教授生前給我們的三份最後禮物

得悉坂本龍一(1952 - 2023)的離世噩耗後，樂迷的本能反應，就是在腦海間隨之浮現起很多對教授的音樂回憶，然後就會好想重溫他的作品，以作為一種悼念方式。那一刻，我最想拿出實體唱片來重溫的，並非教授昔日的經典舊作，而是才在今年1月發行的《12》——教授的最後專輯，他的完美最終樂章。 

坐言起行，翌日下午，我完完整整地細味了一遍《12》專輯。那是坐在屋企梳化上，很專注地聽著這套雙張透明膠唱片，偶爾翻閱著內附教授的手寫樂譜，以及那本另附的冊子，感覺是多麼治癒、多麼平靜。忽然有感，到底《12》是不是教授要留給樂迷在他身後細聽的專輯呢？ 

其實在過去四個多月間，教授在生前送了三份最後禮物給我們。 

先是在去年11月底出版的致敬專輯《A Tribute to Ryuichi Sakamoto: To The Moon and Back》，那是由其經理人團隊發起以慶祝去年教授70大壽的致敬項目，欽點各路音樂單位來重新闡釋remodel其曲目，包括有David Sylvian、Thundercat、Electric Youth、Cornelius、Devonté Hynes、Hildur Guðnadóttir、Alva Noto、Fennesz、The Cinematic Orchestra 、Yoshihide Otomo、Lim Giong、Gabrial Wek、404.zero操刀，既是對其經典作之回望，也是在前瞻。水準之高，叫我義無反顧地納入為我的2022年度專輯名單上。 

跟著是在12月全球同步線上直播的《Ryuichi Sakamoto: Playing the Piano 2022》音樂會，猶如教授送給大家的聖誕禮物。這個被視為教授最後一次公演 / 告別演奏會，結果也一語成讖。 

然後就是《12》在今年1月面世，從而構成教授的最後禮物三部曲。 

昨天，我也完整地以黑膠唱片重溫了《To The Moon and Back》，發覺那跟《12》的唱片封面設計來得同出一轍，彼此同是有著白白的一片背境，配以很有大地彩色的圖像，感覺輕盈，如靈魂般的。

Depeche Mode：傷逝：死亡陰霾：電音初衷

對於一眾「老DM迷」而言，我相信大家都是懷著不一樣的心情去聽Depeche Mode六年來的的回歸專輯《Memento Mori》，畢竟這是Andrew Fletcher在去年離世後，Dave Gahan和Martin Gore讓Depeche Mode以二人組形式歸位。即使明知後來Andrew在DM裡老早已沒有具體地負責音樂製作與演奏、沒有甚麼重大影響力，但樂隊失去了一位創團成員，這隊英國傳奇性電音樂團也從此留下一個缺口。 

作為DM的「後Andrew Fletcher」專輯，無論是專輯名字《Memento Mori》為拉丁語的”remember you must die”之意，抑或Anton Corbijn的唱片封面設計，都籠罩著一份死亡陰霾、一份傷逝。專輯裡的歌曲是在COVID疫情大流行期間所創作，加上Martin Gore又在2021年「登六」而有感對生命亮起警號，也是何解有不少作品乃涉及死亡與活著的題材。這些曲目都是寫於Andrew Fletcher逝世前(可惜他卻沒有機會聽到)，然而卻又在冥冥中回應了他的離去。 

也不知是否因為Dave Gahan和Martin Gore有意向這位已故DM創團隊友致敬而影響到《Memento Mori》在曲風上的取向，毋庸置疑今次他們大大地減低了過往的electro-blues取向，反之實行重投DM的電音初衷。甚至今次有好幾首作品的歌名，更能叫樂迷勾起對DM舊作之情意結——〈People Are Good〉令人聯想起〈People Are People〉、〈Never Let Me Go〉令人聯想起〈Never Let Me Down Again〉，〈Don't Say You Love Me〉則可想到〈It’s No Good〉那一句歌詞。 

