Chet Faker：電幻騷爵士

香港樂迷認識到Chet Faker這個來自澳洲墨爾本的音樂單位，無疑是拜《Clockenflap 2012》所賜——他是該年所公佈表演名單之一、為Pigeon Stage作Headline演出，即使當年Chet Faker仍是嶄露頭角的獨立生力軍，就是因為他的名字幽了已故爵士樂傳奇Chet Baker一默，而叫大家對他注目起來。可是最終他因為踩滑板跌斷腳，而臨時要取消了來港參演《Clockenflap 2012》的訪港之行，我們亦暫時無緣看到他的演出。 

本名Nicholas Murphy的Chet Faker留著大鬍子看似民謠藝人，但實情他是一名Electro-Soul / Downtempo Soul唱作歌手兼製作人，既有溫暖而傷感的Soulful歌喉，亦帶來精良的電音製作。而Nicholas命名為Chet Faker，正是作為向Chet Baker致敬，因他喜歡爵士樂以及Chet Baker那種脆弱、真摯、私密的歌聲。

其首張專輯《Built on Glass》，終告在這個4月面世，專輯是在他位於北墨爾本肉市場、由冷凍室改裝而成的自家錄音室所灌錄，由於資金有限，所以他只能用上容易付擔的器材來錄音，不求錄製出高傳真的東西，反之出來卻有著一種獨立製作的低傳真美學。無可否認，這是Chet Faker所處心積慮地製作出來的專輯。 

由氛圍化Fender Rhodes電鋼琴演奏帶出《Built on Glass》的專輯開場曲〈Release Your Problems〉，是如斯憂傷苦澀的電幻R&B Ballad歌曲。在色士風、Broken Beat、爵士琴音以及其騷靈演繹下，先行單曲〈Talk is Cheap〉展示出他的銷魂Soul-Jazz Downtempo風格。新單曲〈1998〉祭出是猶如底特律Techno的電幻曲風，歌曲的如沐春風感覺彷彿回到昔日之美好時光。

〈Cigarettes & Loneliness〉有如對《Thinking in Textures》EP時的〈Cigarettes and Chocolate〉作出呼應，歌曲讓Joe Pass般爵士結他剪影與精巧電音敲擊節拍肌理絲絲入扣而來，來得清爽流麗。〈Dead Body〉乃Soul-Jazz到不得了，有著美妙的爵士結他。〈Lesson In Patience〉由他的A cappella層層疊疊人聲帶出，這是Chet Faker最為爵士樂風的Chill-Out / Downtempo樂曲。 

短短的〈No Advice (Airport Version)〉那迷濛的Ambient氛圍與空靈的Gospel唱詠，聽來比James Blake與Brian Eno的合作。他以低迴的歌聲與美國黑人女唱作歌手Kilo Kish合唱〈Melt〉這首夢幻的Electro-R&B曲目，感覺確是多麼美好而魅惑。〈To Me〉在鏗鏘的鼓機節拍與連綿的Bassline下是多麼Soulful的一曲，還有如陣陣清風略過的銅管樂。〈Blush〉儼如創造出一種屬於今天的Trip Hop電音。

Damon Albarn：寂寞的人有福了

要不是Damon Albarn在兩年前披露他正在灌錄這張個人專輯時，曾經表示過：「我正在以我的名義製作唱片，我猜想你會稱它為個人唱片吧，但是我不喜歡這個字眼，它聽來很孤獨——單飛，我真的不想我的人生是單飛的。」我們都不知道，以往他都毫不在乎出版個人專輯這回事。 

這是何解Damon走出Blur以外，他多年來乃猶如火麒麟般展開合作性的音樂活動——與動畫工作者James Hewlett策動多媒體虛擬樂團Gorillaz、先後跟英國作曲家Michael Nyman及冰島音樂家Einar Orn Benediktsson合作電影配樂、與非洲馬里樂手合作民族音樂專輯《Mali Music》、組成The Good, The Bad & The Queen及Rocket Juice & The Moon等曇花一現的超級組合，委實的多姿多采，反映到Damon的音樂野心與探討多元音樂文化的願景。

即使2012年前作《Dr Dee》是Damon以個人名義發表的唱片，但這不過是他與劇場導演Rufus Norris合作以16世紀英國天才人物John Dee為題的同名歌劇之原聲唱片，而非正式的個人專輯來。直至到《Everyday Robots》，才是Damon首張開宗明義的官方個人專輯。

