那些年，我們一起追聽的獨立廠牌Creation Records

話說在較早前，先是在8月27號公布Oasis歷史性地復合，Liam Gallagher與Noel Gallagher兄弟終告破冰讓，會在來年舉行盛大的《Oasis live ‘25》巡演，已成為一時佳話，兩日後又是其1994年首張專輯《Definitely Maybe》面世30週年。一下子，就給他們一石激起千層浪，Oasis這個名字旋即成為全球熱話、網絡流量密碼，勾起大家對Oasis的回憶。那幾天在社交媒體上，猶如雨後春筍地看到樂迷分享跟Oasis的淵源與情意結，來個一人一Oasis故事，憶述Britpop黃金年代的好時光，回味從前如何登上Britpop列車。 

就我在社交媒體所看過分享對Oasis回憶的華文文章，似乎看不到有人談及其伯樂Creation Records。畢竟我相信之於大部分樂迷邂逅到Oasis，已是他們走紅與成為Britpop頂班大團後的事，大家所買到的Oasis國際版唱片都見不到Creation的名字及商標——畢竟在Oasis出道的兩年前(1992年)，Creation 已將公司的一半售股份給主流唱片廠牌Sony Music。隨後Creation也在1999年告一段落、完成了其歷史性任務，過不到千禧年。 

然而在我心目中，Oasis舊日的故事跟Creation Records這所由來自蘇格蘭格拉斯哥的Alan McGee於倫敦成立的英國傳奇性獨立音樂廠牌，是有著不可或缺的關係。 

那麼我是幾時開始聽Oasis？我是1994年看著Oasis出道、由他們的首張單曲〈Supersonic〉開始聽的那一代獨立音樂粉絲。作為每星期拜讀兩大英國音樂週報《Melody Maker》和《NME》的樂迷(那時是要急不及待地現兜兜去購買空運到港的紙媒雜誌才可緊貼外國音樂資訊)，都見證到Oasis這支來自曼徹斯特的生力軍樂團如何備受大力吹捧，甫出道已經也文也文。而讓我對Oasis發生興趣的主因，正正是基於他們為Creation旗下的新樂隊。 

那些年，我們都會「追indie label聽」，對於某幾家公認為風格別樹一幟、被視為信心保證的獨立名廠，他們出版的音樂、他們新簽回來的樂隊，都幾乎會照單全收，有一種深信「某某廠牌出品必屬佳品」的心態。 

而Creation是其中一家我所追聽的獨立廠牌，買他們的唱片還要買英版編號為CRE開頭方為之正宗。從80年代至90年代，Creation是英國最為舉足輕重的獨立廠牌之一，對英倫indie-pop、indie rock以至indie-dance流派之發展有著領導性的影響力。也慶幸見證到Creation在1991年如何走上登峰造極狀態，當年在短短三個月間出版了Slowdive的《Just for a Day》、Primal Scream的《Screamadelica》、My Bloody Valentine的《Loveless》、Teenage Fanclub的《Bandwagonesque》這四張劃時代專輯。 

從前Creation叫獨立音樂愛好者為之津津樂道，還有廠牌的一眾創辦人與高層，都是樂手、都是玩樂團的。 

公司主腦Alan McGee有他領軍的indie-pop名團Biff Bang Pow! (公司名字是來自60年代英國psychedelic rock / garage rock樂隊The Creation、而Biff Bang Pow! 則取名自The Creation的1966年同名歌曲) ，而公司的另外兩位創辦人Dick Green和Joe Foster(又名Slaughter Joe) 不但同是Biff Bang Pow! 的樂隊成員，後者亦是來自post-punk / indie rock樂隊Television Personalities的一員。 

還有Creation的行政人員Ed Ball，他跟Joe Foster同是來自Television Personalities，而他亦有其領軍的樂隊'O' Level、Teenage Filmstars以及由post-punk而演進成indie-dance風格的The Times，又有他的acid house電音企劃Love Corporation、他跟Dick Green的ambient / post-rock組合Sand，而他更以Ed Ball的名義出版過多張個人專輯。 

