Björk：受傷的女人

近年Björk已保持著每4年發表一張全新官方專輯之產量，每次都是處心積慮而來之作。2011年前作《Biophilia》又來app專輯又是帶出科技與大自然關係的概念專輯又研製電子樂器裝置，處處展現出其高度創作野心與智慧的跨媒體作品。然而作為她4年來的全新專輯《Vulnicura》，卻是Björk還原基本步、回歸以歌曲為本、歷來最個人化而最令人悸動的唱片專輯。 

《Vulnicura》的創作背後，是Björk與美國視覺藝術家Matthew Barney的13年感情關係告一段落、在2013年分手收場，從而打造出這張她的「分手/心碎專輯」出來。

在這個3月份Björk除了發行《Vulnicura》這張新專輯(雖然因為歌曲外洩而提早了兩個月把專輯在1月20日先行於iTunes上發表)，以及展開《Vulnicura》的巡演之外，還有自月初開始在美國紐約市「現代藝術博物館」MoMA舉行維期3個月同名展覽《Björk》、在月底出版音樂生涯回顧書集《Björk: Archives》等等連串活動，以總結她自1993年處女專輯《Debut》以降的20多年個人發展。 

《Vulnicura》就是一張「傳統」的Björk的專輯，甚至被拿來跟1997年的《Homogenic》專輯作相提並論。Vulnicura即拉丁語的「傷口治療」之意，唱片封套再次交由M/M Paris擔任美指，Björk造型上之亮點不是她的「蒲公英頭」，而是在胸口/心臟位置顯露出一大處傷口；而限量版唱片封面則由錄像製作人Andrew Thomas Huang操刀，Björk化身成人類與火山的混合體，在破裂的胸口間流出熔岩，然而這個封面的影片版本(見歌曲〈Family〉的短片)，最後其破裂胸口卻得以自癒修復。 

在《Vulnicura》裡Björk以紀錄形式來創作她這張分手專輯——專輯內的大部分歌曲都具體地附有分手前後的月份注釋，描寫出當時的狀況，早至分手前9個月、遲至分手後的11個月，以跨越20個月的時間表，如日記般來赤裸裸地記載她與Matthew的感情關係決裂過程。然而《Vulnicura》在分手專輯的大前提下，這宛如Björk的復癒系作品——歌曲傷感得來，卻又不太沉痛與悲天憫人。

以音樂創作來作為治療，Björk不但寄情於寫歌，同時也將她的戚戚然情緒譜寫成歌曲弦樂編曲；所以除了歌詞與旋律之外，她又在另一個層次上以不立文字直指人心的方式來勾勒出其思潮起伏。當你細味《Vulnicura》的作品時，都可聽得到箇中的複雜的情感，從而打造出這張讓人聲跟電音與弦樂水乳交融而來的Björk專輯。 

而電音製作方面除了Björk親自出手外，跟她聯袂操刀的是兩位電音新寵兒——委內瑞拉電音才子Arca和英國Ambient電音樂手The Haxan Cloak。Arca是今次的主要製作人，專輯裡有6首歌曲是他與Björk所聯袂監製、當中兩首是2人所合寫；此君曾跟Kanye West、FKA twigs合作而名聞遐邇，但其實當Björk在2013年聽過Arca的《&&&&&》Mixtape後，已甚欣賞他的才華，早在《Biophilia》巡演時便找過他擔任Afterparty的DJ，然後引伸成雙方在2013年夏天展開音樂合作關係。 

《Vulnicura》就是一張分手的概念專輯。開場曲〈Stonemilk〉在電影感的弦樂下，從道出開始對感情亮起了紅燈作出紀錄(“Moments of clarity are so rare / I better document this”)，然後唱道“Who is open? / And who has shut up / And if one feels closed / How does one stay open?”已是貌合神離的端倪。主打作〈Lionsong〉裡Björk的歌聲、弦樂與抽象電音節拍的交織下，泛起淡淡然的思古幽情，唱出內心的疑慮(“Maybe he will come out of this loving me / Maybe he won’t”)。〈History of Touches〉是到了同床異夢時對過去的親密關係的回想。長達10分鐘的〈Black Lake〉在葬禮般的弦樂下勾勒出傷春悲秋的哀痛情感，慘白地唱出”My soul was torn apart / My spirit is broken”，中段由重型的Techno節拍劃破。 