促成《Everyday Robots》的出現，是有這樣的背境：Damon與製作人兼英國獨立名廠XL Recordings老闆Richard Russell聯袂製作美國老牌騷靈歌手Bobby Womack的2012年專輯《The Bravest Man in the Universe》之後，二人有意再合作打造另一張唱片，曾想過組樂隊。然後Richard向Damon提意倒不如為他製作一張唱片，於是便帶來了《Everyday Robots》。

跨越三年製作的《Everyday Robots》，一如近年Damon的作品，在專輯裡都滿是以鋼琴主導、情感憂傷而淡淡然的中慢版曲子，再配合Richard打造出的細密Glitch電音節拍肌理、歌曲流露著的Soul與Gospel音樂薰陶、古意的管弦樂伴奏，甚至他對非洲音樂之興趣，Damon的個人專輯就是這樣的一回事，構成這張為他取得高度評價的出品。也正因為這是Damon首次製作的「個人」唱片，所以他亦希望個人化得徹底，所以《Everyday Robots》亦好比他的自傳式專輯，凝聚著私密的情感、夫子之道。歌曲與歌曲之間的連貫性交接，放上兩首短短的間幕曲〈Parakeet〉和〈Seven High〉，都猶如概念專輯的鋪排。再看〈Lonely Press Play〉和〈Heavy Seas of Love〉的MV，全是Damon用iPad所拍攝的花絮影片剪輯而成，那又何嘗不是他在履行其「個人主義」嗎？ 

先行單曲兼主題曲〈Everyday Robots〉在憂傷的情感與電音碎拍和弦樂絲絲入扣而來下，唱出現代城市與科技下人們的疏離感(”Everyday robots on our phones”) 。浸淫在Polyrhythm肌理與爵士鋼琴的第二張單曲〈Lonely Press Play〉美麗得令人心靈融化，在節拍間糅合著相機快門般之聲效，好比孤單時拍照自娛那樣；情感黯然憂鬱的新單曲〈Hollow Ponds〉是他娓娓道來歲月回憶的自傳式歌曲，帶大家回到1976、79、91、93年，那電影感的French Horn獨奏委實多麼美不勝收。 

慘白Folktronica曲目〈Hostiles〉在古樸木結他、緩緩節拍、弦樂與幽悒和唱之間，交織出倫敦的黃昏意境；〈Photographs (You are Taking Now)〉這首甚Deep的電幻Ballad的談論要點，是出現了迷幻作家 Timothy Leary朗讀其著作《The Psychedelic Experience》之人聲Sample；淡淡然的Acoustic-Folk歌曲〈The History of a Cheating Heart〉來得萬般縈繞心頭，Simon Tong(The Verve / The Shining / The Good, The Bad & The Queen)的結他獨奏也是多麼美。

氣氛歡愉〈Mr. Tembo〉是專輯裡唯一的快板歌曲，亮點是The Leytonstone City Mission Choir的福音唱詠，伴以鄉謠式小提琴伴奏，令我想到Talking Heads / David Byrne的聲音，Damon所唱的Mr. Tembo是一頭非洲BB小象(Tembo是東非斯瓦希里語的大笨象)。 

Damon並不寂寞，正如這專輯內有兩個令人注目的客席音樂單位。描寫核潛艇的夢幻爵士Downtempo曲目〈The Selfish Giant〉，把Damon一手爵士鋼琴表露無遺，在他的淡然哀愁演繹下，有本名 Natasha Khan的巴基斯坦/英國混血女唱作歌手Bat for Lashes作和唱，可是不見得怎樣突出。而鼎鼎大名的英國前衞音樂先知Brian Eno亦為他客串了兩曲——Avant-Soul-Ballad歌曲〈You & Me〉有Eno帶來Synth演奏，並配以夢幻的Steel Pans與爵士鋼琴；〈Heavy Seas of Love〉是由Eno以溫暖歌聲與Damon合唱，前者唱Verse、後者唱Chorus，再有The Leytonstone City Mission Choir獻聲下是另一Gospel風作品，但又有著80年代流行音樂之格調。