這班Creation的大佬玩音樂，並非純屬一時技癢或玩票性質的，反而在獨立廠旗高層的身分以外，他們同時也是音樂藝人。Alan McGee的Biff Bang Pow!，早年在Creation旗下乃能夠得以跟Primal Scream、Felt、The Weather Prophets、The Jasmine Minks等代表性樂隊分庭抗禮，他們共出版過六張專輯，其acoustic-based的1991年最後專輯《Me》，是我們心目中的慘白indie-pop經典；而Ed Ball更是非常之多產的樂手，The Times、Teenage Filmstars、 Love Corporation、Sand以及以唱作歌手作個人發展的他(其1995年專輯《If a Man Ever Loved a Woman》同是慘歌經典)，在Creation旗下發行過的專輯可謂不計其數。 

叫Creation追隨者另一津津樂道的，還有他們的出品都喜愛採用少女圖片作唱片封面，常見於Creation多年來的一系列合輯，以及Biff Bang Pow! 的唱片。很indie-pop的青春純真美學。那些年，我們一起追聽Creation Records的時代，都是快樂的回憶。

泰系sophisti-pop女生mindfreakkk的心路歷程博物館

泰國獨立唱作女生mindfreakkk在兩個月前出版了她的首張專輯《Museum of My Mess》，可視為她自2021年出道至今的總結、她的作品集。專輯12首曲目當中有9首曾作單曲發行，碟如其名這是她過去幾年間的心路歷程博物館。隨之，mindfreakkk將會以四人樂隊形式在9月20號於Soho House舉行她的香港專場音樂會，把其博物館典藏的故事移師到香港展出。 

mindfreakkk是近年其中一位最叫我深刻的泰國女唱作人，除了本名Ghasira Pornnoppadol的她所帶來的歌曲都是如斯心思細膩(每首歌都在YouTube上附有liner notes注釋解說)，還有她臉上常掛著親切可人的甜美笑容，也令人對她留下甚討喜的印象，好有一種猶如鄰家女孩的感覺。然而mindfreakkk並不是甚麼小清新歌手來，她很多歌曲都是在探討人生哲理，有著她的懊惱迷惑心情，也是何解她要喚作mindfreakkk——大家可簡稱她做mind吧。 

認識mindfreakkk，也要知道她背後有一位功不可沒的音樂拍檔Tanskul Suwannakudt：她的監製、編曲人與歌曲共同創作人。 

回到2021年，mindfreakkk發行她的首支單曲〈Have You Ever〉，一首以亮麗synth聲主導的happy sad流行曲，大家都認定她所樹立起的日系city-pop風格。然而mindfreakkk的歌路並非單向發展，四個月後她再為〈Have You Ever〉帶來了一個jazz version(期間她已多推出兩首單曲)，把歌曲詮釋成哀愁的jazz ballad，而重點是原來mindfreakkk也可以高雅爵士得起。

 

如果要形容mindfreakkk的音樂路線，我會把她納入為sophisti-pop流派。沒錯sophisti-pop這個音樂流派只是自上世紀80年代，但我覺得不少當今的文青口味音樂風格很適合套用上這個音樂標籤。 

看看mindfreakkk出道那年(2021年) 所發表的另外兩首單曲：道出親人要飛到遙遠行星而產生失落感之思念故事的憂傷synth-pop作品〈Pluto Bay〉(有用上vocoder人聲和唱) ，抑或〈Days Are Nights〉延續了〈Have You Ever〉的日系city-pop風格但來更輕快與更具靡爛都市氣息，都是屬於synth-based的曲風。

 

到了2022年，說要將有毒的人從你生活中剔除以保持心理健康的〈Chaos Calls〉來得復古華麗，有著爵士流行樂之底蘊，那壓根兒是sophisti-pop來；而featuring Tanskul的〈Navy Blue〉，則是acoustic-folk / indie-folk ballad泰文英文合唱歌。2023年的〈Once Upon The End〉是首夏日氛圍的世界末日歌曲，很chill地問大家想要和誰一起享受最後的時光；〈Silent〉更是傷春悲秋與富有戲劇性的jazz ballad。大家都聽得到mindfreakkk在這幾年間的音樂演化，愈來愈成熟sophisti-pop。 

 