跟2017年專輯《Spirit》一樣，《Memento Mori》再次是交由來自Simian Mobile Disco、曾為Arctic Monkeys / Foals / Florence & The Machine / Shame操刀的James Ford擔任監製。然而你並不會覺得今次是前作的延續，反之卻有些意料之外的地方，比如Martin Gore跟來自post-punk / new wave名團The Psychedelic Furs的Richard Butler所合寫了四首歌之多(意想不到二人竟是圈中好友)，還有是DM首次在多首作品採用真弦樂伴奏。 

先行單曲〈Ghosts Again〉毋庸置疑是Dave Gahan和Martin Gore一次叫人為之動容的回歸作，歌曲實行重投那種最classic DM的electro-pop風格(我個形容為介乎《Music for the Masses》與《Violator》之間的聲音)，關於死亡與生命之有限的歌，悲傷而有著溫婉的情感——是bittersweet、是melancholy-joyous的，即使唱著” A place to hide the tears that you cried / Everybody says goodbye”，但歌曲卻呈現出歐陸電音流行樂之uplifting底蘊。而由Anton Corbijn執導的黑白片mv裡，二人重現了Ingmar Bergman的1957年電影《第七封印The Seventh Seal》那象徵著人類戰勝死亡之不可能挑戰的死亡棋局。

 

《Memento Mori》的開場曲也是第二張單曲〈My Cosmos Is Mine〉，祭出闇黑冷洌的industrial電音，意境深邃，懾人心魄。Dave唱得行屍走肉冷漠無情，Martin的和唱則如幽靈般，形成不少二重唱段落，一起唱道”No rain, no clouds / No pain, no shrouds / No final breaths / No senseless deaths”。尾部以鬼魅的倒播效果作結。

 

說到DM向電音初衷尋根。〈Wagging Tongue〉壓根兒是師承Kraftwerk的〈Europe Endless〉那種歐陸electro-pop風格，來得流麗輕盈但卻是首黯然神傷的electro-pop歌曲：”I won't be persuaded / Kiss your doubts goodbye / Everything seems hollow / When you watch another angel die”。而〈People Are Good〉也不難叫人聯想到Kraftwerk的德國系簡約techno-pop電音曲風。

 

何況他們也似乎想復刻樂隊舊日的聲音。〈My Favourite Stranger〉由活像早年synth-pop作品的bassline肌理驅動但又來得接近《Violator》時期的風格，〈Caroline's Monkey〉也好比80年代DM的低調synth-pop歌曲。

 

〈Don't Say You Love Me〉聽來是很DM式的中板歌，重點是那蕩氣迴腸的goth電影感弦樂演奏。〈Never Let Me Go〉那絲絲入扣的鼓擊與bassline組態可叫入聯想到Joy Division來，大抵是DM歷來最post-punk的一曲，然而這首electro rock歌曲卻有著好比Nine Inch Nails的鋒利結他riff。 

 

Martin Gore獨唱的歌曲，今次有electro-soul / gospel ballad曲目〈Soul With Me〉，他的歌聲真摯依然，有著一種老歌的韻味。專輯結尾是Dave Gahan跟James Ford、Marta Salogni等人合寫的〈Speak To Me〉，相當縈繞心頭的ballad，懾人的電音氛圍soundscape跟弦樂伴奏水乳交融。

 

【Boy George專訪】他與Culture Club的One World. One Love

40年前，才只有發表過一張專輯的英倫新銳new wave / new romantic樂隊Culture Club以嶄露頭角的姿態在1983年夏天登陸香港，在AC Hall舉行專場音樂會，而成為一時佳話，在我城所帶來的矚目程度，翌年就連《歡樂今宵》也要找來廖啓智去扮其主唱Boy George表演〈Do You Really Want to Hurt Me〉。事隔40年，Culture Club不是要再度訪港，但我們卻可以在2月25日於本地電影院大銀幕上，看到他們以Boy George & Culture Club名義舉行《One World. One Love Live》的Bank of America Performing Arts Center現場演出轉播。 

之前電影公司安排了我跟Boy George做文字訪問，本以為是文字發問、文字回覆。意想不到，收到的是Boy George的回答影片，有點喜出望外。看著Boy George對著手機鏡頭答覆你的問題，就好像跟一位老朋友在視訊般。 

