毋庸置疑，Black Country, New Road可稱得上是多產的樂隊。驚為天人的2021年首張專輯《For the First Time》發行才不過大半年，一行七人的他們已隨即在同年秋天為其第二張專輯帶來先行單曲〈Chaos Space Marine〉，讓其新一章揭開序幕。結果跟《For the First Time》相隔剛好一年，Black Country, New Road的第二張專輯《Ants from Up There》就在這個2月初面世，好好給大家宣示這隊英國倫樂團進取的創造力，引用他們的說法：樂隊正身處hype狀態。
可是計劃並不似預期中順利，就在這陣子出了岔子——《Ants from Up There》出版的四天前，他們突如其來宣佈主唱兼結他手Isaac Wood宣佈因為心理健康而離隊。事出突然，即使專輯仍如期發表，但卻打亂了Black Country, New Road跟著的部署——樂隊即將舉行的首個美國巡演也要告吹。而目前的方案，是樂隊仍保留餘下六人陣容，並會由低音結他手Tyler Hyde取代Isaac Wood的主唱崗位。
才聲名鵲起的樂隊，只有出版過兩張專輯，突然間主音歌手要拂袖而去，要換上另一把主唱聲音。對於Black Country, New Road來說，確實是亮起了紅燈的狀況。尤其是Isaac Wood的演繹，在他們的歌曲裡無疑是有著相當的標誌性，取而代之是Tyler Hyde的女聲主唱(她是電音天團Underworld成員Karl Hyde的女兒)，可預料到他日樂隊的聲音會變得不一樣。到底Black Country, New Road可以如何過度？那是跟著會發生的事，目前還是把焦點回到《Ants from Up There》這張專輯身上。
當〈Chaos Space Marine〉、〈Bread Song〉等單曲在去年秋天釋出時，可發覺歌曲並沒有配合mv抑或visualizer發佈，後來再想起，那大抵是Black Country, New Road要急不及待地啓動樂隊的第二階段。鼓手Charlie Wayne也在訪問中說過他們想及早推出第二張專輯的其中一個因由，是樂隊不想讓首張專輯的聲音持續太久，畢竟那批作品已是在多年前寫好。
所以從《For the First Time》到《Ants from Up There》，即使出版時間只相距一年，但已見證到Black Country, New Road所發生的蛻變———當年被視為「post-punk再起」(post-punk resurgence)現象的樂團，如今在《Ants from Up There》裡那種post-punk基因以及其暴烈與粗獷色彩都幾乎已蕩然無存，他們的音樂都修飾起來，歌曲細膩如民謠之底蘊，甚至被拿來跟Arcade Fire的chamber-pop作相提並論。然而Black Country, New Road的音樂仍是來得層次豐富、味道複雜，在indie-folk、chamber-pop之間，還有著師承自progressive rock、Canterbury sound、post-rock、klezmer music、contemporary classical music等多重音樂建構。專輯在懷特島郡鄉郊的Chale Abbey Studios錄製，唱片監製是他們的現場演出調音師Sergio Maschetzko，而之前他從未灌錄過唱片，樂隊的音樂也是以接近現場表演的形式呈現。
沒有上次〈Instrumental〉那麼蕩氣迴腸的開場曲，《Ants from Up There》由不夠一分鐘的引子〈Intro〉揭開序幕，由Steve Reich式minimalism音樂而推至搖滾曲風，亦已夠扣人心弦，再帶出取材自英國桌面戰棋遊戲《Warhammer 40,000》的主打單曲〈Chaos Space Marine〉，猶如70年代Canterbury sound那種糅合prog rock與jazz之樂風而又有著相的戲劇性，Georgia Ellery的小提琴來得流水行雲，Lewis Evans的色士風與之絲絲入扣，Isaac形容這是他們寫過最棒的歌。
我會形容〈Bread Song〉是一首minimal folk-ballad，Isaac唱出是慘白哀傷的民謠曲子，然而配以卻是連綿而重複性的意境深邃音樂演奏(Isaac說源自他看Steve Reich現場演奏minimalism神曲〈Music for 18 Musicians〉的體驗)，再漸漸泛起暗湧，令人為之屏息，繼而切入愈來愈清脆俐落的鼓擊節拍，歌曲也明亮起來。