再聽她2024年的新曲，〈What (I Wish) He Said〉卻又可以從upbeat活潑而夢幻的曲風來回到好青春的年代愛情予人的清新浪漫感覺。主題曲〈Museum of My Mess〉 描寫對自己感到失望、處於低谷時的混亂心情，內斂而有著淡淡然情感，很chill的歌，尾段則喚來80年代soft rock結他獨奏與澎湃鼓擊。

 

而專輯的開場曲〈Bones〉，夢幻氛圍帶出美麗的synth主導chamber-pop，講述對死後感受的想像，我們的骨頭、靈魂和生命都沒有了，我們已一無所有，人生只不過是一場遊戲，到她唱著”No matter the blues / No matter the pain / Everything leads me back to you / I know I’ve got to go” 卻是多麼的溫婉治癒。〈Awkward Seal〉是mindfreakkk寫給Tanskul的歌，介乎synth-pop與indie rock之間，歌曲名字源自9GAG時代的經典meme圖「尷尬的海豹」Awkward Seal。〈Giant Baby〉是關於拒絕成長，以輕快的曲子來訴說不想當成年人，我們都是一個個giant babies。

 

班門弄斧Bandmennofool presents: 

mindfreakkk - Live in Hong Kong 

日期：2024年9月20日（星期五） 

地點：Soho House HK（1樓） 

開門時間：19:30 

票價：預售$480 / 現場$550 

票務網址：www.art-mate.net 

N.Y.P.D. 南洋派對的另一神曲

去年12月，N.Y.P.D. 南洋派對在《Clockenflap》的Orbit Stage舉行了一次樂隊歷來最精采、猶如宗教般的演出，當日他們在音樂節上於過千名觀眾前公演了新作〈冷氣機滴水〉(之前已在同年9月於韓國DMZ Peace Train Music Festival作全球首演過)。相信在場大多數本地樂迷都是首次聽到這首南洋派對的新歌，而在Orbit Stage現場正見證到大家得以跟著「滴、滴、滴、滴、滴」地唱和的歷史性時刻，那時已心想這定必會成為南洋派對的另一神曲anthem。 

2020年首張同名專輯《南洋派對》裡幾乎首首歌都成為樂隊的經典(甚至到近期仍見到有報章專欄談論他們這批幾年前舊作)，到底南洋派對何以再締造突破，這是我在心裡所存在的疑問。 

南洋派對就是一隊不按章法的樂隊。今年4月間他們發表足足四年來的全新回歸單曲並不是大家期待的〈冷氣機滴水〉而是〈Easy Lighter 借火〉，還連同四個remix版以唱佛機(Buddha Machine) 形式出版；跟《南洋派對》相隔四載在6月間所帶來其第二張專輯《G.A.I. G.A.I.》，是一張全採用A.I. 創作的專輯(限量出版了100套card holder + bank card USB flash drive)，共52首曲目全長1小時45分鐘，實情是這是他們的A.I. remake專輯——以人工智能來重新闡釋/惡搞其歌曲，出來的戲謔意味來得有增而無減，古靈精怪騎呢地大玩多元曲風(聽到笑撚咗)，而亮點是當中有多首歌曲是由〈冷氣機滴水〉演化蛻變出來，但就是沒有收錄原版〈冷氣機滴水〉，實行吊下大家癮。 

也是何解他們在這個8月正式發表〈冷氣機滴水〉時，是多麼千呼萬喚始出來！ 

〈冷氣機滴水〉本身已足以成為南洋派對的神曲。通過介乎krautrock、psychedelic、surf rock與post-punk之間的曲風，來控訴香港這塊人煙稠密彈丸之地所長期面對冷氣機滴水滋擾問題，相當之貼地的題材。 

〈冷氣機滴水〉繪形繪聲地所描述就是冷氣機滴水令到一家大細無覺好瞓、令到衫褲鞋襪濕晒，產生公眾衛生與個人精神健康之困擾。「滴水之恩 / 當湧泉相報」引用自古語「滴水之恩，湧泉相報」，意指賢人義士受人一點小小恩惠也應加倍報答，再接上「咁冷氣機滴水呢 / 就一於投訴」——這四句歌詞已一針見血、字字鏗鏘而又具有反諷意味，尤其是主唱Jon以甚酷的歌聲煞有介事地唱出來，甚至得以猶如一首protest song般有力。 