Jamaica：藍天白雲下在公路上馳騁

2010年認識到由Antoine Hilaire和Flo Lyonnet所組成的法國巴黎樂隊Jamaica時，他們帶來的談論價值是：1. 一隊法蘭西樂團又不是玩Reggae音樂但卻命名為「牙買加」；2. 他們帶著一身爽朗無比的70、80年代Soft Rock薰陶而來但卻得以賦予法國當代跳舞音樂的肌理與節拍——那是法國電音名團Justice的Xavier de Rosnay參與監製及編曲之斧鑿功勞，還要強調樂隊全沒有應用任何電子合成器。 

跟Xavier操刀的首張專輯《No Problems》相隔了四個年頭後，Jamiaca發表了其第二張專輯《Ventura》，唱片先後在美國加州洛杉磯與法國巴黎兩個城市灌錄。比較兩張作品，他們形容前作《No Problems》是Jamaica的夜間與舞池專輯，而今次《Ventura》則是屬於白晝的。 

《No Problems》的世界性巡演告一段落之後，Antoine和Flo的創作野心讓他們展開Jamaica第二張專輯的工作，在毫無壓力下作開始。他們先在巴黎寫歌，於北美巡演時體驗到的美國音樂與電影文化，是今次的主要薰陶。然後在Daft Punk的音響工程師Peter Franco協助下來到美國洛杉磯錄音，租了一間房子閉門造車一個月。專輯名為《Ventura》，除了在字面上有著好運的意思之外，還有來自加州聖費爾南多谷最長的大道Ventura Boulevard，也是他們錄音那間房子所座落的大街。

跟著他們回到巴黎，由Phoenix的《Bankkrupt!》專輯之錄音師Laurent d'Herbécourt操刀下，在他的Tranquille Le Chat錄音室把專輯完成。Laurent的錄音室有三塊大玻璃窗，他們可以曬著日光錄音；Laurent不但令到Jamaica的歌曲有機性起來，也注入了相當的陽光氣息。也是何解他們把《Ventura》視為其白晝專輯。

打造出電台也可播放、以70年代中至80年代時期Fleetwood Mac之Soft Rock氣息為依歸的歌曲，是Jamaica在《Ventura》裡的一大方向。那就好比在美國駕車穿州過省、在藍天白雲背景的公路上馳騁時扭開收音機所聽到的音樂般──也是他們對這種美國文化之致敬。

先行單曲〈Two On Two〉再次是Jamaica的超級無敵清爽搶耳歌曲，可以感受到天朗氣清的風景，歌曲講述一名自製Jamaica機械人的「腦殘粉」宅男之MV亦不失他們的幽默感。〈Hello Again〉是他們那種由爽朗節拍驅動的搖滾曲目但卻有著甚酷的主唱，〈Turbo〉完全是給大家開盡引擎飆車的器樂搖滾，〈Rushmore〉這種的觸動心靈搖滾Ballad更少不了。 

當Jamaica在洛杉磯錄音期間，亦有些圈中好友前來探班兼客串，如美好時光歌曲〈Golden Times〉有TV on the Radio歌手Tunde Adebimpe和唱，而New Wave搖滾風的〈Goodbye Friday〉則是他們與本名Mehdi Pinson的法國樂手DVNO之合作。 

《Ventura》的唱片封面在一片藍天底下，Antoine和Flo與小型飛機以及陳列著的結他/低音結他和背後築起的擴音機/揚聲器牆合照，那是模仿70年代搖滾樂隊的氣派。

Metronomy：給自己的情書

2011年，以Joseph Mount為首的英國樂隊Metronomy發表的《The English Riviera》專輯，我們見證到他們由早年的Electro-Pop風格至進化成美好Modern-Pop姿態，同時即使專輯灌錄時樂隊的陣容仍未穩定下來，但到唱片面世時已看到Joseph與Oscar Cash以及新加入的黑人低音結他手 Gbenga Adelekan與女鼓手Anna Prior所構成的四人樂隊新陣營——2012年1月10日，Metronomy便是以此三男一女的隊型來港為《The People’s Party 2012》演出。 

相隔三年後，Metronomy終告發表再下一城的新專輯《Love Letters》，唱片也是樂隊首次正式以此四人姿態灌錄。

《The English Riviera》勾勒出Joseph對英國南岸海濱地區風光的情意結，所以歌曲也份外美好，來得如斯優雅輕柔，有點懶洋洋的感覺。Metronomy本是Joseph Mount的個人電音單位，然後進化成一隊樂隊。當年《The English Riviera》也是Metronomy首次進入正式的錄音室所灌錄的唱片，但到頭來他們還是大量依賴電腦進行編曲與剪輯的工序，離不開電音製作的形式。所以來到樂隊的新專輯，他們便實行把心一橫地應用傳統的錄音技術，放下電腦的功能。 