Matthew是Björk次女Isadora Bjarkardottir Barney之父，2人分手最令Björk感到最心痛與悲哀的不是她失去了伴侶，而是女兒失去了完整的家庭、傷害了女兒。〈Family〉便唱出父親/母親/孩子的家庭三角關係已破碎(“For the dead of my family”)，只餘下父親與孩子關係、母親與孩子關係，沒有了愛的三角，曲中弦樂也忽然充滿菱角起來。

分手後11個月的〈Notget〉乃開始踏入復癒階段，從Michael Nyman式弦樂到電音橫流，歌曲的感覺已光明起來；下半部分有Antony Hegarty(Antony and the Johnsons)客串為她獻聲合唱的〈Atom Dance〉，好比圓舞曲般曼妙、以原子舞來作治癒。〈Mouth Mantra〉唱出分手之必要(“Need to break up / Vicious Habits / Do something I haven’t done before”)。碟末的〈Quicksand〉是今次最具跳脫電音Breakbeat節拍的一曲。

Fantastic Day：給明日的派對

說來，近年來已好像沒有香港的獨立樂隊出版CD single這東西(反而有出7”單曲細碟)——我所指是開宗明義的單曲出品，不是EP；是正式作公開發售的，而只非作免費派發。所以當收到香港獨立搖滾樂隊Fantastic Day的全新單曲〈For Tomorrow〉時，好有一種「久違了的本地獨立音樂CD single出品」之感覺。 

在這張CD單曲裡只收錄兩首曲目：〈For Tomorrow〉的原版，以及歌曲由The Justin K操刀的Remix版。 〈For Tomorrow〉是Fantastic Day繼2013年底首張專輯《Innocent》後的新作，由Alok Leung監製與混音，也是新鼓手Winston加入後首支灌錄的歌曲。

出自主唱Dee手筆的〈For Tomorrow〉是首來得賞心悅目、短小精悍的美妙明快Indie-Pop歌曲，清風撲面得來又帶點神傷，其爽朗之處好比New Order的〈Age of Consent〉，抑或The Cure的〈Inbetween Days〉和〈Just Like Heaven〉，Winston的鼓擊為歌曲注入了相當的跳脫Groovy節奏，很有90年代初葉的英倫獨立流行樂氣息，而Dee一手如流水行雲的Synth獨奏亦同樣妙不可言。

而由The Justin K所主理的Extended Dance Mix其實不算是很舞曲的版本，反而突顯了歌曲師承自New Order那種Indie-Dance基因，從開始時仍有點Post-Punk肌理到尾段愈來愈Acid House，注著變化編排——為歌曲在單曲唱片裡帶來Dance Mix版本，那壓根兒是很90年代初葉Indie-Dance紀元的事吧。

 〈For Tomorrow〉的CD single+Tee限量套裝會在本週六於Fantastic Day為agnès b. 的《RUE DE MARSEILLE Live》演出時於K11店作獨家首賣。

tricot：令人心花怒放的女流三重奏

去年3月我看到日本京都市Math Rock樂隊tricot在Hidden Agenda舉行的《What's Ochansensu-Su!? tricot Asia Tour 2014》香港場音樂會，誠然這支3女1男陣容樂團的演出，無疑是比起看一眾其貌不揚的日系男性Math Rock隊伍為多了一種賞心悅事的感覺——別誤會我是帶著色迷迷的毒男眼光去看台上3位女生樂手，而是她們的現場表演確是奏出了一股青春活力，令人聽得心花怒放。 

畢竟tricot的談論焦點，是她們的音樂被形容為「複雜但流行」——她們有著少女流行搖滾樂隊的形象包裝、討喜的年輕樂手賣相、別緻而滿溢陽光氣息的音樂錄像，但卻得以在Math Rock圈子受到注目；她們的搖滾音樂有著複雜的節奏層次、祭出變化多端的「變拍」鋪排，但卻又以歌曲作主導，帶來情感豐富但冷靜的主唱。

隨著長髮男鼓手Komaki在去年退出，tricot並沒有找來新鼓手加入，在這崗位懸空底下，tricot也變成主唱兼結他手Ikkyu Nakajima、結他手Motoko “Motifour” Kida和低音結他手Hiromi “Hirohiro” Sagane的全女班3人樂隊。其實tricot初成立時，也是由這3位女生開始，所以現在只是還原基本步。沒有找固定鼓手加入，卻反而令tricot音樂來得更具自由度。