五分多鐘的〈冷氣機滴水〉之曲風來得甚具起承轉合。從有著暗湧張力之結他riff、迷魂琴音與 marching drum構成的扣人心弦krautrock / psychedelic組態，再推至 surf rock 的狂放馳騁段落，回落過後又重投迷幻曲風繼而再upbeat急激起來，Jon唱得愈見歇斯底里，有如德國科隆krautrock先鋒樂團Can的變化多端歌曲鋪排。

 

歌曲由Luke Casey執導的復古風mv，也是向Can在1971年於德國音樂節目Beat-Club演出一曲〈Paperhouse〉的影片致敬(綠幕拍攝key上背景)，又配以《歡樂今宵》現場觀眾花絮與浮誇冷氣機廣告片段的懷舊影片，玩味十足。這也是南洋派對首個以full band真人現身登場拍攝的mv。 

〈冷氣機滴水〉作為單曲之餘，亦以EP(現在的所謂單曲專輯) 形式上架，另收錄四首來自《G.A.I. G.A.I.》專輯𥚃由〈冷氣機滴水〉所衍生出的A.I.歌(但不只這四首呢)。disco風的〈滴滴滴滴滴士高〉、文青folk-hop風的〈明明聽日係放假〉、古巴cha-cha-chá風的〈夏灣拿之夜〉、葡萄牙fade風的〈里斯本冷氣機師傅〉，聽著那些「唔啱音」的廣東話歌詞已令人會心微笑，但同樣是在「滴、滴、滴、滴、滴」地唱著。

Btw, 如果特區政府夠膽用〈冷氣機滴水〉做冷氣機滴水滋擾問題的宣傳歌，甚至找來南洋派對粉墨登場拍宣傳片，香港就有希望了。

Sped Up / Slowed Down音樂先鋒：NEU!

K-pop女團BLACKPINK泰妹成員LISA在6月尾發表她以個人姿態加盟歷史悠久美國著名廠牌RCA Records後的首支英文歌單曲〈Rockstar〉，旋即成為一時佳話。而〈Rockstar〉的單曲專輯裡除了歌曲原版之外，還有其extended版和instrumental版，以及一個Sped Up加速版和一個Slowed Down減速版。 

當今K-pop界盛行為歌曲帶來加速版與減速版這個玩意，前者令歌曲卡通片起來、後者變成拉牛上樹，據知是源自TikTok的玩法，但那些Sped Up和Slowed Down版都是非官方製作的，在YouTube上可以找到。而今次LISA則是鮮有地以官方形式推出Sped Up與Slowed Down版歌曲的巨星級K-pop藝人。 

咁呢啲Sped Up版、Slowed Down版有咩好聽呢？總之就是Gen Z樂迷聽得過癮吧。 

那麼，說來德國杜塞爾多夫傳奇性krautrok樂團NEU!，由Michael Rother和Klaus Dinger二人組成的他們，大可稱得上是Sped Up / Slowed Down音樂先鋒鼻祖。 

這個甚cult的音樂典故，要追溯到Neu! 在1973年發表的第二張專輯《Neu! 2》。話說當樂隊錄製《Neu! 2》時，他們只灌錄了專輯第一面的作品，就已差不多把Brain Records所預付的製作費殆盡(因為是二人還用這筆資金添置了一批新器材)，專輯第二面的曲目仍懸空，而餘下來的經費只容許他們在一夜之間把專輯第二面完成。 

當時Klaus Dinger乃忽發奇想，那就是把之前以double A-side單曲形式發行的兩首作品〈Super〉與〈Neuschnee〉快快手來個改造。於是，便衍生了〈Super〉的減速版〈Super 16〉和加速版〈Super 78〉，〈Neuschnee〉的加速版〈Neuschnee 78〉，以慢速手攪動播放〈Neuschnee〉(背後是Michael Rother與監製Conny Plank的對話)但又突然來個加速倒播而成的〈Hallo Excentrico!〉，以及就像用一台故障卡式機播放出來的〈Cassetto〉，再加上〈Super〉和〈Neuschnee〉的原版，便構成《Neu! 2》整整第二面的七首曲目。 

咁有咩好聽呢？從實驗音樂而言，聽到是一種扭曲變異的快感。更重要是這幾個〈Super〉與〈Neuschnee〉的加速減速版，在後世被視為開拓remix與turntablism的概念；而如今來看，更是開創推出作品的Sped Up與Slowed Down版之先河呢。 

