Brian Eno with Kevin Shields：深藍色的深海氛圍

今年Record Store Day的限定盤出品當中，我最期待而又志在必得的，毋庸置疑是Brian Eno with Kevin Shields限量5,000張發行的double A-side單曲黑膠唱片〈The Weight of History〉/〈Only Once Away My Son〉。所期待的程度，是我定要刻不容緩地誓死在4月21號當日買到呢！

當英國ambient一代宗師Brian Eno，遇上Kevin Shields這位來自My Bloody Valentine的shoegaze教主，單是看到二人走在一起已是個無可匹敵的跨世代夢幻組合。Shields是師承Eno之影響的樂手乃不爭的事實，但身為結他手的Shields卻又不會是另一位Robert Fripp(相對當年的Fripp & Eno組合)吧。至少這次合作在排名上，已有Eno是主、Shields為客之分野。

那麼Brian Eno with Kevin Shields會弄出甚麼出來？那怎也不會是Eno玩art rock歌曲而交由Shields彈結他，又抑或Eno去演繹主唱一首MBV式noise-pop曲目吧。如果你的想法是「Brian Eno 的ambient電音遇上Kevin Shields的氛圍化結他drone」，又抑或是二人的ambient jam，那一定錯不了。

唱片內收錄了兩首平均九分鐘的ambient曲目。

 〈The Weight of History〉就一如唱片封面的深藍色，帶大家進入深潛的藍色深海世界氛圍，同時又猶如Eno的2016年專輯《The Ship》裡之ambient曲目用上其人聲般，帶來是他活像幽靈般的鬼魅chanting吟唱，並穿插著冷冽的電音流動，令這首ambient曲目倍感神秘；而且八分多鐘裡乃像聽得一直往下沉那樣，尾段亦沉澱著noise的聲效，歷史就是這麼重甸甸的。

而〈Only Once Away My Son〉在去年10月已先行釋出，由曇花一現的beatbox節拍帶出，引伸出是一首漫天無際、意境深邃的ambient樂章，凝聚著結他drone / noise的暗湧，又有著好比流星閃爍的電子聲響。唔……這首，確實是相當之”Shields & Eno”聯乘的合作。

Tracey Thorn：一張如沐春風的唱片

Everything But The Girl体止多年(他們的說法是「封存」)，這對夫妻檔的單飛各自各精采。從他們近年的個人發展來看，曾在電音舞曲界創下一番成就、成為聲譽卓著deep house DJ的Ben Watt，近年他毋庸置疑要重拾唱作歌手的角色、重拾起結他與鋼琴，無論是2014年的《Hendra》(他31年來的個人專輯)抑或2016年的《Fever Dream》，皆全然放下之前的電音舞曲姿態，那不但有前Suede結他手Bernard Butler坐鎮，前者更有David Gilmour客串一曲；反之Tracey Thorn在今年帶來的回歸專輯《Record》，卻是她最為電音流行曲風的一次。 

不計算六年前的聖誕改編歌專輯《Tinsel and Lights》的話，上次Tracey Thorn的原創歌個人專輯已是2010年的《Love and Its Opposite》，所以《Record》也是她近八年來的全新原創歌專輯。

唱片仍是由《Out of the Woods》(Tracey相隔25年的第二張個人專輯)合作無間的製作人Ewan Pearson監製，他早已為Tracey注入了一種電音製作曲風的姿態，如在《Out of the Woods》時已有〈It’s All True〉這首synth-pop式曲目作為主打單曲。然而今次她在《Record》裡的synth主導歌曲，卻有著了一份如沐春風的明媚與暢快感覺。 

前作《Love and Its Opposite》反映著Tracey面對中年危機的心情，其女人四十荷爾蒙令她寫出很多分離的題材。來到《Record》，是Tracey的另一個年齡階段，今年將會56歲的她對生命已是那麼灑脫自如。正如專輯名字只有簡單地喚作「唱片」《Record》，帶來是九首單字歌名的曲目——我對全單字歌名的專輯乃一向情有獨鍾吧。