延續了以3個字母命名的作風，繼2013年的《T H E》之後，她們的第2張專輯亦喚作《A N D》。

《A N D》是tricot連同6位不同的鼓手所收錄而成的專輯，來個群鼓手拱照。除了前隊友Komaki之外，還有東京事變的刄田綴色、後藤まりこ樂隊的千住宗臣、MIYAVI的Bobo 等打鼓，全都是她們欣賞的鼓手，而且各有不同的風格與鼓聲。 

今次的先行單曲〈Break〉、也是改組後所發表的第1首作品，歌曲的音樂錄像裡剪輯了其世界各地樂迷們撕掉寫上英文單字的紙張之影片，以示破舊(舊tricot)立新(新tribot)的含意。新單曲〈E〉本是暫名〈Virus〉，歌曲寫於Ikkyu傷風的時候，引子的結他Riff也聽似打乞嗤般，歌曲所說卻是網絡遭黑客入侵，曲中不乏tricot的爆炸力掟放，諷刺的是tricot現沒有固定的鼓手，而單曲的唱片封面上3位成員都坐在鼓座上，MV裡3人亦有打鼓，以示人人都是鼓手之意。 

開場曲〈Noradrenaline〉是集溫柔與緊湊、技術與流行於一身的Math Rock流行曲，〈Hashire〉扣人心弦而靡爛優美，在Ikkyu輕盈的主唱下〈Kobe Number〉來得清爽怡人，〈Niwa〉的Funk Rock曲式是那麼跳脫Groovy而張力十足，爵士Fusion樂風下的〈Pieeen (A N D Version)〉足以彰顯出樂隊變化多端的節奏，接近7分鐘的〈QFF〉是表現了Ikkyu唱功的淒美Dream-Pop歌曲，但尾段在變拍之後乃變成愉快的曲子來。

Public Service Broadcasting：美蘇太空競賽啟示錄

毋庸置疑由J. Willgoose, Esq.和Wrigglesworth所組成的英國倫敦2人樂團Public Service Broadcasting是來得多麼風格別樹一幟：1. 他們是以電音曲風為基調的樂隊，卻又配以有機性的結他、Banjo、真鼓演奏，甚至弦樂與管樂，從而打造出跨越Dance-Punk/Indie-Dance、Electro、Funk、Folk以至Krautrock節拍以及電影配樂而來的折衷主義聲音；2. 創團成員Willgoose所精心挑選、喋喋不休而來的古老政府宣傳片與紀錄片檔案的人聲取樣，更是Public Service Broadcasting所不可或缺的元素。 

在2013年發表的首張專輯《Inform - Educate - Entertain》令到他們名聞遐邇——專輯曾打上英國排行榜第21位，還被選為BBC 6Music的年度10大專輯之一、備獲AIM Awards的「最佳獨立專輯」之提名，Public Service Broadcasting這個名字能夠廣受注目亦是不爭之事實。即使Willgoose用上古老的影片作人聲取樣，卻不代表PSB要去戀舊/懷舊；所使用的人聲取樣是來自舊檔案，但其歌曲卻不是用上古老的音樂。他說：「我們帶來過去的東西而以新的方式來編制取景，跟他們於現在接合。」又或者有如他們曾表示——以未來的音樂來教授了舊日的一課。來到睽違兩年的第2張專輯《The Race For Space》，便更彰顯他們的「復古未來主義」(Retro-Futurism) 姿態。

《The Race For Space》以冷戰時期「美蘇太空競賽」為題的概念專輯，帶出是1957到1975年期間美國與蘇聯的太空競賽歷史——兩國在開發人造衛星、載人航天和月球探測等空間探索領域的競爭，從蘇聯在1957年發射了第1顆進入地球軌道的人造衞星「衞星一號」(Sputnik 1)而震撼了整個西方說起。早在2013年初Willgoose為BFI的美蘇太空影片製作配樂時，已定下了這個構思。 

配合「美蘇太空競賽」之概念，《The Race For Space》還採取雙封面的設計——同時有「美國版」與「蘇聯版」兩個封面，兩個都是封面、任君選擇；而打開這個Gatefold封套，內裡是一片茫茫無際的太空景象，沒有上與下之分，正如身處太空的無重狀態般。

Deep Techno/ Balearic曲目〈Sputnik〉是說蘇聯的「衞星一號」。先行單曲〈Gagarin〉是向史上首位登上太空的太空人Yuri Gagarin(蘇聯)作致敬，在Afrobeat節拍以及6人銅管樂與5人弦樂的伴奏下，祭出了Gagarin雄赳赳的超級英雄姿態，其單曲唱片封面也大玩蘇共式美藝設計。靡爛幽美的Downtempo曲風下，〈Valentina〉是以史上首位進入太空的女性太空人Valentina Tereshkova為題，由於PSB所取材的人聲Sample都缺乏女聲的東西，所以他們索性找來英國Sussex雙人女子Dream-Folk組合Smoke Fairies為他們獻聲唱和。 