然而當時的媒體與樂迷並沒有這樣的想法，沒有領悟到他們的先知與破格意義，所之只覺得是遭Neu! 愚弄，欺騙樂迷，視之為樂隊荒誕的舉動。所以《Neu! 2》無論是銷量及評價，皆遜色於他們的1971年首張同名專輯《Neu! 》，促使Neu! 二人在意興闌珊下踏上瓦解之路。

 

而〈Super 16〉還有一個更cult的典故，就是被王羽的1976年電影《獨臂拳王大破血滴子Master of the Flying Guillotine》用作開場片配樂(再接上〈Super〉) ； 廿七年後，又被Quentin Tarantino 的2003年電影《標殺令Kill Bill Volume 1》用作配樂。

【YCC new music vibes】系列monthly playlist

自2013年起，我開始在Spotify選輯我的年度精選歌單。起初是臨近年尾時才動工，然後提早到年中過後便啟動，後來索性在每年第一季內已開定個新歌單，見有喜歡的新歌便加入，到臨近年尾就著手編輯、大執位砌靚個flow，從而大功告成可以公諸同好。 

然而近年我似乎加歌加得太貪心，到年尾時歌單已累積了海量的音樂、長達十幾小時，弄至難於編輯整理。 

所以由今年下半年開始，我會以monthly月結形式帶來我的new music推介歌單，好讓我的新曲精選歌單分享更新鮮熱辣而來。【YCC new music vibes】系列monthly playlist，就以July 2024 issue揭開序幕。

當Kraftwerk演奏坂本龍一曲目的歷史性時刻

7月27號晚呆在家中，從社交媒體上得悉Kraftwerk在日本Fuji Rock Festival的Green Stage演出上，演奏了坂本龍一的1983年電影《Merry Christmas, Mr Lawrence》的主題曲，以向去年3月逝世的教授致敬。因為我有多位朋友都置身Fuji Rock現場看到Kraftwerk 這個歷史性表演時刻(好叫我羨慕死)，並即時分享到其社交媒體，所以我看到的是第一手消息，跟著才有音樂媒體報道。 

當晚我在想，假如我是在Fuji Rock Festival現場看到Kraftwerk演奏坂本龍一曲目的一刻，我會有甚麼反應呢？ 

Kraftwerk玩出〈Merry Christmas, Mr. Lawrence〉前，靈魂人物Ralf Hütter說：「下一首曲目，是我朋友坂本龍一的作品。」台上的屏幕隨即亮起一幅Ralf與坂本教授在1981年的合照。「我們是永遠的朋友，自 1981 年我們在東京舉行首場 Kraftwerk 音樂會起。」並且說：「2012 年《No Nukes 》音樂節，坂本為我的〈Radioactivity〉創作了新的日語歌詞於這場音樂會演出。」從此Kraftwerk這首探討輻射的1975年曲目便衍生了一個日語歌詞版(又名Fukushima Version)：日本でも　放射能 / きょうも　いつまでも / フクシマ　放射能 / 空気　水　すべて / 日本でも　放射能 / いますぐ　やめろ」) 。反核，正是坂本教授生前的一大使命。 

Kraftwerk演奏的〈Merry Christmas, Mr. Lawrence〉只有短短不夠兩分鐘，聽到是Ralf Hütter的鋼琴獨奏配以背後的synth聲，隨即引伸出《Radio-Activity》專輯的序曲〈Geiger Counter〉，再帶出含日語歌詞的〈Radioactivity〉，三者得以構成演出裡的組曲。說來，最後一次聽到Ralf Hütter彈奏鋼琴的Kraftwerk曲目，已是50年前的1974年專輯《Autobahn》裡的〈Morgenspaziergang〉。

 

 

重點是，Kraftwerk過去從沒有翻玩過別人的作品，今次在Fuji Rock為向教授致敬而奏出〈Merry Christmas, Mr. Lawrence〉，是他們成軍54年來首次破戒玩cover version。 

到底Ralf Hütter與坂本龍一有幾惺惺相惜，而令到Kraftwerk破天荒地玩改編音樂。其實這已不是Ralf Hütter / Kraftwerk第一次為坂本龍一而破戒。 