去年是Culture Club的1982年首張專輯《Kissing to Be Clever》面世40週年紀念，來到今年10月又將會是樂隊的第二張專輯《Colour by Numbers》之40週年。兩張Culture Club的劃時代經典專輯相繼40歲，Boy George也毋庸置疑為之大感興奮，然而同時他又以另一種心態去看待樂隊那些年的作品。 

「我現在傾向於回去聽那些早期的唱片，並在某種程度上去辨認當中的歌詞，以某種方式試圖找回我當時對歌詞信息的感受——是甚麼讓我寫下這些歌曲？我是甚麼？我想達到甚麼目的？我現在真的這樣做了，而我以前從來沒有這樣做過。所以我開始更好地理解Culture Club的歌曲，那真的很奇怪。」 

今年將會輪到《Colour by Numbers》40週年紀念，專輯帶來了〈Karma Chameleon〉這首Culture Club無人不曉的神曲，成為英美兩地以及多國的冠軍單曲，不過Boy George卻告之起初隊友們對此曲並沒有好感，全憑他的堅持、扭盡六壬去爭取，這首歌才得以締造經典。 

「沒有人想要〈Karma Chameleon〉出現在專輯裡，我是唯一想要的人。他們都認為這是他們所聽過的最糟糕的事情，而我知道出於某種原因，它將成為冠軍歌。所以我不得不威脅嚷著要離隊大約50次，才能將這首歌收錄到專輯中。然而我是對的。」 

另一個即將會40週年紀念，是Culture Club的歷史性訪港演出——1983年6月3日，他們在AC Hall舉行了樂隊的香港專場音樂會，也是Culture Club唯一一次來港表演(之後Boy George則曾以DJ身份再度訪港)。Boy George不但沒有忘記Culture Club的香港之行，問到他們可會再到香港巡演，他是有意回來的。 

「首先，我仍很清楚地記得我和Culture Club一起登陸香港的時刻，因為那時真的是樂隊剛開始的時候，我們並不敢相信有亞洲人知道我們是誰。我記得那場音樂會，很棒的；但下一場音樂會，那會更好，因為我們現在更好了。你知道我的意思嗎？我們當時是這樣，那是一個美妙的時刻；但我們現在是一支更佳的樂隊，所以讓我們回來吧！」 

上世紀80年代是一個夢幻又靡爛的音樂年代，80年代流行樂壇/ new wave音樂圈，最奇妙的東西是甚麼？ 

「我認為80年代最神奇的事情是，人人都可以自由地以他們選擇的任何方式來識別和表達自己，你知道嗎？我覺得我這一代人，是60年代發生的事情之受益者。同性戀合法化，我們是第一代人不必為我們的所作所為認錯。所以這是一個重要的時刻，我們到了80年代，那就像全面爆發的派對。」 

可有懷念new romantic運動的黃金年代？ 

「我不會懷念任何東西，因為我是一個非常現在的人，所以我不是那些圍坐一起的人並說，噢，以前不是更好嗎？因為現在總是更好。不過，是的，new romantic運動非常棒，我要把它帶回來。事實上，某夜我躺在床上時，我決定要帶回new romantic運動。」 

這些年來，你們Culture Club成員之間存有甚麼音樂化學作用？ 

「樂隊之間的物理化學作用是充滿矛盾，彆扭、激情與分歧，我們都有齊。換上另一角度，這也許就是我們得以名噪一時的原因。現在大家敵意少了很多，溫暖多了一點，我想現在你可以在音樂上看到這點。」 

若然Boy George是一個音樂節的策展人，請說出心目中的夢幻表演陣容吧。他的回覆果然是非常夢幻。 

「我會要The Smiths，他們永不復合，我要The Jam，他們也永不復合，我要Oasis…..Oasis不是真的。我會要Lou Reed，我會要Bowie，我會要Patti Smith，我會要Nina Hagen，我會要The Slits，我會要X-Ray Spex，我會要Siouxsie and the Banshees，還有John Lydon的Sex Pistols、Buzzcocks，我也希望有Roy Hay演奏鋼琴。」片中Boy George疑似見到隊友Roy Hay行過。

