Blur：港英製造

為甚麼Blur的回歸專輯《The Magic Whip》之面世都得以成為大家一時佳話、為之引頸以待，原因是：1. 專輯是樂隊在兩年前舉行過香港場音樂會後留港於Avon Studios灌錄；2. 這不但是Blur繼《Think Tank》之後足足睽違12年來的全新專輯，其重大意義更是自1999年的《13》以來樂隊再次以有齊Damon Albarn、Graham Coxon、Alex James、Dave Rowntree完整4人陣容所帶來的官方專輯。

更何況作為前英國殖民地，一隊鼎鼎大名的英國樂隊跑來香港灌錄唱片，那總比起是一隊美國樂隊為有意義得多。

大家都應該很清楚，《The Magic Whip》專輯之所以得以出現，並不是有預謀的音樂計劃——2013年5月6日Blur首度在香港舉行音樂會，然而由於原定的台北場演出及日本《Tokyo Rocks Festival》相繼取消，打亂了樂隊的亞洲巡演路線，所以他們作出折衷的決擇，就是在香港多逗留一星期以承接之後的巡演行程，並在這個空檔期租用了5天位於佐敦南京街的Avon Studios閉門造車、嘗試錄製新唱片，這不單是以保持樂隊的工作狀態，也促使Blur自2009年正式復合以來正式聚首為樂隊的新專輯動工。故事發展下去，是連樂隊也把這批錄音投閒置散下來、不肯定會否公諸於世，直到去年11月Graham重拾這批在香港的錄音，並找來樂隊在90年代的唱片監製Stephen Street，與Damon和Graham聯袂擔任製作人，跟著在12月Damon低調地再訪港以兩天時間尋找靈感為歌曲譜寫上歌詞，把這些錄音變成歌曲，再到今年1月底完成主唱灌錄，這張《The Magic Whip》專輯才終告得以誕生。 

別忘記2003年前作專輯《Think Tank》是他們遠赴摩洛哥馬拉喀什錄製， 而《The Magic Whip》的「香港錄製/創作」背景，毋庸置疑是這張Blur回歸專輯背後的話題與典故。但《The Magic Whip》並不是全然在香港的Avon Studios灌錄，正確來說是以香港灌錄的部分作為基礎，後來還有在倫敦Studio 13進行的錄音，以及Stephen Street主理的附加錄音部分。情況就如Damon與非洲馬里樂手Afel Bocoum及Toumani Diabate合作的民族音樂專輯《Mali Music》(2002年) 般，先在馬里錄音，然後返回英國完成。

所以Blur也認定《The Magic Whip》是一張「香港製造」的專輯，從專輯的發佈會記招是在大年初一於倫敦一家中菜館舉行，唱片封面上Blur與《The Magic Whip》大字譯名為「模糊」和「魔鞭」繁體字樣、霓虹燈字體亦是來自他們對香港的印象，而專輯裡差不多每首歌皆設有中文歌名，封套內的地道美藝設計(總覺得那色調配搭是取材自紙紮舖)，都成為大家談論之處。

但更重要是在《The Magic Whip》裡我們再次聽到Damon和Graham這對音樂拍擋所產生的音樂化學作用，糅合著雙方的特質。Damon近年的細膩情感曲調、Graham獨特的結他聲，加起來便是很Blur的東西。沒錯Damon在歌曲創作上是具某程度上的主導性，但如找Stephen Street操刀唱片監製便卻是Graham的主意，畢竟Stephen不但早年與Blur合作無間，而且他也是後來Graham多張個人專輯《Happiness in Magazines》、《Love Travels At Illegal Speeds 》和《The Spinning Top》的監製。彼此間找到了一個平衡，而且專輯裡包含的風格甚廣。

