AURORA：挪威音樂精靈的美麗神話

如今看來，已彷彿是恍如隔世的事——本來，我們都可以在2019年香港的《Clockenflap》音樂節，看到挪威年輕唱作女生AURORA的現場演出。當年她才出版過第二張專輯《A Different Kind of Human (Step 2)》，又在The Chemical Brothers的《No Geography》專輯客串獻聲兼共同創作三曲，這位小妮子是多麼閃爍的的北歐音樂新銳名字。要不是那屆《Clockenflap》要臨時煞停告吹，那不但大家皆看到AURORA的表演，而且好大機會我已跟她做過訪問、在後台影過靚靚合照。可惜一切都幻滅了。 

然之後，便是大流行疫情在全球爆發。AURORA在2020年5月發表了她標誌著其音樂生涯「新紀元」的單曲〈Exist For Love〉，至今的20個月間她共推出了六張個人單曲，再加上英國電影《The Secret Garden》(改編自Frances Hodgson Burnett小說)同名主題曲〈The Secret Garden〉、挪威聖誕迷你劇集《Stjernestøv》同名主題曲〈Stjernestøv〉、美劇《Hanna》第三季插曲〈Midas Touch〉等影視歌曲，這兩個年頭她算是辛勤地保持著相當的產量與炙手可熱的姿態。如今AURORA的三年來全新專輯《The Gods We Can Touch》在這個2022年1月面世，簡直是走過多麼遙遙長路而來。 

從前我們都把Björk喚作冰島音樂精靈，那麼AURORA就是當今的挪威音樂精靈。兩者同是很年輕已出道，而她們的音樂皆有著一種屬於北歐的大自然靈秀。多年來跟製作人Magnus Skylstad的合作無間下，AURORA被稱之為art pop的音樂風格，建基於當代電音製作導向的電氣流行樂形式之餘，同時又有著她的民謠根源——尤其是那種「北歐五國民謠」Nordic folk底蘊，讓其歌曲有著一種所謂「仙氣」的況味(畢竟她是成長於圍繞著樹林與山脈的卑爾根鄰近地區)，從而遭納入ethereal音樂流派體系。 

從前年的〈Exist For Love〉到去年的〈Cure For Me〉，這兩首風格截然不同的主打單曲，正呈現出現年25歲的AURORA所帶來的第三張專輯《The Gods We Can Touch》之兩面體方向。《The Gods We Can Touch》能夠被視為AURORA的鉅著，除了她寫出了甚高質的歌曲之外，亦因為當中的曲目能夠拿捏到她不同的聲音，正如專輯的命題是從希臘神話而引伸到每首歌曲都遇到了不同的神。 

《The Gods We Can Touch》由只有40秒的飄逸空靈序幕曲〈The Forbidden Fruits Of Eden〉作為引子，從而帶出找來法國唱作女生Pomme和唱的新單曲〈Everything Matters〉(但黑膠唱片版卻接上了〈Cure For Me〉)，這首詩情畫意而又古意盎然的Nordic folk民謠風歌曲再隨隨地伴以鼓機節奏，就彷彿回到我在80年代聽避世音樂的年代。

 

毋庸置疑，〈Cure For Me〉是AURORA歷來最為跳脫、最具流行樂本質electro-pop的歌曲，委實銷魂到不得了，是我在2021年最喜愛的歌曲之一。每次聽到那段閃耀搶耳的organ riff，就隨即想起了她在mv裡的舞步。

 

AURORA的電音流行樂方向，又有見於另一單曲〈Giving In To The Love〉，前奏令人聯想起昔日Depeche Mode或Pet Shop Boys的作品，而她的演繹卻是多的蕩氣迴腸，甚至當她” la-la-la-la”地唱著時，又好比電氣化起來的The Cranberries。 

 〈You Keep Me Crawling〉的幽美懾人曲子下的70年代流行曲/baroque-pop的弦樂編排，抑或〈The Innocent〉的連綿鋼琴riff引伸出Euro-pop歌曲流水行雲chorus(尾段的鼓擊可謂神來之筆)，〈A Temporary High〉的歐陸new wave / electro-pop曲風，甚至是〈Blood In The Wine〉蕩氣迴腸電氣搖滾，都全然是AURORA別樹一幟的北歐流行樂姿態。

 