他們在倫敦的著名復古Analog錄音室Toe Rag Studios灌錄樂隊的第四張專輯《Love Letters》，用的是來自Abbey Road錄音室的Console、仍以大卷Open Reel錄音，存有很多古老器材。Joseph說這錄音室能帶給人勞動的環境，讓他們以古老的方式來做出新鮮的東西、以豐厚的錄音技巧來注入電氣與實驗性的聲音。

有了固定的樂隊陣容，又在Analog錄音室錄音，但卻不代表Metronomy的聲音會變成大剌剌的Band Sound。放下了電腦音樂製作形式，Metronomy在《Love Letters》裡的歌曲都呈現出簡潔明媚的自然感覺，更凸顯Joesph筆下宛如Serge Gainsbourg的浪漫流麗曲子。反之，配以活像電子琴內置的鼓機節拍下，產生出有如歌曲Demo的簡約之美與淡淡然情味，如來得輕盈窩心的Soul-Folk開場曲〈The Upsetter〉正表現出這個取向。 

先行單曲〈I'm Aquarius〉帶來以太空人登陸外星為題的MV，那麼這便是由輕盈電子節拍、騷靈主唱與”Shoop-doop-doop-ah”和聲構成的太空R&B流行曲。主題曲兼新單曲〈Love Letters〉的專輯版由好比Michael Nyman樂章之銅管樂帶出，引伸出是如斯明快醒神的Disco-Pop歌曲，在好時光式女聲唱和下亦不禁叫人對Abba之音樂情懷作出聯想；而歌曲由鬼才導演Michel Gondry執導的MV，身穿制服的Metronomy在懷舊而卡通化的五面佈景內演出，以一個鏡頭直落作環迴兜圈拍攝，貫徹Michel的夢幻/奇幻手法。 

〈Month of Sundays〉是多麼美麗的迷幻流行曲，〈The Most Immaculate Haircut〉亦萬分動人。而Metronomy仍有著其電音韻味，喜歡極了讓古老電子琴音與Joseph歌聲絲絲入扣而來的迷幻電子Ballad小品〈Monstrous〉，有著孤零零的感覺；〈Call Me〉好比由Silver Apples玩出的Synth-Pop情歌；復古Space-Pop的〈Reservoir〉(那段琴音Riff總令我想起Röyksopp的〈Eple〉)，還有歐陸式Space-Disco / Italo-Disco的〈Boy Racers〉。

UNiXX：十年圓缺

Sean Yung為首的香港獨立搖滾樂團UNiXX剛發表了他們的第三張專輯《The Incomplete Circle》，方讓我記起其首張專輯《Nasty Fantasy》之面世，已是十年前年的事。沒錯，在過去十年間UNiXX從來談不上是那種高姿態的本地獨立樂隊，然而作風低調的他們從《Nasty Fantasy》到《7 Deadly Sins》再到最新的《The Incomplete Circle》，十個年頭、三張專輯，不算是多產但卻見證到樂隊默默耕耘的獨立自主姿態。

最重要是聽著新作《The Incomplete Circle》，UNiXX依然有著他們叫人驚喜之處。有別於他們以往兩張專輯的是，今次《The Incomplete Circle》裡收錄了多首純音樂曲目；而在聲音上亦來得更呈低迥晦暗的深邃漆黑氛圍。

專輯以〈Awaken〉這首從溫婉窩心到激情動盪的結他樂章揭開序幕。主題曲〈The Incomplete Circle〉再次那種糅合闇黑Gothic進擊與Shoegaze音牆建築的迷幻搖滾歌曲，〈Death Wish〉從黑暗沉溺到張力綻放絕對懾人心魄，〈Destination Chaos〉是美麗的沒話說的夢幻歌曲，〈Camel Chaos〉更毋庸置疑是UNiXX新迷幻Epic。

《The Incomplete Circle》裡之亮點，是UNiXX帶來了〈Alone in the Dark〉和〈Estrange〉這兩首漆黑深潛氛圍的Ambient曲目，實行走出搖滾樂之框架。前者營造出闇黑不安得足以把聽者吞噬的氛圍，卻又蟄伏著暗湧；後者來得撲朔迷離而空靈疏離。一下子彷彿回到聽耐人尋味黑暗實驗地下音樂的年代。