如果說前作《Think Tank》是處於Graham離隊後樂隊三缺一之階段而儼如Damon化的個人作品，那麼《The Magic Whip》便正正重現了Graham在Blur裡的味道。首張先行單曲〈Go Out〉那光怪陸離、聲效竄流的Lo-Fi Rock風格，都顯然是 《13》時期甚至乎是Graham的個人作品延續，而由汽車聲Field recording帶出清爽Brit Rock曲風的〈Lonesome Street〉映照出在對香港繁忙街道的印象下，宛如回到1997年同名專輯《Blur》時的聲音，配以妙趣的琴音。更直截了當，是New Wave搖滾風格的〈I Broadcast〉，而緬懷Britpop好時光那還有Classic-Pop的〈Ong Ong〉，Singalong的“La-la-la”副歌，連許冠傑也可以翻唱，即使後來出現了亞洲音樂式敲擊。 

《The Magic Whip》並不獨是Blur借香港為噱頭的唱片，同時也真正反映到這個城市帶給他們的薰陶，不難尋見Damon筆下的香港風景與回應。由電影感弦樂牽引的〈There Are Too Many of Us〉勾勒香港出地小人多的擠迫生活環境(There are too many of us / In tiny houses, here and there / All looking through the windows / On everything we share)，在此曲的低成本音樂錄像裡，樂隊亦擠在狹窄排練室拍攝以營造出一份壓迫感，還要附上密密麻麻的香港樓景剪影；由Jazz Groove帶動的幽美民謠歌曲〈New World Tower〉取材自中環皇后大道中新世界大廈；柔揚而憂傷Sci-Fi Folk歌曲〈Ice Cream Man〉隱喻到雨傘運動以至89年「六四」( “I was only 21 / When I watched it on TV” ——Damon是出生於1968年)； 〈Ghost Ship〉在輕輕鬆鬆懶洋洋的Reggae / Ska曲風下從早上8時的空蕩蕩的九龍說到搭纜車到寶蓮寺，Damon再引伸出他相隔18個月後重返香港得悉佔領/雨傘運動(“I got away for a little while / But then it came back much harder / Cause I'm on a ghost ship driving my heart, Hong Kong)。而〈Ong Ong〉是沒有了H和K的”Hong Kong”吧，還唱道”On a slow boat to Lantau, the misty seas / I want to be with you”，。

也可以肯定，〈My Terracotta Heart〉是Blur最縈繞心頭的歌曲，苦澀的主唱與憩靜的結他在Trip Hop節奏下絲絲入扣而來，萬般美麗且怦然心動。長達6分鐘的〈Thought I Was a Spaceman〉是由Beatbox節拍帶出的Space-Folk / Art Rock曲目，以Dubby聲效與Synth氛圍來營造出太空感，也延續著Damon在《Everyday Robots》時的孤獨感，但有鏗鏘的琴音。從香港到北韓，調子幽暗的〈Pyongyang〉是他們另一首Art Rock歌曲，有如的John Barry配樂感配以Alex歷來最棒的Bassline——某程度令我聯想起Mick Karn來。〈Mirrorball〉祭出靡爛的異國風情古老東方電影配樂色調，亦耐人尋味如David Lynch的電影插曲，曲中再次是Damon筆下的香港風景，從佐敦地鐵說到海洋公園(Mirrorball on a Jordan train / I was under sea then up for air again / Ocean Park where the seagulls cry / I remember flying dragons too / I was there with you)。

Sufjan Stevens：淡淡然追憶

毋庸置疑，這是近期最為叫我聽得悸動不已的專輯——我說是美國紐約布魯克林獨立民謠唱作歌手Sufjan Stevens的2015年專輯《Carrie & Lowell》。 

《Carrie & Lowell》是今年即將40歲的Sufjan的5年來全新專輯(縱使多產的他期間在2012年曾出版過《Silver & Gold》這套聖誕歌Box Set)。有別於2010年前作專輯《The Age of Adz》的Folktronica電氣化民謠取向，《Carrie & Lowell》之重點不獨是Sufjan反璞歸真、回歸接近Acoustic-Folk姿態——上次Sufjan發表純民謠風格的專輯，已是2004年的《Seven Swans》了。而這張以其母親及後父名字來命名的專輯，是因其母Carrie在兩年前胃癌病逝所有感而發寫成，圍繞著童年回憶、愛與死亡為題，是他歷來最個人化與半自傳式的專輯。