另一方面，〈Exist For Love〉這首剖釋愛情的acoustic folk-ballad是美多麼吹彈可破、思古幽情，孤高幽美的歌聲、美得戚然的弦樂，萬般縈繞心頭，是AURORA最叫人怦然心動之作。

 

AURORA的迷人之處，是她的歌曲可以多麼的美不勝收。去年年尾釋出的單曲〈Heathens〉那電氣民謠下展現出她無懈可擊heavenly voice演繹，介乎synth ballad與folk ballad之間的〈Exhale, Inhale〉實在淒美得令人屏息，〈A Dangerous Thing〉又有著叫人心碎的民謠曲子。

 

論到最美麗得沒話說的一曲，就是〈Artemis〉，濃郁南美的風情，配以探戈音樂式班頓里昂手風琴伴奏，風光如畫。

 

專輯結尾歌〈A Little Place Called The Moon〉會令人誤以為是器樂曲目，直至超過一半時間AURORA才開腔主唱，是一首神秘而戲劇化orchestral pop，而那不吃人間煙火氛圍，又跟〈The Forbidden Fruits Of Eden〉首尾呼應。  

2021年我的年度國際十大專輯 + My Best of 2021 playlist

仍是那句說話：我的年度十大我聽甚麼，那又與別人何干呢？沒有任何預算地隨意點算了一批2021年自己喜愛的國際音樂專輯出來，再從中甄別選出可以放進年度專輯之列，輕輕鬆鬆地得出這10張(去年選了20張啊)，就此作罷，純粹做個記錄，並非甚麼出人意表的選擇。也不作排名，只按字母次序。

 

Arlo Parks《Collapsed in Sunbeams》 

可能這是我今年聽得最多的專輯，畢竟這是1月尾出版的唱片，可以由年頭所到年尾。黑人面孔的「騷靈詩人」，但Arlo Parks淡淡然的甜美嗓音卻是很白人，有著indie-folk與bedroom-pop的多愁善感而多於典型的neo-soul。最重要是Arlo Parks有著細水長流溫婉旋律與詩意歌詞的歌曲，每每是多麼的治癒。

 

Black Country, New Road《For the First Time》 

所謂「英倫post-punk再起」現象的三寶之一，一行七人的Black Country, New Road得以拿捏post-punk、post-rock、post-hardcore、jazz、東歐猶太klezmer music而來，溫婉與張力、優雅與暴烈而鋪排收放自如，層出不窮。

 

black midi《Cavalcade》 

「英倫post-punk再起」三寶之二，有別其他兩隊，這已是black midi的第二張專輯。結集progressive rock、jazz rock、post-punk、noise rock、math rock、cabaret的大成而來，樂隊成員人數最少但卻是最具技術型功架的一隊，叫大家聽拿King Crimson作相提並論。 

 

Dry Cleaning 《New Long Leg》 

簡言之，Dry Cleaning的歌曲就是以post-punk / art punk曲風配上Florence Shaw跟音樂部分絲絲入扣而來的冷靜聲調半吟半唱演繹，基本上專輯裡的每首歌也如是。然而他們的作品卻不會叫你感有重復，即使Florence是以spoken words方式演繹，但卻能給大家聽到箇中的「旋律」。

 

Emma-Jean Thackray《Yellow》 

因為她為Squid演奏小號，而令我認識到其貌不揚的英國爵士界才女Emma-Jean Thackray。來自約克郡的她是作曲家、製作人、多元樂手、歌手、樂團領隊，其首張專輯呈現出一段跨越70’s jazz fusion、p-funk、spiritual jazz、cosmic jazz、Afrobeat、house、hip hop、soul的迷幻爵士旅程。 

 

Floating Points with Pharoah Sanders & The London Symphony Orchestra 《Promises》 

英國電音製作人Floating Points遇上美國大師級avant-jazz色士風演奏家Pharoah Sanders再加上The London Symphony Orchestra伴奏，已無敵的組合。九個Movement樂章，盡是空靈、夢幻、神秘、迷魂、淒美、深邃而懾人心魄的樂章，令人屏息，把Floating Points的ambient電音與Pharoah Sanders的spiritual jazz提昇到超然的層次。

 