Kraftwerk是一隊採取嚴格管理作風的樂隊，所以他們一直以來都沒有任何對外的合作，曾叩門跟Ralf Hütter等人會面傾談合作事宜如「柏林時期」的 David Bowie 及 80年代的Michael Jackson ，皆未能成事；Kraftwerk也從不會在別人的唱片裡客串——而絕無僅有的一次，是坂本龍一策動的「反地雷」音樂計劃 N.M.L. ( No More Landmine ) 在2001年發表的籌款單曲〈 Zero Landmine 〉，便破天荒地得到 Kraftwerk 情商參與負責 sound logo 電腦人聲。

Brian Eno：《ENO》50年音樂大觀園紀錄片配樂

作為Brian Eno的忠粉追隨者，他交由美國獨立電影製作人Gary Hustwit執導的的首齣官方紀錄片《ENO》，毋庸置疑叫我為之萬分引頸以待。影片的別開生面之處，是每場放映都是獨特的——以電腦程式來生成迥然有別的場景與秩序，所以每次放映時都會呈現不同的版本、有不同的現場體驗，絕對是非一般的音樂傳記紀錄片，也體現到Eno這位影響力無遠弗屆的英國前衛音樂宗師對創作科技的運用。

我不知道何時才有機會看到《ENO》的放映，如今聽著《ENO》的雙黑膠電影原聲專輯，也許暫且可作聊以自慰吧。所收錄的17首曲目，都是出現過在《ENO》的樂曲，橫跨足足50年的Eno作品。除了他的個人曲目之外，近半數是他跟別人聯袂合作(collaborative) 的。尚未看過紀錄片《ENO》之前，我會視這套OST為Eno的精選專輯來欣賞。

 

說起Eno的精選，我會想起他的1986年精選專輯《More Blank Than Frank》(CD版則喚作《Desert Island Selection》) ，那是他的四張art rock / avant rock專輯的總結；還有兩套在1993年發行的3CD box set 《Eno Box I: Instrumental》和《Eno Box II: Vocal》，開宗明義地劃分成器樂作品與歌曲作品的兩盒精選(這兩套box set當年叫我多麼愛不釋手)；近年則有《Film Music 1976-2020》這套2020年電影配樂雙專輯精選。 

來到今次的《ENO》OST專輯，則是得以把Brian Eno歷年來的器樂曲目與歌曲曲目、靜態氛圍曲目與搖滾曲目/具節奏感曲目，梅花間竹、不按時序地共冶一爐選輯，構成是前所未有的Eno作品聆聽新體驗，聽出一種幸福感。 

《ENO》OST由Eno的2024年新作、回憶錄式ambient-ballad歌曲〈All I Remember〉揭開序幕(I try to remember the treasure we found in those days / In retrospect tiny as diamonds / Stars in the black heart of space) ，也是專輯裡未經發表的曲目之一。而最早的曲目，是來自其1974年秋天發行第二張個人專輯《Taking Tiger Mountain (By Strategy)》的「三叔」〈Third Uncle〉，而非來自其1974年初首張個人專輯《Here Come the Warm Jets》，但也得以祭出剛好50年音樂生涯時空之總結意義。 

 

就專輯長度所限，《ENO》OST裡沒有Eno的長篇ambient曲目是可以理解，然而其著名「ambient系列」專輯屬短篇曲目如《Ambient 2: The Plateaux of Mirror》(與Harold Budd合作) 和《Ambient 4: On Land》也沒有作品被收錄在內，則不明所以。而所輯錄的也並非以他在上世紀70、80年代的石破天驚作經典作品為主，反之有近半數的曲目是Eno自2000年代以降的作品，見證到他與時俱進、孜孜不息的創作力。也因為《ENO》OST的選曲不是主打其經典作，所以當中乃收錄了不少他的滄海遺珠佳作。 

Eno的70年代作品，除了〈Third Uncle〉之外，就只有1975年第三張個人專輯《Another Green World》的〈Sky Saw〉，以及跟德國前衛電音二人樂團Cluster合作的1977年專輯《Cluster & Eno》的〈Ho Renomo〉共三首而已。前兩者(一首張牙舞爪、一首奇幻如騰雲駕霧)皆是Eno的art rock / avant rock經典，後者是他與krautrock系電音通婚的夢幻迷魂ambient樂曲。 