唱片封面是Carrie和Lowell的陳舊寶麗萊生活照，很隨意的照片卻又很真實。聽著《Carrie & Lowell》裡的淡淡然歌曲，就宛如翻看著Sufjan Stevens的發黃舊相簿。

因母之名的唱片，然而Sufjan卻並非與母親相依為命下成長的男生，也不是成長於母親與後父所組織的家庭。當Sufjan只有1歲時，其母捨棄他們而去，他從小跟父親及後母在家鄉底特律成長。直到Sufjan在5歲那年，其母Carrie與第2任丈夫Lowell Brams結婚後，才接送Sufjan到他倆俄勒岡州Eugene的家中度過了3個難忘的夏天，在他的生命中留下深刻的烙印。在Sufjan眼中Carrie是個好媽媽，但問題多多(酗酒/毒品/精神分裂)，很兩極化。直到Carrie跟Lowell離異，母子關係又再疏離起來。反之，Sufjan卻跟後父Lowell關係密切得多：他是從少已影響著Sufjan聽歌口味的音樂啟蒙老師，到了與Carrie離婚後Lowell仍會去探望Sufjan與帶錄音帶給他，並且在Sufjan少年時代開始已很欣賞其音樂才華；後來Sufjan和Lowell更在1999年成立了獨立唱片廠牌Asthmatic Kitty，打從Sufjan的首張專輯《A Sun Came》開始便一直都是在這自家公司出版唱片。 

2012年11月，Sufjan收到其姨媽的來電，說身患癌症的Carrie正在醫院深切治療部，命不久矣，叫Sufjan來看她的最後一面。不久之後，其母離世。懷著喪母之痛，Sufjan在美國國內走遍俄勒岡州波特蘭、奧克拉荷馬州諾曼、威斯康辛州歐克雷爾、紐約市的曼哈頓和布魯克林所灌錄了這批歌曲，更有是在俄勒岡州克拉馬斯縣的酒店房間用iPhone收錄，但Sufjan說不會視之為Demo，而是對其人生的黑暗季節之紀錄。在圈中好友(包括Laura Veirs、S. Carey)的協力下，把死亡陰影與童年回憶的交集出思潮，譜成《Carrie & Lowell》這張觸動心靈的民謠專輯出來。 

其第7張專輯《Carrie & Lowell》所帶來都是憂傷與哀愁的Folk-Based歌曲，沒有悲天憫人的苦痛愁緒，卻只有輕盈而幽美得吹彈可破的旋律、詩意而細水長流的情感、淡淡然的演繹，對Sufjan來說這就是他的復癒系專輯。

勾勒出一片雋永田園幽情的開場曲〈Death with Dignity〉把情景帶到去醫院深切治療部病房、面對彌留的母親時，從原諒(“I forgive you, mother, I can hear you”)說到死亡是必經階段(”But every road leads to an end”) ；〈Should Have Known Better〉由3、4歲時說起來帶出不愉快的回憶；〈Eugene〉是對Carrie和Lowell在Eugene的舊居之點滴往事以及那些年渴望得到母親的愛(I just wanted to be near you”)再說到面對親人離世的心靈空虛(“Now I’m drunk and afraid, wishing the world would go away / What’s the point of singing songs, if they’ll never even hear you?”) ；〈No Shade in the Shadow of the Cross〉配以汽車聲Field Recordings背景下有如Nick Drake的傷感民謠歌曲，Sufjan以輕輕假音唱出他的悲痛自白(”Fuck me, I’m falling apart”)；而由空靈氛圍帶出的〈Fourth of July〉更是他在醫院病床旁時對死亡的想法：”We’re all gonna die”。 