今次Black Country, New Road作品多了傳統歌曲曲子的感覺，大抵是出於那份民謠根源。〈The Place Where He Inserted the Blade〉開宗明義是向Bob Dylan的2020年近作歌曲〈I've Made Up My Mind to Give Myself to You〉致敬。〈Good Will Hunting〉的清爽明麗indie-folk，又帶點jazz / Canterbury sound色彩，曲中有趣地唱到”She had Billie Eilish style/Moving to Berlin for a little while”。
〈Haldern〉取名他們在大流行疫情下所參演過的德國《Haldern Pop Festival》，是專輯裡唯一即興創作而成的歌曲，突顯了Lewis Evans、Georgia Ellery和May Kershaw的contemporary classical式色士風、小提琴及鋼琴演奏。〈Mark’s Theme〉是Lewis在2021年2月得悉他一位叔叔因COVID-19病逝後，他回家所寫下的色士風獨奏所延伸而成的器樂曲目。
長達九分鐘的新單曲〈Snow Globes〉，Black Country, New Road亦進一步見真章，簡直是post-rock與chamber-pop水乳交融結合而成的epic之作。
《Ants from Up There》的結尾曲〈Basketball Shoes〉正跟序曲〈Intro〉來個首尾呼應，這首長達12分鐘多的長篇曲目，是樂隊一次施展渾身解數來起承轉合地結集post-rock、jazz rock、prog rock、klezmer music、contemporary classical、alternative rock之大成的史詩式鉅著。也許，亦是作為Isaac Wood跟樂迷告別的禮物。
如今看來，已彷彿是恍如隔世的事——本來，我們都可以在2019年香港的《Clockenflap》音樂節，看到挪威年輕唱作女生AURORA的現場演出。當年她才出版過第二張專輯《A Different Kind of Human (Step 2)》，又在The Chemical Brothers的《No Geography》專輯客串獻聲兼共同創作三曲，這位小妮子是多麼閃爍的的北歐音樂新銳名字。要不是那屆《Clockenflap》要臨時煞停告吹，那不但大家皆看到AURORA的表演，而且好大機會我已跟她做過訪問、在後台影過靚靚合照。可惜一切都幻滅了。
然之後，便是大流行疫情在全球爆發。AURORA在2020年5月發表了她標誌著其音樂生涯「新紀元」的單曲〈Exist For Love〉，至今的20個月間她共推出了六張個人單曲，再加上英國電影《The Secret Garden》(改編自Frances Hodgson Burnett小說)同名主題曲〈The Secret Garden〉、挪威聖誕迷你劇集《Stjernestøv》同名主題曲〈Stjernestøv〉、美劇《Hanna》第三季插曲〈Midas Touch〉等影視歌曲，這兩個年頭她算是辛勤地保持著相當的產量與炙手可熱的姿態。如今AURORA的三年來全新專輯《The Gods We Can Touch》在這個2022年1月面世，簡直是走過多麼遙遙長路而來。
從前年的〈Exist For Love〉到去年的〈Cure For Me〉，這兩首風格截然不同的主打單曲，正呈現出現年25歲的AURORA所帶來的第三張專輯《The Gods We Can Touch》之兩面體方向。《The Gods We Can Touch》能夠被視為AURORA的鉅著，除了她寫出了甚高質的歌曲之外，亦因為當中的曲目能夠拿捏到她不同的聲音，正如專輯的命題是從希臘神話而引伸到每首歌曲都遇到了不同的神。
《The Gods We Can Touch》由只有40秒的飄逸空靈序幕曲〈The Forbidden Fruits Of Eden〉作為引子，從而帶出找來法國唱作女生Pomme和唱的新單曲〈Everything Matters〉(但黑膠唱片版卻接上了〈Cure For Me〉)，這首詩情畫意而又古意盎然的Nordic folk民謠風歌曲再隨隨地伴以鼓機節奏，就彷彿回到我在80年代聽避世音樂的年代。