貫徹Eno熱衷對外合作的作風，在《ENO》裡收錄了很多他的collaborative作品。除了Cluster之外，為樂迷津津樂道的包括他跟David Byrne(Talking Heads)合作獲譽為sampling與world fusion音樂先鋒的1981年專輯《My Life in the Bush of Ghosts》，一曲〈Regiment〉正包含黎巴嫩山地歌手Dunya Younes唱詠的取樣，而27年後二人再續前緣聯袂在2008年發表song-based專輯《Everything That Happens Will Happen Today》，〈Everything That Happens〉是如斯雋永窩心的electronic-gospel流行曲；1983年夥拍加拿大製作人Daniel Lanois 及其胞弟Roger Eno發表美國記者兼導演Al Reinert為美國太空總署 NASA 執導的載人太空任務「阿波羅計劃」紀錄片《 Apollo 》的配樂專輯《 Apollo: Atmospheres and Soundtracks 》，〈The Secret Place〉是色調幽悒荒涼的ambient樂章；1990年跟John Cale(The Velvet Underground)成員聯袂合作的art rock流行曲專輯《Wrong Way Up》，〈Spinning Away〉是多麼如流水行雲的清爽art-pop歌曲。 

Eno合作過的不獨只有上述的傳奇性名字，自2000年代起所合作的又是新一輪景象。2010年跟結他手Leo Abrahams和電音樂手Jon Hopkins合作的虛擬配樂專輯《Small Craft on a Milk Sea》，在電鋼琴下〈Emerald and Lime〉是如斯溫暖而愛意洋溢、叫人怦然心動的幽美樂章；跟首居於紐約市及柏林的英國鋼琴演奏家Tom Rogerson合作的2018年專輯《Finding Shore》是以Tom Rogerson with Brian Eno名義發表，Eno不是主角但可見他對這張作品的重視，〈Motion In Field〉是有著minimalism音樂肌理的夢幻幽美樂章；去年跟90後倫敦製作人Fred again.. 合作的《Secret Life》是美麗而嶄新的ambient專輯，〈Cmon〉蘊含倫敦alternative soul二人女子組合Bad Honey一曲〈Hjem (Please Make It Better)〉以及倫敦blues-soul女唱作人Winnie Raeder的人聲sample。 

而Eno的個人曲目當中有不少他的遺珠之作。比如當年胎死腹中的1991年專輯《My Squelchy Life》一曲〈Stiff〉，是首明快、清爽、幽默的結他主導的流行曲作品，甚至那時為此曲拍下的影片如今亦重見天日、以mv重現。

 

而被視為《My Squelchy Life》姊妹專輯的《Nerve Net》(1992年)，一向是我心目中Eno備受低估的個人專輯，預視了互聯網紀元的未來主義electronic-avant-rock風格，〈Fractal Zoom〉是多麼酷的電幻歌曲。 

2022年《FOREVERANDEVERNOMORE》是Eno最近期的官方個人專輯，祭出他史無前例的「ambient歌曲」(既是靜謐ambient又是以歌曲主導、每首曲目都聽到他開腔獻唱) ，〈There Were Bells〉是來得混然天成的ambient詩歌。翌年再推出《FOREVERANDEVERNOMORE》的「無人聲版」《FOREVER VOICELESS》，〈Hardly Me〉就是〈I’m Hardly Me〉的淒美器樂版(原曲是Eno跟其細女Darla Eno合唱)。 

而《ENO》裡另一未曾發表的曲目，是取自其Eno’s Sonos Radio Station的The Lighthouse系列作品〈Lighthouse #429〉，叫人聯想起Holger Czukay與Jon Hassell聲音的experimental-jazz-rock作品。 

 

 《ENO》OST的結尾歌，是2021年與Roger Eno在希臘的聯合國教科文組織世界遺產古跡雅典衛城(The Acropolis)希羅德·阿提庫斯劇場(Odeon of Herodes Atticus)舉行的Epidaurus Festival，重玩其1977年專輯《Before and After Science》跟Cluster成員合作的淡淡然哀愁avant-ballad經典作〈By This River〉。