的Synth琴音響起，樂曲也變成介乎Electro-Pop與Epic House之間的電音歌曲來，並以迷魂的Dubby音響處理來營造出置身茫茫大海中的感覺——但歌曲作現場演出時，卻可以是迷幻的Space Rock來。

今個夏天是屬於The Pains of Being Pure At Heart

美國紐約市獨立搖滾樂隊The Pains of Being Pure At Heart的第三張專輯《Days of Abandon》實在出版得合時，儼如一張為今年夏天而設的唱片。

我們都知道主唱兼結他手的Kip Berman是The Pains of Being Pure At Heart的靈魂人物，然而之前得悉華裔女生成員Peggy Wang已告離隊，那少不免有點若有所失。更何況當我見到The Pains of Being Pure At Heart最先發佈一輯改組後的四人全男班照片時，難免予人有點兒陌生的感覺，畢竟相中的熟悉面孔就只有Kip一人而已，不禁對他們起了疑心。然後才看到現在那輯四男二女的六人陣容樂團照片－－但看他們近期的現場演出影片，我仍搞不清現在The Pains of Being Pure At Heart到底是四男一女的五人陣容還是四男二女的六人陣容，抑或是可加可減。

從《Days of Abandon》專輯裡所見，低音結他手Alex Naidus和鼓手Kurt Feldman這兩位舊成員仍有參與錄音Session，只是現在已換上重整旗鼓而來的巡演樂隊陣容。也許The Pains of Being Pure At Heart壓根兒就是圍繞著Kip一人的樂隊來。

無疑，當我聽到《Days of Abandon》的時候，我對The Pains of Being Pure At Heart的疑慮亦一掃而空。新專輯的重點，是樂隊全然放下昔日的Shoegaze / Noise-Pop薰陶，而一心一意奏出清新可喜、爽朗美好的Indie-Pop歌曲，Kip表示：「我不希望這些歌曲要隱藏在Distortion音牆與錄音室法術背後。」從2009年首張同名專輯《The Pains Of Being Pure At Heart》帶來充滿初生之犢的新生代Shoegaze / Noise-Pop，到2011年的第二張專輯《Belong》以做出來得更嘈吵之餘亦更見美麗的歌曲為大前提，以樂隊的音樂成長路來說，在《Days of Abandon》裡作出悅耳修飾的音樂取向，亦毫不叫人感到意外。

由曾為My Bloody Valentine、Patrick Wolf操刀的Andy Savours監製的《Days of Abandon》，就彷彿是為迎接盛夏而來的專輯，Kip說要讓其音樂賦予喜悅與滿溢光茫，他也唱得愈來愈輕柔如羽毛，即使在題材上通常仍是較陰暗。專輯以〈Art Smock〉這首美麗得沒話說的清幽Acoustic Ballad小品揭開序幕。由女聲帶出的先行單曲〈Simple and Sure〉已猶如叫人置身陽光與海灘，〈Eurydice〉好比早年The House of Love的英倫獨立流行樂簡樸氣息，如流水行雲的醒神最新單曲〈Until The Sun Explodes〉就活像The Cure如〈Just Like Heaven〉那類的明快爽朗、清風撲面歌曲。

再聽〈Masokissed〉清新可喜又溫婉浪漫，有如回到80年代聽Aztec Camera與The Smiths的年代，〈Beautiful You〉是多麼明亮而柔和的Jangle-Pop，〈Coral and Gold〉勾勒出是美不勝收的青青珊瑚島，〈The Asp in My Chest〉在溫暖的銅管樂伴奏下實在多麼窩心吧。 

沒有了Peggy，她的女聲與鍵琴崗位現在亦一分為二，其中前者是由來自費城Dream-Pop樂隊A Sunny Day in Glasgow的Jen Goma負責。Jen除了為Kip和唱之外，還有兩首她的獨唱歌曲。由她唱出的〈Kelly〉我會以The Smiths的清爽Jangle-Pop經典〈This Charming Man〉遇上Saint Etienne的甜美女聲歌曲來形容，而〈Life After Life〉亦來得如斯清雅怡人，同樣叫我聯想到Saint Etienne起來。專輯裡有多首歌曲伴以柔揚銅管樂，操刀編寫銅管樂的是前Beirut成員、曾與Arcade Fire及David Byrne合作的多元樂手Kelly Pratt。