Godspeed You! Black Emperor《G_d's Pee AT STATE'S END!》 

今年只給我選一張post-rock專輯，那一定非Godspeed You! Black Emperor四年來的新專輯《G_d's Pee AT STATE'S END!》莫屬。黑膠唱片以12”LP + 10”EP形式發表，那不僅是樂隊以現場灌錄形式的演奏有幾蕩氣迴腸、悲壯絢麗，抑或他們重拾種種found sound recordings聲響編製，還有當中的政治意識，那包括在唱片center label上引用的德系猶太人語文依地語的抗爭口號” We will outlive them”。

 

Greentea Peng ‎《Man Made》 

蓋著一個復古60年代迷幻設計的唱片封面，「綠茶姐」Greentea Peng開宗明義帶來是她的psychedelic soul姿態(Peng是英國俚語的美麗迷人/極好之意——她不是姓彭的)。迷魂唱腔下那不僅是neo-soul遇上psychedelic，當中也蘊含著Afro、dub、jazz、breakbeat、trip hop的元素，構成她的迷幻騷靈大熔爐。

 

Little Simz《Sometimes I Might Be Introvert》 

現年27歲的英國rapper唱作人Little Simz的第四張個人專輯，專輯名字為她的本名簡稱Simbi(全寫是Simbiatu)的逆向首字母縮略詞，當中貫穿著五首Interlude，形成猶如概念專輯的架構。合作無間的鬼才製作人Inflo精良非常之有機性音樂製作，動用大量真鼓真貝斯真結他以至真管弦樂真合唱團演奏，無論是soulful抑Afrobeat或funk或電影感的曲風，都來得很analog而極高質。

 

Squid《Bright Green Field》 

「英倫post-punk再起」三寶之三，Squid從post-punk / art punk而引伸到實驗性聲效、field recordings、jazz與avant-garde的管樂及弦樂，歌曲充滿起承轉合、變幻莫測，帶著幾分神經質的光怪陸離感覺。

 

附加My Best of 2021 playlist (international)。16小時的音樂、超過200首曲目，高度起承轉合。當然你可以由頭聽到落尾，也建議每次揀啱哪首作品，就click入去開始聽。而頭尾首歌都有點首尾呼應的。 

EUM001：ups and downs的日與夜 // 製作人導賞

上屆《搶耳音樂廠牌計劃 2020/21》衍生出《Ear Up Mixtape 2021》這套結集12首搶耳音樂單位曲目的mixtape合輯，以收錄WAV檔的「仿卡式帶」包裝USB形式推出，成為Ear Up Music的首個實體音樂產品。來到今屆《搶耳音樂廠牌計劃 2021/22》，所製作的mixtape合輯《EUM001: ups and downs》也要作出演進——1. 今次以真卡式帶形式出版(附digital download code)，2. 所收錄的12首曲目全是特別為這個project灌錄的首發獨家全新曲目。 

前文曾分享過我在數十年來對選輯compilation的喜好，如今我擔任《搶耳音樂廠牌計劃 2020/21》的創意總監，從而能夠為其mixtape合輯作為executive producer、操刀compile的重任，實在是一個榮幸。 

雖然上次《Ear Up Mixtape 2021》是一盒「仿卡式帶」，但我仍煞有介事地虛擬有A、B兩面，把合輯劃分成兩個部分。而當今次我們收到一眾搶耳音樂單位的錄音完成品，並在錄音室一口氣聽過所有作品(首首皆高質)，我隨即有了一個念頭——就是這批曲目給我聽出日與夜兩個畫面，於是我決定把卡式帶的A、B兩面稱之為day side和night side，日與夜兩面形成跌宕起伏的鋪排，從而亦引伸到《ups and downs》這個mixtape合輯主題名字；也因為今次是出版真卡式帶，而促使樂迷按著卡式帶收錄的曲目次序來聆聽，得以完完整整地聽到day side和night side兩面的起承轉合流程編排。 

《ups and downs》從早到晚的曲目編排，也是我對1982年商業二台與EMI合作的廣東歌概念合輯《城市生活節奏》(快到40週年了)作致敬。

 

《ups and downs》的day side，由Yuki Lovey的〈Falling Upwards〉揭開序幕，歌曲就是勾勒出隨著漫漫長夜終結(「沿著離開黑暗」)，黎明來到的晨曦景象，這首如夢電幻與用上採樣製作的歌曲，宛如飄盪於旭日初升、湖光山色的半空中，聽得令人心曠神怡，完美的day side開場曲。 