已久未有過一張專輯每次聽到時都讓我鼻子酸起來，《Carrie & Lowell》在縈繞心頭的悠悠清雅民謠曲子間，正有如斯的作用。

The Prodigy：迴光返照反擊戰

如果當大家視1997年專輯《The Fat Of The Land》為The Prodigy處於登峰造極狀態的驚世駭俗鉅著、展現出樂隊的Breakbeat-Heavy-Electronic-Punk混種風格之完全體典範與Big Beat樂潮的神級經典，那麼打後10多年來這個名字的創造力都是只有叫人感到失望居多，好懷疑樂隊的製作人/創作主腦Liam Howlett是否已江郎才盡。所以我把他們的2015年專輯《The Day Is My Enemy》視為其迴光返照之作、更被喻為他們自《The Fat Of The Land》以來最強悍的作品，這也不是誇張的說法。 

畢竟回望從《The Fat Of The Land》到《The Day Is My Enemy》的18年之間，The Prodigy只曾發表過的兩張專輯而已——不事生產多時之後，在2004年帶來叫樂迷望穿秋水的7年來回歸作《Always Outnumbered, Never Outgunned》根本只是掛上The Prodigy名義的群星拱照Liam Howlett個人作品；2009年以3人陣容灌錄的《Invaders Must Die》專輯還算水準不過不失，但已難以再跟《The Fat Of The Land》時代的勇猛狀態作相提並論。所以我早已對The Prodigy這個名字不再深記厚望，就是這個因由，他們睽違6年的全新專輯《The Day Is My Enemy》反而來得有點驚豔。

2012年間，The Prodigy已曾表示新專輯暫名為《How to Steal a Jetfighter》；今年年1月，樂隊亦正式公佈新專輯命名《The Day Is My Enemy》——這個「激進」的唱片名字，原來是取材自Cole Porter發表於1934年的老歌〈All Through the Night〉之首句歌詞"The day is my enemy / The night my friend"(而且令他們靈機一觸的還要是Ella Fitzgerald之爵士版本)。這張跨越6年在不同的錄音室製作的專輯，亦被他們事先張揚為帶來暴烈、憤怒與張力十足的聲音；另一重點，是有別於以往由Liam作主導的作風，是今次讓Maxim和Keith來共同創作之下，他們強調是The Prodigy歷來「最”樂隊”的專輯」。 

《The Day Is My Enemy》並沒有甚麼石破天驚的突破性新意念，但卻是來得官能相當之刺激的The Prodigy專輯，歌曲首首有火，令人聽到蠻痛快。

主題曲兼專輯開場〈The Day Is My Enemy〉綻放出氣勢磅礡、如雷貫耳而來的Tribal節拍，配以瘋狂Techno-Rave-Punk張力以及早年跟Tricky合作無間的女歌手Martina Topley-Bird之爵士演繹出〈All Through the Night〉的兩句歌詞，我們就是喜歡這樣的三不像怪物作品。耐人尋味的先行單曲〈Nasty〉是由三弦琵琶演奏引子帶出的轟炸性Big Beat歌曲，以示威口號般的主唱唱出的〈Wild Frontier〉是多麼具攻擊性的高壓Breakbeat曲目，而大唱” F**k this and f**k the cash / F**k you and your heart attack / Follow me to the wall of death / Welcome to the wall of death”新單曲〈Wall Of Death〉更是戾氣兼火氣十足地咒罵到你心臟病發死亡的黑暗Techno-Punk曲目。 