專輯裡Tracey也引進了幾位女將參與，如美國洛杉磯女子獨立搖滾樂隊Warpaint的鼓手Stella Mozgawa與低音結他手Jenny Lee Lindberg(前者參與了超過半張專輯的鼓擊)，曾來香港《Clockenflap》音樂節演出的英國電音流行樂唱作歌手Shura，以及英倫R&B女歌手Corinne Bailey Rae。 

《Record》的開場曲〈Queen〉已是多麼流水行雲而來的80年代風synth-pop曲目，聽得賞心悅目；有Shura獻聲的〈Air〉帶來是如斯漂亮的美式80年代electro-pop風格；〈Babies〉也是相當之80年代的電音流行曲曲風。同時，今次Tracey也重拾了結他彈奏的崗位，她的結他也令其電音流行曲多了點點獨立搖滾的氣味，而明快爽朗、有著鏗鏘結他伴奏的〈Guitar〉，正道出一位教她彈結他、聽Leonard Cohen的心儀男生，然後她也彈起她的結他來。 

專輯的核心之作是Corinne Bailey Rae為她和唱、長達八分多鐘的〈Sister〉，重點是這首緩緩的disco-soul-dub歌曲，延伸出是甚迷魂的dub reggae底蘊，歌曲的rhythm section正是由Warpaint的Stella和Jenny操刀。 

專輯裡也有幽美的synth-ballad歌曲如〈Smoke〉和〈Go〉，前者有著民謠般的曲子，配以是如輕煙般的beatbox節拍；後者則是首電氣化的dream-pop吧。最末是由vocoder帶出的〈Dancefloor〉，那曲如其名是首好舞池的electro-disco流行曲，靡爛的曲子又帶點憂傷，歌詞裡亦有向〈Let The Music Play〉(Shannon)、〈Shame〉(Evelyn 'Champagne' King)、〈Golden Years〉(David Bowie)、〈Good Times〉(Chic) 這幾首舞池金曲致敬。

Black Rebel Motorcycle Club：公路上的迷幻與闇黑沉澱

追隨了Black Rebel Motorcycle Club已有17個年頭，經歷過八張官方專輯，誠然我對這隊成軍於美國三藩市、後來紮根於洛杉磯的三人樂隊是多麼的長情。重點是，多年來他們的每張專輯都是那麼具有質素。

17年來灌錄過八張錄音室專輯，BRMC的產量並不算多。十年前Leah Shapiro取代了Nick Jago的位置，讓Robert Levon Been和Peter Hayes跟她構成兩男一女的樂隊陣營之後，BRMC也彷彿開始有所減量的跡象，他們的專輯也得以慢工出細活而來。

樂隊的第八張專輯《Wrong Creatures》，便跟前作《Specter At The Feast》足足相隔了五年。《Wrong Creatures》在2015年夏天已展開錄音，跨越了三個年頭製作；當中有些歌曲是寫於巡演路途上，所以有一種很Americana的公路氣息，但主要都回家後經過沉澱下所創作而成，達至首首皆精。

而《Wrong Creatures》的另一重點，由交由曾跟Nick Cave & The Bad Seeds、Yeah Yeah Yeahs、Arcadie Fire的製作人Nick Launay操刀監製，能夠令到BRMC的聲音提昇到一個新層次。

單是去年陸陸續續所釋出的多首先行單曲，已夠先聲奪人，足以令人對BRMC這張新專輯寄予厚望。先拔頭籌聽到〈Little Thing Gone Wild〉這首由緊湊鼓擊(巨大的kick！)與霸氣重型bassline帶出的garage-punk曲目已相當張力十足而來，有如重拾回早年聽〈Whatever Happened to My Rock 'n' Roll (Punk Song)〉的快感，絕對是一個好的開始，也帶出了專輯的命題：”Lord you hear me loud into my soul speaker, why won’t you let me out, you’ve got the wrong creature”；〈Haunt〉是他們那種溼漉幽暗、苦澀淒美的中板ballad歌曲，其縈繞心頭程度用上Nick Cave & The Bad Seeds作相提並論也錯不了吧；〈King of Bones〉是一如歌名般霸氣的迷幻搖滾曲目，彰顯出是很80年代的鼓聲與巨大的結他音牆；〈Echo〉前奏上那溫婉的貝斯與猶如在街頭漫步的鼓擊節奏，令我想到Lou Reed的〈Walk on the Wild Side〉，是多麼靡爛的一曲。 