20年前的4月8日我在紐約收到Kurt Cobain死訊

1994年4月初，我人在紐約，住在皇后區。也是我第一次踏足美國。 

1994年4月8日，已忘記了當天日間去過哪裡，那本是平淡的一天，記得當晚有點早睡。午夜時分，剛入睡不久，收到身處西岸的朋友來電，他說：「知不知道Kurt Cobain吞槍自殺身亡？」在那個互聯網仍未廣泛通用的年代，旅行時沒有留意到即時新聞乃不出奇。當時朦矇矓矓中的我馬上清醒過來，心一下子涼了半載，我反應是有點半信半疑：「是不是謠傳嘛….」那晚，我徹夜難眠，腦海裡不斷地想著Kurt Cobain，還有想著其妻子Courtney Love、幼小的女兒Frances Bean Cobain。究竟發生了甚麼事情？ 

翌日早上醒來，便急不及待跑到鄰近便利店，買了幾份紐約當地的報章來看個究竟。 這幾份1994年4月9日出版報導Kurt Cobain死訊的《New York Post》、《New York Newsday》、《New York Times》，我已保存了20個年頭。

另有一份13日出版的《New York Newsday》，亦刊載有關Kurt Cobain離世的專題。

4月18日的「時代雜誌」《Time》有寫這位Grunge poet走上自殺之路的專題《Never Mind》，是我離開紐約前所購買。

1994年8月，我出版了《音樂殖民地2》，書中有一篇我探討Kurt Cobain之死的《睡吧，孩子》。

Liars：電幻神經刀

我喜歡由Angus Andrew和Aaron Hemphill這兩位來自洛杉磯的樂手創團、在紐約市發跡的Liars，是出於他們身上的耐人尋味音樂態度。即使他們曾被納入為2000年初葉紐約Dance-Punk運動的一份子，但多年來我們都看到Liars的音樂乃蟄伏著難以估計的音樂可能性，從他們身上可以找到No Wave Disco、Psychedelic Noise-Pop，Illbient Electronica，甚至是甚麼21世紀Garage Rock、後千禧年Post-Punk等標籤，來得有點Cult、有點神經刀。高個子主將Angus說：「我們是反動分子，也許更好的用詞是精神分裂的樂隊。」 

近年， Liars已回歸洛杉磯，他們近三張專輯，都是在洛杉磯灌錄。兩年前的前作專輯《WIXIW》(即”Wish You”之意)，是Liars來得最修飾悅耳而歌曲軟性的唱片，削去了樂隊的菱角。到底這是Liars首次用上電腦製作的專輯，更有所屬廠牌Mute的老闆Daniel Miller出手，但他們卻有感到製作每首歌之前要翻閱指南，而總是有點不是味兒，令他們產生懷疑與偏執。其實當年在《WIXIW》時期所寫歌曲，已足夠他們再灌錄出另一張專輯出來。然而當樂隊回到洛杉磯的錄音室檢視這批之前遺留下來的作品時，他們對著電子合成器並啟動起Program，於是又隨即再創作起新歌來。Angus說，當樂隊完成了巡演、休息了一段時間，然後慎重其事地計劃下張專輯、構思概念，這也許很周詳的安排，但卻會讓樂隊走不出自己盒子。

所以在新發表的第七張專輯《Mess》裡，他們正要與前作來個背道而馳，回歸他們尚未有唱片合約前那種直覺性而即席的音樂創作狀態，毋須要有甚麼構思計劃而來。但卻不代表Liars只有「是是但但」，反之在專輯製作的中途，他們又把新作帶去巡演以作測試，將巡演時所學曉的東西帶回錄音室裡。而且，這是亦他們首次附上歌詞的專輯。 

《Mess》是一張Liars彰顯著Post-Punk式電音的能量、電聲橫流的專輯，再次呈現出他們的粗獷、狂喜、疏離感與精神分裂之不尋常個性。擔任美指的鼓手Julian Gross卻無意做出典型數碼電音唱片的設計，而是大玩七彩毛冷線——無論專輯首個預告片所穿引著不同場景那條毛冷線、專輯封面掛在風扇上的那堆毛冷線，連宣傳照片也毛冷線不離身，來得溫暖又黐線。