再看〈Nasty〉和〈Wild Frontier〉這兩曲的MV，彼此之共通點是以動物戰勝人類為主題，The Prodigy仍反動盎然。 

短小精悍的〈Rebel Radio〉是瘋狂地由Vocoder與人聲以及狂風掃落節拍所構成的電台Jingle式短歌，〈Destroy〉以Breakbeat與Rave的能量祭出摧毀性爆炸力，〈Rok-Weiler〉是叫人瘋狂彈跳的大剌剌電音搖滾，有英國製作人Flux Pavilion助陣的〈Rhythm Bomb〉是猶如炸彈般而來之Rave舞曲，〈Roadblox〉那跳脫而綻放出搖滾張力的Drum ‘n’ Bass攻略，Sample了芬蘭迷幻Big Beat樂團Pepe Deluxé一曲〈Salami Fever〉的〈Get Your Fight On〉祭出霸氣的巨大搖滾結他Riff，Downtempo電氣搖滾〈Invisible Sun〉所有著Post-Punk的肌理，〈Medicine〉是由中東異國風情帶出的Big Beat曲目，都非常之懾人心魄。

而與英國諾定咸Post-Punk/Hip Hop組合Sleaford Mods合作的〈Ibiza〉不是在表揚Ibiza這片派對勝地，而是狠狠地批判那些乘噴射機抵達、插上USB手指便能舉行其已預錄好之DJ set表演的那些所謂Superstar DJ，問道他們“What’s he f**king doing!?” 

專輯裡的另一亮點曲目，對來來說是〈Beyond the Deathray〉——The Prodigy歷來最美麗的電音樂目，我會形容這是一首電影感的Rave Ballad。

Björk：受傷的女人

近年Björk已保持著每4年發表一張全新官方專輯之產量，每次都是處心積慮而來之作。2011年前作《Biophilia》又來app專輯又是帶出科技與大自然關係的概念專輯又研製電子樂器裝置，處處展現出其高度創作野心與智慧的跨媒體作品。然而作為她4年來的全新專輯《Vulnicura》，卻是Björk還原基本步、回歸以歌曲為本、歷來最個人化而最令人悸動的唱片專輯。 

《Vulnicura》的創作背後，是Björk與美國視覺藝術家Matthew Barney的13年感情關係告一段落、在2013年分手收場，從而打造出這張她的「分手/心碎專輯」出來。

在這個3月份Björk除了發行《Vulnicura》這張新專輯(雖然因為歌曲外洩而提早了兩個月把專輯在1月20日先行於iTunes上發表)，以及展開《Vulnicura》的巡演之外，還有自月初開始在美國紐約市「現代藝術博物館」MoMA舉行維期3個月同名展覽《Björk》、在月底出版音樂生涯回顧書集《Björk: Archives》等等連串活動，以總結她自1993年處女專輯《Debut》以降的20多年個人發展。 

《Vulnicura》就是一張「傳統」的Björk的專輯，甚至被拿來跟1997年的《Homogenic》專輯作相提並論。Vulnicura即拉丁語的「傷口治療」之意，唱片封套再次交由M/M Paris擔任美指，Björk造型上之亮點不是她的「蒲公英頭」，而是在胸口/心臟位置顯露出一大處傷口；而限量版唱片封面則由錄像製作人Andrew Thomas Huang操刀，Björk化身成人類與火山的混合體，在破裂的胸口間流出熔岩，然而這個封面的影片版本(見歌曲〈Family〉的短片)，最後其破裂胸口卻得以自癒修復。 

在《Vulnicura》裡Björk以紀錄形式來創作她這張分手專輯——專輯內的大部分歌曲都具體地附有分手前後的月份注釋，描寫出當時的狀況，早至分手前9個月、遲至分手後的11個月，以跨越20個月的時間表，如日記般來赤裸裸地記載她與Matthew的感情關係決裂過程。然而《Vulnicura》在分手專輯的大前提下，這宛如Björk的復癒系作品——歌曲傷感得來，卻又不太沉痛與悲天憫人。

以音樂創作來作為治療，Björk不但寄情於寫歌，同時也將她的戚戚然情緒譜寫成歌曲弦樂編曲；所以除了歌詞與旋律之外，她又在另一個層次上以不立文字直指人心的方式來勾勒出其思潮起伏。當你細味《Vulnicura》的作品時，都可聽得到箇中的複雜的情感，從而打造出這張讓人聲跟電音與弦樂水乳交融而來的Björk專輯。 