毋庸置疑，〈Cure For Me〉是AURORA歷來最為跳脫、最具流行樂本質electro-pop的歌曲，委實銷魂到不得了，是我在2021年最喜愛的歌曲之一。每次聽到那段閃耀搶耳的organ riff，就隨即想起了她在mv裡的舞步。
AURORA的電音流行樂方向，又有見於另一單曲〈Giving In To The Love〉，前奏令人聯想起昔日Depeche Mode或Pet Shop Boys的作品，而她的演繹卻是多的蕩氣迴腸，甚至當她” la-la-la-la”地唱著時，又好比電氣化起來的The Cranberries。
〈You Keep Me Crawling〉的幽美懾人曲子下的70年代流行曲/baroque-pop的弦樂編排，抑或〈The Innocent〉的連綿鋼琴riff引伸出Euro-pop歌曲流水行雲chorus(尾段的鼓擊可謂神來之筆)，〈A Temporary High〉的歐陸new wave / electro-pop曲風，甚至是〈Blood In The Wine〉蕩氣迴腸電氣搖滾，都全然是AURORA別樹一幟的北歐流行樂姿態。
另一方面，〈Exist For Love〉這首剖釋愛情的acoustic folk-ballad是美多麼吹彈可破、思古幽情，孤高幽美的歌聲、美得戚然的弦樂，萬般縈繞心頭，是AURORA最叫人怦然心動之作。
簡言之，Dry Cleaning的歌曲就是以post-punk / art punk曲風配上Florence Shaw跟音樂部分絲絲入扣而來的冷靜聲調半吟半唱演繹，基本上專輯裡的每首歌也如是。然而他們的作品卻不會叫你感有重復，即使Florence是以spoken words方式演繹，但卻能給大家聽到箇中的「旋律」。
Emma-Jean Thackray《Yellow》
因為她為Squid演奏小號，而令我認識到其貌不揚的英國爵士界才女Emma-Jean Thackray。來自約克郡的她是作曲家、製作人、多元樂手、歌手、樂團領隊，其首張專輯呈現出一段跨越70’s jazz fusion、p-funk、spiritual jazz、cosmic jazz、Afrobeat、house、hip hop、soul的迷幻爵士旅程。
Floating Points with Pharoah Sanders & The London Symphony Orchestra 《Promises》
英國電音製作人Floating Points遇上美國大師級avant-jazz色士風演奏家Pharoah Sanders再加上The London Symphony Orchestra伴奏，已無敵的組合。九個Movement樂章，盡是空靈、夢幻、神秘、迷魂、淒美、深邃而懾人心魄的樂章，令人屏息，把Floating Points的ambient電音與Pharoah Sanders的spiritual jazz提昇到超然的層次。
Godspeed You! Black Emperor《G_d's Pee AT STATE'S END!》
今年只給我選一張post-rock專輯，那一定非Godspeed You! Black Emperor四年來的新專輯《G_d's Pee AT STATE'S END!》莫屬。黑膠唱片以12”LP + 10”EP形式發表，那不僅是樂隊以現場灌錄形式的演奏有幾蕩氣迴腸、悲壯絢麗，抑或他們重拾種種found sound recordings聲響編製，還有當中的政治意識，那包括在唱片center label上引用的德系猶太人語文依地語的抗爭口號” We will outlive them”。
上屆《搶耳音樂廠牌計劃 2020/21》衍生出《Ear Up Mixtape 2021》這套結集12首搶耳音樂單位曲目的mixtape合輯，以收錄WAV檔的「仿卡式帶」包裝USB形式推出，成為Ear Up Music的首個實體音樂產品。來到今屆《搶耳音樂廠牌計劃 2021/22》，所製作的mixtape合輯《EUM001: ups and downs》也要作出演進——1. 今次以真卡式帶形式出版(附digital download code)，2. 所收錄的12首曲目全是特別為這個project灌錄的首發獨家全新曲目。