The Album Leaf再臨香港演出

四年前——2010年4月，以Jimmy LaValle為首的美國加州聖地牙哥樂團The Album Leaf在Grappa’s Cellar舉行的音樂會無疑是多麼叫我難忘。他們一行五人的樂隊，帶來是游走於Post-Rock與Indietronica之間的演出，來得如斯縈繞心頭而美不勝收，那份懾人心魄的感染力是只有在現場才能體驗得到。同樣忘不了，是當晚在幾乎不用Grappa’s Cellar場內的燈光下，他們在台上裝置了十多支光管狀LED燈作為舞演燈光，配合錄像播放，相當之美，視覺與氣氛效果甚棒，更能襯托出The Album Leaf歌曲的神傷幽美。 

然後在這四年間，The Album Leaf先後在2012、13年發表了《Torey's Distraction》和《Adrift》這兩張電影配樂，亦在2012年自資出版了《Forward/Return》這張備受忽視的七曲EP(其實已算是迷你專輯)；而Jimmy LaValle亦與Sun Kil Moon的Mark Kozelek聯袂合作去年出版的《Perils From The Sea》專輯。

相隔四載，由Chopxticks主辦下The Album Leaf終告再臨香港，在這個5月29日於Hidden Agenda演出一場。期待在HA裡再次看到〈Always For You〉的全場大合唱場面。

Yann Tiersen：樂在無限天方

我不知道現在仍有幾多人還會抱著聽《Amélie》電影配樂的情懷去聽法國音樂家Yann Tiersen的近作。如果你還以為看到Yann Tiersen這個大名，便會聽到那種古意盎然、風光如畫、鏗鏘流麗、雋永真摯、歐陸小品風味的現代古典樂章，也許他近幾張專輯會令閣下為之不知所措。 

毋庸置疑，Yann從不是固步自封的音樂家，他從不甘心只有局限於所謂的「現代古典」、「新古典」音樂框架內。所以到了先後在2010及11年發表的兩張專輯《Dust Lane》和《Skyline》，我們正見證到他朝向獨立/另類搖滾範疇的探討，進入其新的一個音樂階段，打造出跨越獨立搖滾、民歌、古典、電音、實驗、Krautrock的折衷性混種搖滾樂風，甚至得以被納入Post-Rock之列。而且熱衷舉行舉行巡演的Yann，在現場演出時亦站出來演奏結他或電子合成器甚至充當主唱，彷彿要重新樹立出其獨立搖滾樂手姿態，實行要否定外界把他誤作古典音樂出身的電影配樂作曲家之形象標籖。

 繼《Skyline》之後三年來的新作《∞ (Infinity)》，是現年44歲的Yann Yann之第八張個人專輯，他之所以把專輯命名為Infinity，因為「無限」的符號∞就是打橫的8字。他說：「不是我選擇(唱片)標題，而是標題選擇了自己。」 

Yann生於法國布列塔尼半島港口城市布雷斯特，曾居於觀光城市雷恩，地靈人傑，所以他的音樂亦素有一種風光明媚的氣息。而《∞ (Infinity)》不單是他走遍冰島雷克雅未克、法國韋桑島及布列塔尼半島所灌錄，在創作過程中還到過丹麥法羅群島、英國德雲郡及康和郡取材，曾住過露營車、也曾帶著Laptop電腦作單車之旅，那都是如世外桃源的地方；專輯的三輯預告短片，亦分別是在冰島、法國韋桑島及布列塔尼半島、丹麥法羅群島所拍攝。所以《∞ (Infinity)》的曲目亦全然吸納著大自然的靈秀氣而來，內容也是圍繞著石頭、礦物與自然生態為題，背後是「生與死」的概念。

專輯開場曲〈∞〉便是如斯隔世空靈的Ambient樂章，暗藏古典管弦樂之片段。在《∞ (Infinity)》裡已找不著從前那種思古幽情的小品，但是這次Yann卻重拾回他的招牌式玩具鋼琴演奏，他把玩具樂器、原音樂器與弦樂轉化成電子化聲音，再以數碼音樂形式來通過Laptop進行製作，這是《∞》的衍生過程。 