而電音製作方面除了Björk親自出手外，跟她聯袂操刀的是兩位電音新寵兒——委內瑞拉電音才子Arca和英國Ambient電音樂手The Haxan Cloak。Arca是今次的主要製作人，專輯裡有6首歌曲是他與Björk所聯袂監製、當中兩首是2人所合寫；此君曾跟Kanye West、FKA twigs合作而名聞遐邇，但其實當Björk在2013年聽過Arca的《&&&&&》Mixtape後，已甚欣賞他的才華，早在《Biophilia》巡演時便找過他擔任Afterparty的DJ，然後引伸成雙方在2013年夏天展開音樂合作關係。 

《Vulnicura》就是一張分手的概念專輯。開場曲〈Stonemilk〉在電影感的弦樂下，從道出開始對感情亮起了紅燈作出紀錄(“Moments of clarity are so rare / I better document this”)，然後唱道“Who is open? / And who has shut up / And if one feels closed / How does one stay open?”已是貌合神離的端倪。主打作〈Lionsong〉裡Björk的歌聲、弦樂與抽象電音節拍的交織下，泛起淡淡然的思古幽情，唱出內心的疑慮(“Maybe he will come out of this loving me / Maybe he won’t”)。〈History of Touches〉是到了同床異夢時對過去的親密關係的回想。長達10分鐘的〈Black Lake〉在葬禮般的弦樂下勾勒出傷春悲秋的哀痛情感，慘白地唱出”My soul was torn apart / My spirit is broken”，中段由重型的Techno節拍劃破。 

Matthew是Björk次女Isadora Bjarkardottir Barney之父，2人分手最令Björk感到最心痛與悲哀的不是她失去了伴侶，而是女兒失去了完整的家庭、傷害了女兒。〈Family〉便唱出父親/母親/孩子的家庭三角關係已破碎(“For the dead of my family”)，只餘下父親與孩子關係、母親與孩子關係，沒有了愛的三角，曲中弦樂也忽然充滿菱角起來。

分手後11個月的〈Notget〉乃開始踏入復癒階段，從Michael Nyman式弦樂到電音橫流，歌曲的感覺已光明起來；下半部分有Antony Hegarty(Antony and the Johnsons)客串為她獻聲合唱的〈Atom Dance〉，好比圓舞曲般曼妙、以原子舞來作治癒。〈Mouth Mantra〉唱出分手之必要(“Need to break up / Vicious Habits / Do something I haven’t done before”)。碟末的〈Quicksand〉是今次最具跳脫電音Breakbeat節拍的一曲。

Fantastic Day：給明日的派對

說來，近年來已好像沒有香港的獨立樂隊出版CD single這東西(反而有出7”單曲細碟)——我所指是開宗明義的單曲出品，不是EP；是正式作公開發售的，而只非作免費派發。所以當收到香港獨立搖滾樂隊Fantastic Day的全新單曲〈For Tomorrow〉時，好有一種「久違了的本地獨立音樂CD single出品」之感覺。 

在這張CD單曲裡只收錄兩首曲目：〈For Tomorrow〉的原版，以及歌曲由The Justin K操刀的Remix版。 〈For Tomorrow〉是Fantastic Day繼2013年底首張專輯《Innocent》後的新作，由Alok Leung監製與混音，也是新鼓手Winston加入後首支灌錄的歌曲。

出自主唱Dee手筆的〈For Tomorrow〉是首來得賞心悅目、短小精悍的美妙明快Indie-Pop歌曲，清風撲面得來又帶點神傷，其爽朗之處好比New Order的〈Age of Consent〉，抑或The Cure的〈Inbetween Days〉和〈Just Like Heaven〉，Winston的鼓擊為歌曲注入了相當的跳脫Groovy節奏，很有90年代初葉的英倫獨立流行樂氣息，而Dee一手如流水行雲的Synth獨奏亦同樣妙不可言。