主題曲〈The Race For Space〉以Choir唱詠配以總統甘迺迪在1962年的Moon Speech；〈Fire In The Cockpit〉是說1967年阿波羅1號例行測試中指揮艙發生大火令3名太空人喪生的悲劇，漫天無際的氛圍下乃奏出一份悲愴沉痛；歐陸電音風格的〈The Other Side〉是帶出飛越月球之旅。〈E.V.A.〉是其扣人心弦的太空搖滾樂曲，好比衝上雲霄的〈Go!〉再次是他們乘著Krautrock/Motorik Beats而來的曲目，一飛沖天去。

Carl Barât & The Jackals：樂隊再統治

走出英國獨立搖滾名團The Libertines，又組成過超級組合Dirty Pretty Things，最終Carl Barât也在2010年作正式單飛發展，出版了他的首張同名個人專輯《Carl Barât》。那時我們都看到他要擺脫以往The Libertines或Dirty Pretty Things的Garage Rock姿態：在Leo Abrahams操刀監製下加上不少歌曲都Carl是利用鋼琴寫成，作品也呈現出陣陣歐陸風氣，甚至多少戲劇性Cabaret感覺，無疑是讓Carl予人洗心革面而來的印象。但後來我與Carl談起這專輯，他好像一臉不滿意。 

事實上，我先後在2012及13年在香港看過Carl Barât的現場演出，他帶來都是以4人搖滾樂隊形式的表演(也有Acoustic部分)，有別於《Carl Barât》專輯時的風格。所以對於現在Carl再組成他的樂隊Carl Barât & The Jackals灌錄新專輯，那亦不出奇。

《Let It Reign》既可視之為Carl Barât的第2張個人專輯，但實情這是Carl Barât & The Jackals的首張專輯來。 

2014年初，Carl表示要組成了他的新樂隊，才去發表下張專輯；原定作為他第2張個人專輯的作品，也要以樂隊的姿態而來。他說：「我不想再作個人音樂藝人，我想再組另一隊樂隊與直截了當地去做音樂。我不想只去僱用Session樂手來巡演。」然而Carl卻又不想找來合作已久的樂手，而是要全新的生力軍樂隊成員。於是他在Facebook落廣告徵求結他手、低音結他手及鼓手，結果喚來千多人應徵，最終找來了Billy Tessio(結他)、Adam Claxton(低音結他)和Jay Bone(鼓)組成The Jackals。

當我看到Carl Barât & The Jackals找來洛杉磯Hardcore Punk樂隊The Bronx的結他手Joby J. Ford操刀唱片監製時，已好肯定箇中的聲音會跟《Carl Barât》專輯時為大相逕庭。無疑，在《Let It Reign》專輯裡，Carl正重拾回那種粗獷而來的Indie Rock功架但又不失他的音樂情感。 

先行單曲〈Glory Day〉是紀念第一次世界大戰時306位遭槍決的英聯邦逃兵，Carl說他們擅離職守不是怯懦而是受了精神創傷，所以是無罪，在有如The Clash的Punk-Reggae曲風下亮點還有Beastie Boys的敲擊手Alfredo Ortiz伴奏。新單曲〈A Storm Is Coming〉並沒有曲如其名的暴風雨來臨之感，反而卻有著如沐春風的清爽獨立搖滾氣息，好比他在The Libertines時期的作品之丰采，而在MV裡他們飾演被電視催眠洗腦的機械化工廠員工，向差利•卓別靈的1936年電影《摩登時代》作致敬之意也不言而喻。 

以小號作前奏的〈Victory Gin〉祭出扣人心弦的火辣獨立搖滾曲風，由Acoustic曲風帶出的〈Beginning To See〉是多麼真摯動聽的Brit Rock歌曲伴以柔揚弦樂而來，〈March Of The Idle〉來得如斯情感豐富但又有火。〈Summer In The Trenches〉再次彰顯出The Clash對他的影響，〈War of The Roses〉聽得到Mod的根源，而〈The Gear〉正告之他仍Punk Rock得起。

Kraftwerk: Pop Art紀錄片

早前BBC4播映了德國杜塞爾多夫電子音樂教父Kraftwerk的一小時紀錄片《Kraftwerk: Pop Art》。影片的德文版早在2013年已於德國播映，現在才由BBC4帶來英文版。