然後Tofu Kingdom的〈Pensieve〉，其indie-pop / shoegaze曲風就如呷著一囗咖啡般醒腦醒神，喚起一股青春燃燒但又帶點苦澀。DAWN以synth主導的soft-pop國語歌〈鴕鳥〉，淡淡然哀愁間是一份忐忑心情，這首柔揚美麗的歌曲有著陽光般溫暖的治癒作用。神經系統 Nervous System的〈Summer Bicycle〉在豁然清爽的曲風下是一段此起彼落地風景改變的夏日單車旅程，沿途風光明媚、美麗如畫。 

宇宙幽靈UCHU YUREI反烏托邦英雄題材的技術派instrumental rock曲目〈Phantom V.Z.〉，將progressive rock、jazz fusion、日系電影配樂交織出劇力萬鈞的張力，化作這個人鬼逆轉城市的緊張節奏，光天化日下也可以妖邪當道。把day side的音量提昇至頂點，FIESTER重型熱血又synth聲橫流的electronicore廣東歌〈發洩〉，大剌剌地釋放負能量舞步來個情緒宣洩、吶喊狂歡。 

 

白晝結束，把卡式發反轉到night side。Kowloon K的〈明天世界或到末日〉是我作為這mixtape合輯的centrepiece，荒誕地在晚間電視節目慶祝世界末日的嘉年華，奏出是叫人心花怒放的浮華city-pop / jazz-funk曲風(他們找來brass section伴奏)。 

Lester Lam feat. Daniel Toh的〈Fluid Love〉前奏響起，已營造出華燈初上、夜幕低垂的氛圍，濃情密意而帶著爵士底蘊的R&B / neo-soul歌曲，是一種屬於大都會旁晚的chill節奏。Higgo Raj取材自電影《Call Me By Your Name》的〈Elio〉，患得患失又銷魂性感萬分，把場景帶到去夜店的舞池上。Bedroom Party的流麗夢幻chillwave / synth-pop曲目〈Night Time〉，便開宗明義帶出城市深夜的靡爛風景。 

夜更深，酒後開始emo情緒化，RAM的alternative rap rock歌曲〈Creator〉，就從質疑創造者、質疑生命來探討親情或人際關係。夜闌人靜思潮起伏，鍾楚翹CHOR的〈渡澗〉由禪意的電幻spiritual前奏帶出，通過如斯淒美幽悒的dream-ballad道出人生哲理，為這個不眠的晚上作結。 

作為night side的結尾歌，〈渡澗〉又彷彿是跟Yuki Lovey的〈Falling Upwards〉作首尾呼應，甚至可以將《ups and downs》這個mixtape合輯循環再播放一次。

 

合輯的12首歌，別說是製作過程中不斷聽其錄音室版，而從各搶耳單位的綵排工作坊到正式現場演出到重溫演出直播影片，我已經聽過N咁多次，首首聽到滾瓜爛熟。這是我參與「搶耳」的愛與樂趣。

《我們都無法成為大人》：青春的懊悔︱90年代︱小澤健二

做完三場《搶耳音樂展演 Ear Up Showcase 2021》，終於有時間可以好chill地安坐家，在Netflix看了改編自燃え殻同名小說的電影《我們都無法成為大人》。 

故事由疫情下2020年的現在，以倒敘式來回望事業有成卻仍是單身而苦悶的46歲的中佬主角佐藤誠25年來的感情與事業生涯。在現實世界，我比佐藤誠年長好幾年，又很年輕已結婚、廿幾年來也是頗自由的自僱人士(包括做了十年老闆)，而且稱不上事業有成，跟主角的人生都幾大相逕庭。但《我們都無法成為大人》叫我看得很有情懷，畢竟大家都算是同輩，而且同樣對青春的消逝感到懊悔，無法完全成為一個真正的「大人」。我們都曾青春過浪漫過熱血過。

活到我這個中佬年紀，我不算是很nostalgia的人，畢竟我仍有很多新事物、新的音樂作品要接觸，圍繞著我也是一班年輕的新朋友。但有時卻會被突如其來湧現出的舊愁思念心情偷襲——正如佐藤誠因為從社交媒體上看到初戀女友的現況，有感而發而在一下子陷入了自己過去的回憶當中。 