而由The Justin K所主理的Extended Dance Mix其實不算是很舞曲的版本，反而突顯了歌曲師承自New Order那種Indie-Dance基因，從開始時仍有點Post-Punk肌理到尾段愈來愈Acid House，注著變化編排——為歌曲在單曲唱片裡帶來Dance Mix版本，那壓根兒是很90年代初葉Indie-Dance紀元的事吧。

 〈For Tomorrow〉的CD single+Tee限量套裝會在本週六於Fantastic Day為agnès b. 的《RUE DE MARSEILLE Live》演出時於K11店作獨家首賣。

tricot：令人心花怒放的女流三重奏

去年3月我看到日本京都市Math Rock樂隊tricot在Hidden Agenda舉行的《What's Ochansensu-Su!? tricot Asia Tour 2014》香港場音樂會，誠然這支3女1男陣容樂團的演出，無疑是比起看一眾其貌不揚的日系男性Math Rock隊伍為多了一種賞心悅事的感覺——別誤會我是帶著色迷迷的毒男眼光去看台上3位女生樂手，而是她們的現場表演確是奏出了一股青春活力，令人聽得心花怒放。 

畢竟tricot的談論焦點，是她們的音樂被形容為「複雜但流行」——她們有著少女流行搖滾樂隊的形象包裝、討喜的年輕樂手賣相、別緻而滿溢陽光氣息的音樂錄像，但卻得以在Math Rock圈子受到注目；她們的搖滾音樂有著複雜的節奏層次、祭出變化多端的「變拍」鋪排，但卻又以歌曲作主導，帶來情感豐富但冷靜的主唱。

隨著長髮男鼓手Komaki在去年退出，tricot並沒有找來新鼓手加入，在這崗位懸空底下，tricot也變成主唱兼結他手Ikkyu Nakajima、結他手Motoko “Motifour” Kida和低音結他手Hiromi “Hirohiro” Sagane的全女班3人樂隊。其實tricot初成立時，也是由這3位女生開始，所以現在只是還原基本步。沒有找固定鼓手加入，卻反而令tricot音樂來得更具自由度。

延續了以3個字母命名的作風，繼2013年的《T H E》之後，她們的第2張專輯亦喚作《A N D》。

《A N D》是tricot連同6位不同的鼓手所收錄而成的專輯，來個群鼓手拱照。除了前隊友Komaki之外，還有東京事變的刄田綴色、後藤まりこ樂隊的千住宗臣、MIYAVI的Bobo 等打鼓，全都是她們欣賞的鼓手，而且各有不同的風格與鼓聲。 

今次的先行單曲〈Break〉、也是改組後所發表的第1首作品，歌曲的音樂錄像裡剪輯了其世界各地樂迷們撕掉寫上英文單字的紙張之影片，以示破舊(舊tricot)立新(新tribot)的含意。新單曲〈E〉本是暫名〈Virus〉，歌曲寫於Ikkyu傷風的時候，引子的結他Riff也聽似打乞嗤般，歌曲所說卻是網絡遭黑客入侵，曲中不乏tricot的爆炸力掟放，諷刺的是tricot現沒有固定的鼓手，而單曲的唱片封面上3位成員都坐在鼓座上，MV裡3人亦有打鼓，以示人人都是鼓手之意。 

開場曲〈Noradrenaline〉是集溫柔與緊湊、技術與流行於一身的Math Rock流行曲，〈Hashire〉扣人心弦而靡爛優美，在Ikkyu輕盈的主唱下〈Kobe Number〉來得清爽怡人，〈Niwa〉的Funk Rock曲式是那麼跳脫Groovy而張力十足，爵士Fusion樂風下的〈Pieeen (A N D Version)〉足以彰顯出樂隊變化多端的節奏，接近7分鐘的〈QFF〉是表現了Ikkyu唱功的淒美Dream-Pop歌曲，但尾段在變拍之後乃變成愉快的曲子來。