 《Kraftwerk: Pop Art》片中的被訪者包括德國Krautrock老祖Can的Holger Czukay、法裔紐約DJ兼Remix製作人François Kevorkian、底特律Techno先鋒Derrick May、樂評人Paul Morley、平面設計師Neville Brody、Tate Modern的策劃人Caroline Wood、樂隊的攝影師Peter Boettcher，但就是沒有Ralf Hütter等人作現身說法，只用上一段他在1981年的訪問片。

Sleater-Kinney：三個女人再一個墟

踏入2015年，美國獨立搖滾界最為熱話的回歸之作，毋庸置疑是華盛頓州奧林匹亞3人女子樂隊Sleater-Kinney所帶來第9張專輯《No Cities To Love》，畢竟分道揚鑣發展多時的她們，這已是跟前作《The Woods》整整相隔了10個年頭的新專輯，大家都喜見Corin Tucker、Carrie Brownstein和Janet Weiss再次走在一起。 

來自90年代太平洋西北地區Riot Grrrl獨立音樂圈的Sleater-Kinney，當年玩著惡死噪動朋克搖滾歌曲的少女，如今已是4字頭的中女；但她們所奏出的獨立搖滾仍是那麼精采，新專輯再次為樂隊喚來高度評價。正如Corin所說：「今天的Sleater-Kinney來得感覺更強與更具策略性。」

發表過集迷幻與經典搖滾風於一身的2005年專輯《The Woods》以及舉行巡演之後，樂隊在翌年6月宣佈「沒有計劃在未來作巡演及錄音」，某程度上她們已處於解散的狀態。分道揚鑣後，Janet加入了前獨立搖滾名團Pavement主唱Stephen Malkmus的樂隊Stephen Malkmus and the Jicks；Corin組成了她的樂隊The Corin Tucker Band；Carrie則與Janet Weiss另組成全女班4人樂隊Wild Flag，另一方面Carrie還投身成為女演員進軍喜劇界發展，與Fred Armisen組成喜劇2人組ThunderAnt。 

看來Sleater-Kinney對5字尾的年份特別有緣：樂隊的首張同名專輯《Sleater-Kinney》發表於1995年，暫別前的專輯《The Woods》是2005年出品，來到今次的10年來回歸專輯《No Cities To Love》則是在這個2015年初面世。

《No Cities To Love》作為繼《The Woods》的全新專輯，Sleater-Kinney在2012年間已走在一起Jamming與寫歌，實驗著她們再次走在一起後的成果；復合後她們的主旨是要對樂隊作重新創造，而多於緬懷過去。作為3人樂團，重點是Corin和Carrie這對音樂夥伴可以再擦出火花。Janet說：「我常認為Corin和Carrie是很棒的音樂Soulmate，暫休之後令到她們的關係更緊密、極度渴望再次合作，以帶出她們真摯的表現。」

為《No Cities To Love》擔任唱片監製是John Goodmanson(Bikini Kill / Blonde Redhead / Death Cab for Cutie)，熟悉Sleater-Kinney的朋友都不會對這個名字感到陌生，到底過去樂隊的7張專輯中佔了4張是交由他操刀。所以在新專輯裡聽到都是甚正宗的「S-K之音」。

唱道”We’re wild and weary, but we won’t give in”的扣人心弦主打單曲〈Bury Our Friends〉是說她們3人(或2人)的關係，〈Hey Darling〉是唱給其樂迷的訊息。唱出在資本主義下人們之價值的專輯開場曲〈Price Tag〉祭出是如此懾人心魄、咄咄逼人的節奏張力，不失樂隊的左翼立場。〈Fangless〉是她們的霸氣Punk-Funk歌曲，新單曲〈A New Wave〉重拾回New Wave / Girl-Punk的狂野。 

而勾勒出靡爛都會風景的主題曲〈No Cities To Love〉，歌曲的宣傳影片不是正路的音樂錄像，因為片中聽到並非Sleater-Kinney的版本，而是交由一眾圈中好友為她們分別演繹此曲，從My Chemical Romance的Gerard Way、Dinosaur Jr.的J. Mascis等樂手，到演員Fred Armisen、Ellen Page、Connie Britton、Norman Reedus、Sarah Silverman，抑或導演兼作家Miranda July，皆為她們獻唱起此曲，可見Sleater-Kinney在圈中人緣甚佳。