倒敘的故事，由智能手機回到call機的年代。佐藤誠經歷過2000、2010年代的職場打混與幾段感情帶來起伏跌宕和壓抑苦困，歲月磨人令他變成有一臉木納無奈的男人。再回帶到世紀末前的上世紀90年代，影片的調子也清新可喜起來。 

回到故事原頭， 1995年21歲的佐藤誠遇上初戀情人加藤かおり——加藤かおり在雜誌筆友欄目徵友，佐藤誠一眼看出她是小澤健二的粉絲，於是寫信給她並得到回覆。二人從筆友開始，加藤かおり在書信中向佐藤誠大談小澤健二音樂對她的影響，跟著相約見面，素未謀面的他們，用作記認就是大家拿著一個WAVE唱片店的膠袋，是多麼青春的事情啊！成為戀人後，二人會一起談論EL-MALO、SCHA DARA PARR的音樂，那都是涉谷系年代的美好時代。還有加藤かおり叫佐藤誠買Sonic Youth “Washing Machine” tee、一齊趕去戲院看王家衛電影，實在太有90年代情懷了。 

片中除了聽到多首來自小澤健二之1993年首張專《犬は吠えるがキャラバンは進むThe dogs bark, but the caravan moves on》內的歌曲外，踏入2000年之後，佐藤誠在基佬好友的酒吧跟日後女友唱K唱尾崎豊的〈I Love You〉、公司慶祝活動社長充當DJ打碟播出電氣Groove的〈Niji 虹〉，聽到好多日本音樂的回憶。 

我認識小澤健二時，Flipper's Guitar已經解散，那是他和小山田圭吾分別初作單飛發展的年代(多謝當年日本朋友的推介)。兩者比較，我自然覺得小山田圭吾的Cornelius來得較酷；而小澤健二，我喜歡1994年的《LIFE》而多於《犬は吠えるがキャラバンは進む》，但之後我也再沒有追隨他，直到《我們都無法成為大人》，又促使我重溫他這兩張個人專輯。

In memory of Richard H. Kirk (1956 – 2021)

今個中秋節晚上，傳來了一個噩耗——英國雪菲爾industrial電音先鋒Cabaret Voltaire主將Richard H. Kirk病逝，享年65歲——原來他早已在8月8日與世長辭，可是消息要到9月21日才作官方公佈。目前仍未知道他的死因。 

Richard H. Kirk離世的消息來得非常突然，因為近年看到他正在帶同Cabaret Voltaire重返軌道——在1994年解體的Cabaret Voltaire，於七年前已在Richard H. Kirk個人獨力支持下作重出江湖演出，然後加盟英國獨立名廠Mute旗下，於去年11月出版了Cabaret Voltaire足足睽違26年的回歸專輯《Shadow of Fear》。不只如此，在《Shadow of Fear》之後，Richard H. Kirk的一人Cabaret Voltaire還於今年3、4月先後發行了《Dekadrone》和《BN9Drone》這兩張各只收錄一首闇黑ambient drone長篇曲目的專輯(2LP版分成四個部分、數碼音樂版則一曲過)。三張作品如舊在他的雪菲爾Western Works錄音室灌錄製作。見到他如此多產起來，確實是可喜可賀的事。 

誰不知，《Dekadrone》和《BN9Drone》成為了Richard H. Kirk在生前所出版的最後兩張遺作專輯。當得悉他離世後，我在想《Dekadrone》和《BN9Drone》面世時，Richard H. Kirk已是處於病入膏肓的狀態，知道自己會命不久矣。那麼從《Shadow of Fear》到《Dekadrone》和《BN9Drone》，就彷彿相對於晚年David Bowie的《Blackstar》抑或Leonard Cohen的《You Want It Darker》等作為「最後作品」之意義。 

Cabaret Voltaire公認為industrial界的教祖之一，影響著post-punk年代的獨立電音、industrial以至後世的house / techno / electronica音樂，而Richard H. Kirk一直有著cult界傳奇性樂手的地位。Cabaret Voltaire本是由Richard H. Kirk、Stephen Mallinder和Chris Watson組成的三人樂團，Chris Watson老早已離隊成立更avant-garde / sound art實驗的The Hafler Trio，而Stephen Mallinder也在樂隊於1994年解體後一去不返，所以Richard H. Kirk的核心成員角色也不言而喻。隨著Richard H. Kirk與世長辭，Cabaret Voltaire亦告名存實亡。 