雖然上次《Ear Up Mixtape 2021》是一盒「仿卡式帶」，但我仍煞有介事地虛擬有A、B兩面，把合輯劃分成兩個部分。而當今次我們收到一眾搶耳音樂單位的錄音完成品，並在錄音室一口氣聽過所有作品(首首皆高質)，我隨即有了一個念頭——就是這批曲目給我聽出日與夜兩個畫面，於是我決定把卡式帶的A、B兩面稱之為day side和night side，日與夜兩面形成跌宕起伏的鋪排，從而亦引伸到《ups and downs》這個mixtape合輯主題名字；也因為今次是出版真卡式帶，而促使樂迷按著卡式帶收錄的曲目次序來聆聽，得以完完整整地聽到day side和night side兩面的起承轉合流程編排。
Lester Lam feat. Daniel Toh的〈Fluid Love〉前奏響起，已營造出華燈初上、夜幕低垂的氛圍，濃情密意而帶著爵士底蘊的R&B / neo-soul歌曲，是一種屬於大都會旁晚的chill節奏。Higgo Raj取材自電影《Call Me By Your Name》的〈Elio〉，患得患失又銷魂性感萬分，把場景帶到去夜店的舞池上。Bedroom Party的流麗夢幻chillwave / synth-pop曲目〈Night Time〉，便開宗明義帶出城市深夜的靡爛風景。
回到故事原頭， 1995年21歲的佐藤誠遇上初戀情人加藤かおり——加藤かおり在雜誌筆友欄目徵友，佐藤誠一眼看出她是小澤健二的粉絲，於是寫信給她並得到回覆。二人從筆友開始，加藤かおり在書信中向佐藤誠大談小澤健二音樂對她的影響，跟著相約見面，素未謀面的他們，用作記認就是大家拿著一個WAVE唱片店的膠袋，是多麼青春的事情啊！成為戀人後，二人會一起談論EL-MALO、SCHA DARA PARR的音樂，那都是涉谷系年代的美好時代。還有加藤かおり叫佐藤誠買Sonic Youth “Washing Machine” tee、一齊趕去戲院看王家衛電影，實在太有90年代情懷了。
片中除了聽到多首來自小澤健二之1993年首張專《犬は吠えるがキャラバンは進むThe dogs bark, but the caravan moves on》內的歌曲外，踏入2000年之後，佐藤誠在基佬好友的酒吧跟日後女友唱K唱尾崎豊的〈I Love You〉、公司慶祝活動社長充當DJ打碟播出電氣Groove的〈Niji 虹〉，聽到好多日本音樂的回憶。
今個中秋節晚上，傳來了一個噩耗——英國雪菲爾industrial電音先鋒Cabaret Voltaire主將Richard H. Kirk病逝，享年65歲——原來他早已在8月8日與世長辭，可是消息要到9月21日才作官方公佈。目前仍未知道他的死因。
Richard H. Kirk離世的消息來得非常突然，因為近年看到他正在帶同Cabaret Voltaire重返軌道——在1994年解體的Cabaret Voltaire，於七年前已在Richard H. Kirk個人獨力支持下作重出江湖演出，然後加盟英國獨立名廠Mute旗下，於去年11月出版了Cabaret Voltaire足足睽違26年的回歸專輯《Shadow of Fear》。不只如此，在《Shadow of Fear》之後，Richard H. Kirk的一人Cabaret Voltaire還於今年3、4月先後發行了《Dekadrone》和《BN9Drone》這兩張各只收錄一首闇黑ambient drone長篇曲目的專輯(2LP版分成四個部分、數碼音樂版則一曲過)。三張作品如舊在他的雪菲爾Western Works錄音室灌錄製作。見到他如此多產起來，確實是可喜可賀的事。
誰不知，《Dekadrone》和《BN9Drone》成為了Richard H. Kirk在生前所出版的最後兩張遺作專輯。當得悉他離世後，我在想《Dekadrone》和《BN9Drone》面世時，Richard H. Kirk已是處於病入膏肓的狀態，知道自己會命不久矣。那麼從《Shadow of Fear》到《Dekadrone》和《BN9Drone》，就彷彿相對於晚年David Bowie的《Blackstar》抑或Leonard Cohen的《You Want It Darker》等作為「最後作品」之意義。