《搶耳音樂節2023》Yuen Sir有感

《搶耳音樂節2023》已經完結了一個多星期，我還是想姍姍來遲地寫句感言。 

今年已是我第三年參與《搶耳音樂節》，一連四日的演出，第三、四日(1月7、8號)兩場是我主理的，也是由Ear Up plus 2022/23計劃延伸出的表演項目。 

我是在2020年疫情初期加入搶耳團隊，成為Yuen Sir。但這幾年疫情反覆不定，《搶耳音樂節2021》、《搶耳音樂節2022》都因為疫情而令到原定舉行日子場地要關閉所以要延期進行，非常之不暢快(期間還要計劃種種折衷變陣的可能性)，但又可以給我們一開放時就做到演出，算是慶幸食到頭啖湯。 而今次《搶耳音樂節2023》，不但可以如期舉行，而且在音樂節舉行一星期前，麥花臣場館說可以開放觀眾做企位，是企位show啊！一下子彷彿回到了2020年初《搶耳音樂節2020》的場景(當年我是其中一晚的客席MC)，於是又食到另一次頭啖湯。

在麥花臣的企位show形式演出，真的是不一樣的時空，台上台下的互動更大更精采。

【YCC】my best of 2022 (international)

【YCC】HONG KONG vibes 2022

【遲來完成的2022香港音樂歌單】我選輯的playlist是好講究flow的鋪排設計，歌與歌之間的配搭能夠帶來相當的音樂化學作用。這個我的2022香港音樂歌單早在春天時已開啓，而之後只有一直在加歌，但卻無暇整理編輯，來到年底已經弄至雜亂無章。結果還是花了很多時間再作重新編排，在Spotify個playlist拉上拉落，最終把這八小時多的歌單締造出我想要起承轉合效果。

Brian Eno：末世ambient情書

英國前衛音樂宗師Brian Eno發表了繼《Reflection》後睽違五年的2022年官方專輯《FOREVERANDEVERNOMORE》(如果不計2020年的Dieter Rams紀錄片配樂專輯《Rams》)。毋庸置疑這是屬於Eno的ambient類別的作品，同時也是其song-based專輯——幾乎每首曲目都聽到他開腔獻唱。既是靜謐ambient、又是以歌曲主導的專輯，原來在Eno的音樂生涯上，竟是他第一次作出如此的取向。  

要剖析Brian Eno的音樂創作，簡言之可以劃分成兩大方案：1. song-based歌曲，2. ambient music氛圍電音器樂曲目。前者有見於他早在1974至77年間發表的四張經典art rock / art pop專輯，而後者則讓他取得「ambient教父」之美譽而遐邇馳名。也毋庸置疑，Eno之於後者的產量，已遠遠以大比數地超出前者。 

貴為德高望重的ambient音樂大師，然而多年來Eno卻從沒有放下他的歌手身分，仍喜歡唱歌，偶然都會重投主唱的崗位，灌錄song-based的唱片，如跟John Cale聯袂合作的1990年專輯《Wrong Way Up》，便是他相隔13年後全然回歸art pop路線的作品，當年的確成為一時佳話。 

也可見到，Eno日後重投art pop歌曲取向，都是造就於他的合作性專輯上。如跟David Byrne合作的2008年專輯《Everything That Happens Will Happen Today》的電氣福音流行曲，跟電音舞曲班霸Underworld主唱Karl Hyde以Eno‧Hyde名義先後在2014年發表的兩張專輯《Someday World》和《High Life》，Eno都跟對方平分秋色歌手的崗位。又別忘記，2021年他亦跟Roger Eno合作了聖誕歌單曲〈Waiting To Believe (Oh Holy Night)〉。

《FOREVERANDEVERNOMORE》被視為Eno自2005年的《Another Day on Earth》以來的song-based個人專輯，唱片公司的官方新聞稿也是這樣說，但不盡然之處是《Another Day on Earth》是屬於他的ambient-pop / experimental-pop、帶有節奏感的「流行曲」作品。我卻認為《FOREVERANDEVERNOMORE》其實亦較接近2016年專輯《The Ship》，長達20分鐘的主題曲裡可聽到Eno的人聲，而三部曲〈Fickle Sun〉則是從無節拍的ambient-ballad、到spoken words以至重唱The Velvet Underground的1969年歌曲〈I'm Set Free〉，只不過整體而言並不是屬於song-based「歌曲」形式的專輯。 