最早期的Cabaret Voltaire作品是通過電子儀器與tape loop / sound collage技巧製作出來，極為實驗性而不著邊際，奠定了其地下industrial之音的雛形。直到加盟Rough Trade Records，從單曲〈Nag Nag Nag〉到1979至81年間的三部曲專輯《Mix-Up》、《The Voice of America》、《Red Mecca》，「半電子樂團」姿態的他們將闇黑post-punk、冷洌electro電音、sound collage實驗，祭出Cabaret Voltaire的標誌性industrial風格；同時在這個Rough Trade時期，Cabaret Voltaire也有出版現場演出專輯以紀錄他們原始粗獷的聲音如1980年的《Live at the Y.M.C.A. 27-10-79》，以至Chris Watson離隊後不久的《Hai! (Live in Japan)》(1982年)。 

隨著Cabaret Voltaire轉投Some Bizzare / Virgin Records，是他們的另一個重要的奠定性階段。因為簽約時收到唱片廠牌一筆可觀的預付費，讓Richard H. Kirk和Stephen Mallinder為他們的Western Works錄音室添置了一批新的電子合成器及器材，Cabaret Voltaire昂然走向更具體的電音舞曲樂團姿態，在1983至85年間的「Some Bizzare / Virgin年代」三部曲專輯《The Crackdown》、《Micro-Phonies》、《The Covenant, The Sword and the Arm of the Lord》，摩登而修飾的電音製作、他們對groovy的funk樂之興趣、sample聲效，同時又保留著工業電音的冰冷感與紀律重複性，樹立起其獨樹一幟的industrial funk工業舞曲風格。 

然後Cabaret Voltaire又轉投主流廠牌Parlophone / EMI，音樂製作亦進一步地修飾起來，是他們最具爭論性的一個時期。但毋庸置疑聯袂Adrian Sherwood監製的1987年專輯《Code》(包括有Bill Nelson客席伴奏)是我最喜愛的Cabaret Voltaire之一，仍有其冷冷工業電音色彩；到1990年專輯《Groovy, Laidback and Nasty》裡有多首歌曲有Chicago house名宿Marshall Jefferson操刀，開宗明義向Chicago house取經，初聽時覺得他們商業化了妥協了，但後愈覺得是Cabaret Voltaire一張有趣的作品。 

Richard H. Kirk早在1980年已於Throbbing Gristle的Industrial Records出版他的首張個人專輯《Disposable Half-Truths》(卡式帶)，而我最先接觸到他的個人作品，是當年誤打誤撞以特價港幣10元購來他在Rough Trade時期的1986年個人專輯《Black Jesus Voice》(唱片封面好死亡好gothic)。Richard H. Kirk在Cabaret Voltaire以外，亦一直處於多產的狀態，而我對他的side project發生興趣，那是90年代的事。 

先是他跟DJ Parrot在1990年組成的Sweet Exorcist，他們在電音廠牌Warp旗下發表兩張單曲，公認為British techno / bleep house / IDM的先鋒作品；然後是他化身Sandoz在實驗音樂廠牌Touch旗下在1993年出版的《Digital Lifeforms》專輯，展現出其IDM / ambient dub techno取向，當年叫我聽得大呼驚喜，跟著他又化身在伯明翰ambient dub電音廠牌Beyond Records旗下的電音單位Electronic Eye。無疑Cabaret Voltaire之前的專輯如《Plasticity》、《International Language》都已有techno電音取向，但從Sandoz的《Digital Lifeforms》到Electronic Eye的《Closed Circuit》、Richard H. Kirk的1994年個人專輯《Virtual State》(Warp出品)、Cabaret Voltaire的1994年2CD專輯《The Conversation》(比利時R&S廠牌的ambient支部Apollo出品)，他走向愈見深邃的電音層次。 

自1991年以降的Cabaret Voltaire隨著Stephen Mallinder不再主唱、帶來全是電音器樂曲目，人所共知Stephen的參與度已大減，感覺上已猶如Richard H. Kirk的個人樂團。跟著因為Stephen Mallinder移居澳洲，他們亦正式分道揚鑣。從90年代至2000年代，他以Sandoz、Electronic Eye以及Richard H. Kirk名義發表過的作品簡直多不勝數。直至近年他才以Cabaret Voltaire的身分回歸。 