Cabaret Voltaire公認為industrial界的教祖之一，影響著post-punk年代的獨立電音、industrial以至後世的house / techno / electronica音樂，而Richard H. Kirk一直有著cult界傳奇性樂手的地位。Cabaret Voltaire本是由Richard H. Kirk、Stephen Mallinder和Chris Watson組成的三人樂團，Chris Watson老早已離隊成立更avant-garde / sound art實驗的The Hafler Trio，而Stephen Mallinder也在樂隊於1994年解體後一去不返，所以Richard H. Kirk的核心成員角色也不言而喻。隨著Richard H. Kirk與世長辭，Cabaret Voltaire亦告名存實亡。
最早期的Cabaret Voltaire作品是通過電子儀器與tape loop / sound collage技巧製作出來，極為實驗性而不著邊際，奠定了其地下industrial之音的雛形。直到加盟Rough Trade Records，從單曲〈Nag Nag Nag〉到1979至81年間的三部曲專輯《Mix-Up》、《The Voice of America》、《Red Mecca》，「半電子樂團」姿態的他們將闇黑post-punk、冷洌electro電音、sound collage實驗，祭出Cabaret Voltaire的標誌性industrial風格；同時在這個Rough Trade時期，Cabaret Voltaire也有出版現場演出專輯以紀錄他們原始粗獷的聲音如1980年的《Live at the Y.M.C.A. 27-10-79》，以至Chris Watson離隊後不久的《Hai! (Live in Japan)》(1982年)。
隨著Cabaret Voltaire轉投Some Bizzare / Virgin Records，是他們的另一個重要的奠定性階段。因為簽約時收到唱片廠牌一筆可觀的預付費，讓Richard H. Kirk和Stephen Mallinder為他們的Western Works錄音室添置了一批新的電子合成器及器材，Cabaret Voltaire昂然走向更具體的電音舞曲樂團姿態，在1983至85年間的「Some Bizzare / Virgin年代」三部曲專輯《The Crackdown》、《Micro-Phonies》、《The Covenant, The Sword and the Arm of the Lord》，摩登而修飾的電音製作、他們對groovy的funk樂之興趣、sample聲效，同時又保留著工業電音的冰冷感與紀律重複性，樹立起其獨樹一幟的industrial funk工業舞曲風格。
Richard H. Kirk早在1980年已於Throbbing Gristle的Industrial Records出版他的首張個人專輯《Disposable Half-Truths》(卡式帶)，而我最先接觸到他的個人作品，是當年誤打誤撞以特價港幣10元購來他在Rough Trade時期的1986年個人專輯《Black Jesus Voice》(唱片封面好死亡好gothic)。Richard H. Kirk在Cabaret Voltaire以外，亦一直處於多產的狀態，而我對他的side project發生興趣，那是90年代的事。
自1991年以降的Cabaret Voltaire隨著Stephen Mallinder不再主唱、帶來全是電音器樂曲目，人所共知Stephen的參與度已大減，感覺上已猶如Richard H. Kirk的個人樂團。跟著因為Stephen Mallinder移居澳洲，他們亦正式分道揚鑣。從90年代至2000年代，他以Sandoz、Electronic Eye以及Richard H. Kirk名義發表過的作品簡直多不勝數。直至近年他才以Cabaret Voltaire的身分回歸。
得悉Richard H. Kirk離世後，我好想替他做一個playlist以作致敬。但面對他歷年來海量的作品，情況有點「撠手」。最後終於完成了，縱使Spotify上仍找不著有好幾張專輯，但總算足以構成一段Richard H. Kirk跨越40多年的音樂旅程(Cabaret Voltaire / Richard H. Kirk / Sweet Exorcist / Sandoz / Electronic Eye)。