專輯短短的序曲〈DFF〉，是BRMC從未如此的深邃而氛圍化開始，「黑色叛逆摩托車俱樂部」也重現了他們懾人的「黑之本色」，〈Spooky〉的藍調搖滾風便有著一股低調氣息。在我心目中專輯有三首核心之作：〈Ninth Configuration〉令我聯想到早期The Verve的夢囈迷幻歌曲，聽得飄飄然，再引伸出此起彼落的shoegaze結他狂飆；〈Question of Faith〉是那種低調迷幻又潮濕的藍調歌曲，好比〈Love Burns〉般令人融化；〈Calling Them All Away〉來得迷幻而相當深潛，尾段再推向shoegaze的音牆。
驚豔之作是〈Circus Bazooko〉，這是儼如用上鍵琴作主奏的The Beatles迷幻搖滾曲目。專輯以由慘白鋼琴帶出的ballad曲目〈All Rise〉作結幕，歌曲也推至扣人心弦起來。

Tom Rogerson with Brian Eno：介乎鋼琴與電音之間的詩意

去年我最後一張購來的2017年度專輯，是Tom Rogerson with Brian Eno的《Finding Shore》。唱片在12月8號面世，我的vinyl要30號才到手，然後到31號早上方放在唱盤上播放。沒錯，之前我已經在Spotify聽過，認定是感覺相當不錯又美麗的電氣ambient鋼琴音樂唱片，誠然亦是基於有Brian Eno參與而誘使我冒名去購買實體專輯。然而當我聽到《Finding Shore》的藍膠唱片時，好感再進一步大增，那著迷程度令我義無反顧地把它加入我的2017年度喜愛專輯名單上。 

以Tom Rogerson with Brian Eno名義發表的唱片，也許前者對大家來說是個較陌生的名字。現居於德國柏林的Tom Rogerson，是來自英國的鋼琴/鍵琴演奏家，曾到美國紐約市爵士圈發展、跟The Bad Plus的Reid Anderson合作過，亦曾跟英國音樂家Jeremy Warmsley及女唱作歌手Emmy The Great合作；較為人熟悉，是他作為三人post-rock樂隊Three Trapped Tigers的一員。

《Finding Shore》是Tom Rogerson繼2005年同名專輯《Tom Rogerson》後他的第二張個人專輯。專輯是在Brian Eno的Opal灌錄，Eno也擔崗製作人的角色；即是Tom作即興鋼琴演奏，而Eno則在midi signal上進行即興、製造sound treatment電音聲響。

雙方通過一次巧遇而認識，當ambient教父Eno遇上鋼琴家Tom，也許少不免會叫人聯想到昔日Harold Budd & Brian Eno的聯袂合作關係。但《Finding Shore》卻是以Tom Rogerson with Brian Eno排名，當中也看到二人的主客之分，既能保留作為Tom之個人專輯，但同時亦能通過Eno的傳奇性名氣而令到Tom的作品取得更大的注目。

Tom Rogerson with Brian Eno的ambient鋼琴音樂，是有著一份思古幽情、詩情畫意，但有別於Harold Budd孤寂冷清的朦朧氛圍，其唯美之處我則會以德國電音先鋒樂團Cluster的Roedelius抑或美國的Tim Story來作比較。

毋庸置疑《Finding Shore》是一張如斯美不勝收的專輯。開場曲〈Idea Of Order At Kyson Point〉由如夢似幻的鏗鏘琴音帶出，延伸成溫婉動聽的鋼琴樂章；而〈Motion In Field〉在有如minimalism音樂的肌理下，那又多麼夢幻而幽美；〈On-ness〉就是一首雋永真摯而思古幽情的鋼琴獨奏曲目，美麗得沒話說。 