得悉Richard H. Kirk離世後，我好想替他做一個playlist以作致敬。但面對他歷年來海量的作品，情況有點「撠手」。最後終於完成了，縱使Spotify上仍找不著有好幾張專輯，但總算足以構成一段Richard H. Kirk跨越40多年的音樂旅程(Cabaret Voltaire / Richard H. Kirk / Sweet Exorcist / Sandoz / Electronic Eye)。

 

my little airport：祝福你快樂

my little airport一連四場在8月27至29日於九展Star Hall舉行的《my little airport 2021 live：我都唔知道》(29號玩兩場)，我看了星期五、六兩晚，而星期日晚我就去了看黃靖的音樂踢撻舞劇場《我們在此漂流》，但隨後我也趕回九展(其實只是輕輕鬆鬆地乘215X巴士)看mla尾場的encore。所以今次我是共看了完整兩場加一場encore。 

自my little airport在2004年舉行的首個自家演出《情留暑假音樂會》起(地點是觀塘一座舊工廈頂樓的教會場所、已清拆重建)，多年我從沒有錯過過他們每次的專場音樂會，跟他們一起走過壽臣劇場、Hidden Agenda、蒲吧、Music Zone、麥花臣場館、Star Hall。 

每次my little airport的專場演出，我都特別期待他們現場會玩甚麼cover version。早年，mla玩過多首The Velvet Underground的作品、也玩過多首AMK甚至關勁松的個人作品，又玩過Pulp、The Strokes、The Libertines，玩過粉紅A，感覺上這是有點煞有介事地向他們的獨立音樂薰陶作致敬之意味。 

接著，大家都見到my little airport在其專場表演(「維港唱片」的音樂會也有)翻玩了不少80、90年代Canto-pop歌曲，那些年我記得他們玩過陳百強〈思想走了光〉、蕭芳芳〈林亞珍〉(這首是70年代的)、林子祥〈仍然記得嗰一次〉、郭小霖〈愛情蝙蝠俠〉、陳慧嫻〈跳舞街〉、李克勤〈護花使者〉、卡通片主題曲〈我係小忌廉〉、林志美〈你的眼神〉、露雲娜〈千年女王〉、羅嘉良/吳鎮宇/張可頤/宣萱〈難兄難弟〉、羅文〈波斯貓〉、陳百強/林姍姍〈再見Puppy Love〉等。mla玩Canto-pop，是他們對本地廣東歌流行曲作尋根，亦在告訴年輕一代樂迷這就是曾伴隨他們成長的香港流行音樂；而在my little airport的indie-pop / indie rock風格的演繹下，也他們改編Canto-pop也具有相當的玩味，總之是叫人看得很歡暢愉快，聽到笑笑口。 

然後，my little airport在2019年11月中於Star Hall 舉行了兩場《催淚的滋味 live 2019 》音樂會，氣氛冷靜沉重而又催淚。當晚他們也有玩改編歌，除了玩LMF〈今宵多珍重〉和粉紅A〈香港香港〉等獨立樂隊的曲目外，大家最深刻是臨近encore之前，也玩了Beyond的1999年曲目〈十八〉。三首之中，以〈十八〉為最流行最Canto-pop——而林子穎執導的梁天琦紀錄片《地厚天高》，片中就是以梁天琦自彈自唱Beyond〈十八〉作結，所以一切也不言而喻。聽到mla玩出廣為樂迷認識的〈十八〉，心情是令人陷入沉思而多於亢奮雀躍，畢竟mla版本是多麼的縈繞心頭。 

今時今日my little airport來翻玩廣東歌，目的也不是要娛樂現場觀眾，而要帶出意味深長的意義。正如今次《我都唔知道》在主軸演出部分之尾聲、也是encore前，翻玩了黃耀明的〈祝福你快樂〉。 

〈祝福你快樂〉是來自黃耀明在「音樂工廠」廠牌時期的1993年第二張個人專輯《借借你的愛》，並非焦點主打歌，也許已是被遺忘的歌曲。8月初明哥遭廉署拘捕被控以莫須有罪名，樂迷隨即紛紛都在社交媒體貼上他的歌曲，憑歌寄意為明哥集氣打氣。當日我選了來自《借借你的愛》專輯的〈邊走邊唱〉，我很記得隨之便見阿p選了〈祝福你快樂〉作分享。想不到在20多日之後，my little airport就在《我都唔知道》音樂會上把此曲玩了出來，這絕對是給我的一大驚喜。 