Public Service Broadcasting：美蘇太空競賽啟示錄

毋庸置疑由J. Willgoose, Esq.和Wrigglesworth所組成的英國倫敦2人樂團Public Service Broadcasting是來得多麼風格別樹一幟：1. 他們是以電音曲風為基調的樂隊，卻又配以有機性的結他、Banjo、真鼓演奏，甚至弦樂與管樂，從而打造出跨越Dance-Punk/Indie-Dance、Electro、Funk、Folk以至Krautrock節拍以及電影配樂而來的折衷主義聲音；2. 創團成員Willgoose所精心挑選、喋喋不休而來的古老政府宣傳片與紀錄片檔案的人聲取樣，更是Public Service Broadcasting所不可或缺的元素。 

在2013年發表的首張專輯《Inform - Educate - Entertain》令到他們名聞遐邇——專輯曾打上英國排行榜第21位，還被選為BBC 6Music的年度10大專輯之一、備獲AIM Awards的「最佳獨立專輯」之提名，Public Service Broadcasting這個名字能夠廣受注目亦是不爭之事實。即使Willgoose用上古老的影片作人聲取樣，卻不代表PSB要去戀舊/懷舊；所使用的人聲取樣是來自舊檔案，但其歌曲卻不是用上古老的音樂。他說：「我們帶來過去的東西而以新的方式來編制取景，跟他們於現在接合。」又或者有如他們曾表示——以未來的音樂來教授了舊日的一課。來到睽違兩年的第2張專輯《The Race For Space》，便更彰顯他們的「復古未來主義」(Retro-Futurism) 姿態。

《The Race For Space》以冷戰時期「美蘇太空競賽」為題的概念專輯，帶出是1957到1975年期間美國與蘇聯的太空競賽歷史——兩國在開發人造衛星、載人航天和月球探測等空間探索領域的競爭，從蘇聯在1957年發射了第1顆進入地球軌道的人造衞星「衞星一號」(Sputnik 1)而震撼了整個西方說起。早在2013年初Willgoose為BFI的美蘇太空影片製作配樂時，已定下了這個構思。 

配合「美蘇太空競賽」之概念，《The Race For Space》還採取雙封面的設計——同時有「美國版」與「蘇聯版」兩個封面，兩個都是封面、任君選擇；而打開這個Gatefold封套，內裡是一片茫茫無際的太空景象，沒有上與下之分，正如身處太空的無重狀態般。

Deep Techno/ Balearic曲目〈Sputnik〉是說蘇聯的「衞星一號」。先行單曲〈Gagarin〉是向史上首位登上太空的太空人Yuri Gagarin(蘇聯)作致敬，在Afrobeat節拍以及6人銅管樂與5人弦樂的伴奏下，祭出了Gagarin雄赳赳的超級英雄姿態，其單曲唱片封面也大玩蘇共式美藝設計。靡爛幽美的Downtempo曲風下，〈Valentina〉是以史上首位進入太空的女性太空人Valentina Tereshkova為題，由於PSB所取材的人聲Sample都缺乏女聲的東西，所以他們索性找來英國Sussex雙人女子Dream-Folk組合Smoke Fairies為他們獻聲唱和。 

主題曲〈The Race For Space〉以Choir唱詠配以總統甘迺迪在1962年的Moon Speech；〈Fire In The Cockpit〉是說1967年阿波羅1號例行測試中指揮艙發生大火令3名太空人喪生的悲劇，漫天無際的氛圍下乃奏出一份悲愴沉痛；歐陸電音風格的〈The Other Side〉是帶出飛越月球之旅。〈E.V.A.〉是其扣人心弦的太空搖滾樂曲，好比衝上雲霄的〈Go!〉再次是他們乘著Krautrock/Motorik Beats而來的曲目，一飛沖天去。