〈Minor Rift〉和〈Quoit Blue〉都是他的ambient鋼琴音樂，前者滄茫得漫天無際，後者斯人獨憔悴；〈March Away〉有著猶如prepared piano音色的琴音，奏出一份簡約的東方色彩；〈Eastern Stack〉把Tom的琴音闡釋成電幻ambient樂章；短短的〈Red Slip〉呈現出avant-garde音樂的實驗性；〈Marsh Chorus〉就以即興琴音營造出一片神秘虛幻的ambient氛圍。

喜歡《Finding Shore》，那全然是出於我對ambient鋼琴音樂的情意結。而Tom Rogerson得以受到Brian Eno青睞，好相信是因為他的音樂詩意。

Sunny Day Service：陽光下的快樂聖誕

今年聖誕節(及之前一個星期)香港天氣大好、差不多天天陽光普照，今個聖誕應該很高興。而今年我送給自己的聖誕禮物，就是來個Sunny Day Service套餐盛宴——《Popcorn Ballads》雙專輯黑膠、現場演出DVD《日比谷：夏之犧牲》、bonus CD《Everybody Knows This is Nowhere：Popcorn Ballads伴奏集》以及7”聖誕單曲〈クリスマス(Christmas)〉。

這份「自己聖誕禮物自己送」的禮物背後也有一個小故事：友人A早前前往日本東京看Sunny Day Service的《Dance to Popcorn City》音樂會，而跟曾我部惠一相熟的他，就義務為一衆香港的朋友團購在音樂會上率先發售的唱片，包括《Popcorn Ballads》黑膠加《日比谷：夏之犧牲》DVD連同另附的CD《Everybody Knows This is Nowhere》(非賣品)之三合一套餐，還有〈Christmas〉的7”單曲；而他更為我們在音樂會後找樂隊簽名。然後，他為了堅持要把這些Sunny Day Service的唱片趕及在聖誕前人肉速遞到大家手上，而甘於讓航班寄倉行李超重而被罰款也不作郵寄。我笑說，他簡直做了我們的聖誕老人。 

重點是在音樂會先行發售的專輯《Popcorn Ballads》和單曲〈Christmas〉，那要到12月25日才正式出版。 

〈Christmas〉是取自共有25首曲目、風格多元的雙專輯《Popcorn Ballads》之單曲，這首屬於今年的「聖誕歌」，其實是說一位名字喚作Christmas的女生。歌曲本是一首7分多鐘的soul-funk曲目，而〈Christmas〉的單曲版則換上由小西康陽(前Pizzicato Five)操刀的White Falcon & Blue Christmas版，來得更chill更美不勝收；背面的另一聖誕曲目〈Rose for Sally (Christmas Song)也是一首美麗得沒話說的ballad。

Summer of 1987

Summer is gone! 2017年暑假完結了。今個夏天對我來說為之別有意義，因為這是我的樂評/音樂文字生涯30週年。 

這個故事大概已說過很多次：1987年，我的一篇Shelleyan Orphan投稿，被用作官方刊登在6月26日出版的《Music Bus音樂通信》內(而非放在讀者投稿一欄)，當時我14歲，文章固然是膚淺幼稚得令人發笑，但對我來說簡直是人生的莫大衝擊；然後有一股強大的原動力，叫我再寫一篇Kraftwerk投稿去，結果就在我升讀中四的暑假剛開始不久後，便於7月17日出版那期被刊登，而文章版面右下角的一個黑色框框附註，是主編黃嘉豪叫我跟他聯絡。於是，我便開始為《Music Bus》供稿，從此踏上了一條漫長的不歸路。而1987年的暑假，我也視為我的「出道」日子——雖然這其實並不是甚麼大不了的事吧。 

30年前的那個暑假，對我來說是來得多麼的浪漫，也充滿著夢想。

一寫30年，在今年夏天我曾想過不如辦個”YCC30”慶祝紀念活動吧，但我是從不會為自己慶祝甚麼的人，所以這個念頭也遭打消了。在今年暑假，我們都期待著《wow and flutter THE WEEKEND》的來臨，我慶幸能夠再度為九龍台擔任curator，在3天的活動得以邀請到我喜歡的樂隊/樂手為這個舞台演出，場內四處都是我在30年來所認識的舊雨新知朋友，有音樂有陽光有藍天、由朝暢飲到晚，其實我自己在心底裡已把這3天視為我的樂評生涯30週年的一個慶祝吧——然而這個想法我之前從沒有告訴過任何人(包括主辦單位)，只是純粹借用這個音樂節給自己偷偷地「自high」一個週末好了，相信當時踫到我的朋友們都察覺不到的。 