如今的《FOREVERANDEVERNOMORE》便是一張Eno的「ambient歌曲」專輯——song-based形式作品，全是無節拍靜謐氛圍，歌曲也是三、四分鐘左右長度(除了尾曲外)，來得不深澀但仍深邃。 

Brian Eno已經74歲，他的嗓音亦已發生了變化，不同日而語，比起昔日多了一份悲愴味道。曾跟Eno聯袂合作過2010年專輯《Small Craft on a Milk Sea》的著名製作人Leo Abrahams，他除了在多首曲目彈奏結他之外，也為《FOREVERANDEVERNOMORE》擔任後期監製。而當前的氣候緊急情況、人類滅亡的前景，正是貫穿整張專輯的主題。

《FOREVERANDEVERNOMORE》由〈Who Gives a Thought〉這首ambient ballad歌曲揭開序幕，Eno唱出的簡約曲子、精良的ambient配樂，勾勒出正是“Who gives a thought about the fireflies / Short lives of moving light / Perform their quiet flight / The stars of starless nights”的無星之夜氛圍。 

 

最先釋出的〈There Were Bells〉，本是來自他跟Roger Eno、Cecily Eno以及Leo Abrahams和Peter Chilvers在2021年8月在聯合國教科文組織世界遺產雅典衛城的希羅德·阿提庫斯劇場(Odeon of Herodes Atticus)舉行的Epidaurus Festival之演出，當中有不少素材是沿用了在如今的錄音室版本當中，讓這首詩情的ambient歌曲得以來得混然天成，Eno亦唱得悲天憫人。

 

而《FOREVERANDEVERNOMORE》的有趣之處，是有兩位「Eno二代」參與。如另一先行單曲〈We Let It In〉是Brian Eno跟其細女Darla Eno合寫兼有她和唱的ambient ballad，她如幽靈般唱著”Deep” / “Sun”，而Eno的主唱卻有點聖詩的感覺。而〈I’m Hardly Me〉同是跟Darla合寫兼合唱的曲目，泛著神秘的氛圍，再聽到是她經過treatment的淒美鬼魅女聲。

 

而Cecily Eno則是其胞弟Roger Eno的女兒(即Brian Eno的甥女)，他今年個人專輯《The Turning Year》唱片封套上的圖像便是出自Cecily手筆，她本身亦是一名多元藝術家。除了上述的〈There Were Bells〉之外，〈Garden of Stars〉這首Brian Eno以chanting式演繹，冷冷地唱出”These billion years will end / They end in me”，猶如沉浸於漫天星際之深邃未世氛圍的曲目，亦同樣聽到Cecily的聲音。

 

由電鋼琴主導的 ambient ballad歌曲〈Sherry〉已是幽美得沒話說，而〈These Small Noises〉有同樣跟Eno合作過《Small Craft on a Milk Sea》專輯的Jon Hopkins彈奏古意盎然電鋼琴，加上曾為Mike Oldfield以至Current 93獻聲的愛爾蘭女歌唱家Clodagh Simonds之coral式頌歌唱詠，那肯定是我心目中專輯裡最美不勝收的一曲。

 

〈Inclusion〉是在《FOREVERANDEVERNOMORE》裡唯一全沒有人聲的ambient器樂曲目，營造出萬籟俱寂的夜氛圍，Marina Moore簡約的小提琴與中提琴演奏讓樂曲沉澱著室樂的底蘊。長達八分鐘的〈Making Gardens Out of Silence〉，原是Eno在倫敦Serpentine Galleries舉行有關解決持續氣候緊急情況的聲音裝置展覽《Back To Earth》的音樂，當中聽到扎根阿姆斯特丹的日本藝術家Kyoko Inatome吟唱，而她的人聲已成為樂器的一部分。