就像翻玩〈十八〉般，my little airport是如斯淡淡然而溫婉地演繹出〈祝福你快樂〉，畢竟Beyond和明哥都屬同一個世代的人，所以兩者難免有點同出一轍的感覺。阿p說〈祝福你快樂〉是送給明哥的(明哥看了星期六晚那場)，寄意「唯願是年月好好的對待你」。 

而我們都心照不宣地收到，這也是送給香港人的。LONG LIVE。

The Goon Sax：三人行〡多面體

好記得第一次聽到澳洲布里斯本獨立樂隊The Goon Sax，他們所予我的深刻印象，就是indie-pop / twee-pop到不得了，簡直好像回到C86運動爆發至90年代初葉那個indie-pop時代，所說是其2016年首張專輯《Up to Anything》。我知道，一個音樂流派也會隨著時代巨輪的推進，而會在聲音上發生變化，甚至感覺也有點不一樣，所以今天很多被冠以indie-pop之稱的樂隊，其實已不再是我心目中的indie-pop。但當時The Goon Sax的indie-pop就來得非常之正宗，很80、90年代的獨立流行樂風格，就像回到那個樸實無華、跟科技背道而馳的indie-pop美好年華。 

The Goon Sax是Louis Forster(結他)、Riley Jones(鼓)和James Harrison(低音結他) 所構成的三人樂隊，三人皆是主唱、擁有三把聲音。加上高個子成員Louis Forster是布里斯本傳奇性indie rock / college rock樂隊The Go-Betweens(曾簽約英國獨立廠牌Rough Trade及Beggars Banquet)主將Robert Forster的兒子，那更令我對他們另眼相看。 

五年前的《Up to Anything》，The Goon Sax全然是一隊赤子之心、無添加的indie-pop / twee-pop樂隊(連唱片封面也猶如C86年代的獨立樂團出品)；到了2018年的第二張專輯《We're Not Talking》，聽得到他們的indie-pop聲音之成長，多了一點製作。相隔三年後，如今再帶來樂隊的第三張專輯《Mirror II》，可聽見他們的聲音出現了微妙的進化，卻又毫無遺和感。 

睽違三年，期間Louis Forster去了德國柏林居住、在一家戲院工作，Riley Jones和James Harrison則組了post-punk樂隊Soot。然後The Goon Sax再合體——他們視之為新開始，在一間他們喚作Fantasy Planet的昆士蘭建築房子一起居住，閉門造車地創作了新專輯出來。樂隊繼而遠赴英國Bristol，在Geoff Barrow(Portishead / Beak)開設的Invada Studios，由跟PJ Harvey合作無間John Parish監製下把《Mirror II》灌錄了出來，這位英國製作人對The Goon Sax今次的聲音之影響亦不言而喻。 

《Mirror II》是The Goon Sax歷來最「多嘢聽」的一張專輯但又不失他們的indie-pop樂隊初衷本色，三位成員彼此的風格亦來得更為顯著，從而令到樂隊呈現出多重性格多面體。專輯喚作《Mirror II》，意指他們得以互相影響的合作關係。 

Louis Forster演繹的歌曲，跟Riley合唱的先行單曲〈In the Stone〉是由post-punk式bassline主導的美好indie-pop；另一先行單曲〈Psychic〉是由明快鼓機節拍驅動的noise-pop，其mv也叫人看得賞心悅目。而avant-rock曲目〈Bathwater〉最後Louis唱出德語歌詞，也告訴了大家他曾在柏林生活。 

 

從灰野敬二到Kylie Minogue，都是女成員Riley Jones今次背後的音樂影響。由她主唱的新單曲〈Desire〉無疑是dream-pop / shoegaze到不得了的夢幻浪漫靚歌，而〈Tag〉就是她的bubblegum-noise-pop，但又有多少post-punk / new wave的底蘊。

 

一向都覺得James Harrison主唱的歌曲是最twee-pop，即是BMX Bandits那種，今次他兩首psychedelic-folk歌曲〈Carpetry〉和〈Caterpillars〉，原來是師承自前Pink Floyd主腦Syd Barrett之薰陶，雖然他一開聲我已覺得像極了BMX Bandits的Duglas T. Stewart。