而4個多月前，我開始在Spotify上選輯這個《In the Year 1987》的playlist，輯錄了在1987年衝擊過我的音樂。畢竟1987是一個相當有趣的音樂年份，見證到眾多音樂流派互相縱橫交錯、新舊交接，對我這位小伙子很有啓發性。只可惜在Spotify上竟然沒有對我意義重大的Shelleyan Orphan首張專輯《Helleborine》，而Einstürzende Neubauten的《Fünf auf der nach oben offenen Richterskala》也欠奉呢。

Harald Grosskopf & Eberhard Kranemann：介乎柏林與杜塞爾多夫的電音krautrock詩意

兩位德國krautrock界的元老級樂手，出道40多年後走在一起聯袂合作，雙方合灌的專輯名字喚作《Krautwerk》，不禁令人發出會心微笑，那就是幽了國電子音樂教父樂團Kraftwerk吧，連唱片封面上Krautwerk的字款，也是在模仿早年Kraftwerk的logo設計——所說的是Harald Grosskopf和Eberhard Kranemann二人。

兩位德國老牌樂手，那些年他們分別屬於不同的krautrock派別：Berlin school的Harald Grosskopf早年是krautrock先鋒樂隊Wallenstein鼓手，然後曾為Klaus Schulze多張1976至80年間的專輯打鼓，又一度參與過Manuel Göttsching的Ash Ra Temple，繼而成為Ashra的成員，而他在1980年出版的首張個人專輯《Synthesist》亦是德國krautrock電子音樂經典作；Düsseldorf school的Eberhard Kranemann是早年Kraftwerk的低音結他手，又曾參與Neu!的現場演出，然後以Fritz Müller的名義個人發展，包括在1977年出版過這張《Fritz Müller Rock》介乎krautrock與Neue Deutsche Welle之間的專輯。二人的履歷，已別具傳奇性的意義。

就是柏林派與杜塞爾多夫派的分野，即使同是在德國的krautrock體系下，但過去二人並互不認識對方。直至2016年，大家已是「krautrock伯伯」的時候，他們就在一個音樂節遇上，從而萌起合作的念頭，走在一起創造出《Krautwerk》這張Harald Grosskopf & Eberhard Kranemann的合作性專輯出來。 

《Krautwerk》專輯開場曲〈Midnight in Düsseldorf Berlin〉正是標誌著杜塞爾多夫派與柏林派的交流——冷洌的電音肌理、低迴的喃喃獨白、迷幻的結他、浪漫的synth音色，是一種摩登krautrock電音風格。來得更富電音風骨的〈Ou Tchi Gah〉同樣地滿溢著濃郁的Teutonic冷冷氣息，電氣krautrock得來又有著部落節奏與chanting吟唱之底蘊。

更有趣的，是在彰顯出他們的藍調根源下，〈Texas Paris〉是一首不一樣的electro-blues曲目，除了Eberhard一手迷幻的藍調結他與藍調節奏外，也切入了部落節拍與ambient氛圍。由ambient氛圍帶出的〈Happy Blue〉有如回到90年代的ambient techno / IDM好時光，但他們又總要配以非洲音樂般的迷魂chanting人聲與蟄伏著部落節拍肌理而來(昔日電子音樂的非洲節奏的薰陶早已被視為導向proto-techno的衍生)。〈Buddhatal〉則是一首長達12分鐘、來得空靈神秘而富有大自然氣息的深邃氛圍樂章。專輯最未的〈Be Cool〉以我們的老掉牙說法，就是一首高壓電子樂章，就好比Moebius - Plank - Neumeier的1983年專輯《Zero Set》裡的曲目般。