在「無限」的主題底下，時而意境朦朧、時而地動山搖，祭出是廣闊無涯、不受任何音樂流派所羈絆的折衷性Avant Rock。如先行單曲〈A Midsummer Evening〉由耐人尋味的神秘朦朧氛圍帶出，走到晶瑩剔透的電幻意境，再到明快Motorik節奏下的柔揚流行曲子，是他的Epic之作。古雅盎然、美麗柔揚的〈Slippery Stones〉帶大家躡手躡腳走到石澗，由夢幻敲擊聲帶出的大合唱曲目〈Lights〉有如晨光初露般美不勝收，意境神秘幽悒〈In Our Minds〉是如斯感覺孤零零的Post-Rock。 

這張走訪不同地方周遊列國創作與灌錄出來的專輯，除了英語之外，當中的歌曲也包含著多種語言演繹。由慘悲愴前奏帶出的〈Grønjørð〉是唱丹麥法羅語，有全女班冰島樂團amiina演奏弦樂與獻聲的〈Steinn〉當然是用冰島語，讓敲擊/電音/搖滾/弦樂輾轉反側地交融、山雨欲來的低迴室樂電幻後搖滾〈Ar Maen Bihan〉是以法國少數民族語言布列塔尼語獨白——上世紀60年代，在法國布列塔尼半島的學校是禁說布列塔尼語的，因為布列塔尼半島要爭取獨立。為專輯作結的〈Meteorite〉，則有前蘇格蘭樂團Arab Strap主唱Aidan Moffat以濃厚蘇格蘭口音作電影感獨白與獻唱。

Liz Green：汪洋中的鋼琴

沒錯，英國曼徹斯特的女唱作歌手Liz Green的歌曲是有著簡樸無華的舒舒服服曲風、溫暖而帶點脆弱的民歌演繹嗓音、很英倫詩意的詞藻、淡淡然思古幽情的文藝詩意音樂情味，作為主打文青市場的音樂藝人。然而，若果把Liz說作華文媒體所謂的小清新，那絕對是肯定低估了她吧。 

Liz聽來溫婉清幽歌聲，感覺總是有點苦澀與不尋常的表現方式；她的Acoustic-Folk歌曲當中，不難聽到來自爵士、藍調與古老的Cabaret音樂之薰陶。Liz Green得以縈繞心頭的音樂韻味，正是出於那份復古的陳舊氣息，也是其獨立音樂氣息所在。事實上，對Liz影響最深遠，是藍調歌手兼結他手Son House與爵士女伶Billie Holiday——他們都是上世紀1930年代已出道的音樂傳奇。所以外界都形容她的音樂是屬於20世紀上旬，而多於21世紀今時今日的東西。

跟首張專輯《O, Devotion!》闊別三年，Liz終告帶來她的第二張專輯《Haul Away!》。Liz說她從不是、亦永遠不是得以多產的創作人，她的歌曲都是經過長時間的孕育期、在腦海裡構思多時下而來。而Liz的兩張專輯，都是她與Liam Watson聯袂監製，而且同時是在Liam的倫敦著名Analogue錄音室Toe Rag Studios灌錄，貫徹她的復古作風。 

《O, Devotion!》與《Haul Away!》，Liz形容這是陸地與海洋的分別；所以一向以素顏亮相的她，今次也帶來了這個海洋造型。

減低了民歌的模式而多了爵士樂之取向，在《Haul Away!》裡的歌曲，那都有如身處船上小屋的搖曳之感。無論是專輯開場曲〈Battle〉在古樸Banjo下的藍調民謠情歌，抑或由低音大提琴帶出的先行單曲〈Rybka〉之爵士幽情、〈Empty Hands Blues〉迴盪著藍調與爵士兩個層次之間、〈Where the River Don't Flow〉的愉快酒館Cabaret、〈Into My Arms〉好比童謠般真摯的情感，都是活像在海上飄盪而來。主題曲〈Haul Away!〉的鋼琴前奏好讓我聯想到Lou Reed的〈Perfect Day〉，然後卻祭出了南美音樂色彩。 

《Haul Away!》與前作的另一分別，是今次Liz開始玩奏鋼琴。自言沒有高超鋼琴造詣的她，近年乃在床邊設置了一台鋼琴，以讓她午夜夢迴時可以迅速把旋律靈感寫下來。她說她也聽很多鋼琴主導的音樂如Thelonious Monk抑或Nina Simone的。所以在專輯裡所聽到，大多數都是Piano-Based的歌曲，甚至乎〈Little I〉這首憂傷戚然、詩意盎然的鋼琴樂章(伴以大提琴)，更是她第一首純音樂曲目，恍如回到New Age Music年代。