專輯以在吟說著”Take my pants off…eat my face off”與冷酷電音Sequence韻律下而來的〈Mask Maker〉揭開序幕，〈Vox Tuned D.E.D.〉的大刀闊斧電音搖滾能量下是Angus冷冷的磁性演繹與歌德電影感氛圍，〈I'm No Gold〉帶來跳脫的Electro-Punk，〈Pro Anti Anti〉更祭出大剌剌的Industrial Rock霸氣。先行單曲〈Mess On A Mission〉在冷冷的電幻與Post-Punk組態之間，再綻放出大鳴大放地唱道” A mess on a mission”的Chorus，已夠神經質吧。 

專輯下半部分來得愈見深邃。〈Darkslide〉帶大家進入一個迷魂的電音祭典，〈Boyzone〉並不是向那隊90年代男子組合致敬而是儼如Throbbing Gristle之病態、闇黑、冷冽的工業電音歌曲。〈Perpetual Village〉在簡約的電音曲式下是一個了無人煙的神秘山林村落，〈Left Speaker Blown〉更是在一片Ambient氛圍下的冷峻靜謐電音Ballad。

Hammock：無際曠野氛圍

曾幾何時，我很喜歡Kranky這所芝加哥獨立廠牌，當年他們帶來過不少優秀的Ambient Post-Rock音樂出品(廠牌首張出品正是Labraford的1993年首張專輯《Prazision LP》)。當我聽到由Marc Byrd和Andrew Thompson所組成的美國田納西州納什維爾二人樂團Hammock時，其Ambient / Post-Rock聲音都好讓我覺得他們應該加入Kranky吧——但實情是自2005年發表處男作開始，他們的唱片都全由其自家廠牌Hammock Music出版，多年來從不假手於人。 

即使Hammock被納入為Post-Rock之列，其實只是因為他們用上搖滾的器樂如Droning結他，以及奏出好比Post-Rock樂團回落在靜謐電影感時的聲音。在意義上，他們壓根兒是一隊Ambient樂隊，沒有後搖滾的起承轉合。Hammock令我想到Kranky旗下的Stars of the Lid，外界也會拿Boards of Canada跟他們作相提並論，而我更看到Brian Eno對他們的影響。

去年年底發表的《Oblivion Hymns》已是Hammock的第六張專輯，也是他們繼2CD專輯《Departure Songs》後的新作。 

在《Oblivion Hymns》裡，Hammock再次勾勒出猶如置身無際的曠野上的Ambient Soundscape氛圍。而今次的重點之一，是帶來Love Sponge Quartet伴奏，〈Turning Into Tiny Particles... Floating Through Empty Space〉、〈Like a Valley With No Echo〉、〈Holding Your Absence〉、〈In the Middle of This Nowhere〉在悲愴弦樂四重奏下，Hammcock是從未如此叫人聽得動容，投向Ambient Chamber Music的深邃取向。

另一亮點是找來兒童合唱團獻聲，彷彿是對專輯名字上的「讚美詩」作回應。〈Then the Quiet Explosion〉有著宛如《Victorialand》時期Cocteau Twins的出塵脫俗氛圍，其Choir唱詠來得如斯的空靈，好比在濃霧間傳來；〈I Could Hear the Water at the Edge of All Things〉伴以有如Harold Budd般的憩靜琴音，當Choir在尾段出來時更喚起一份聖潔之美。 

由Timothy Showalter主唱的歌曲作品〈Tres Dominé〉乃美得沒話說，沒看Credit的話還以為Rufus Wainwright為Hammock客串。

Hotel New Tokyo：東京爵士後搖酒店訪港

去年10月底，我首次拜訪喬遷上海街新址後的White Noise Records，當時他們仍在試業階段。就在當日，店主Gary推薦了以今谷忠弘為首的日本東京樂隊Hotel New Tokyo的第三張專輯《Yes?》給我，他說：「你會喜歡的！」。 

結果，不消半年之後，Gary即將會在4月12日把Hotel New Tokyo帶到香港，為White Noise Records在九展Music Zone舉行的十週年音樂會演出，同場還有另一東京樂隊a picture of her。這也是White Noise繼先後在Hidden Agenda帶來sgt.及tricot的演出之後，另一場他們的十週年系列音樂會。

作為靈魂人物今谷忠弘領軍下的Project，實情Hotel New Tokyo是以大樂團姿態而來的音樂單位。今次，他們便會以一行九人的樂隊陣容來港演出。

Hotel New Tokyo的音樂被介定為Urban Fusion / Jazz-Rock，但他們卻並非典型的爵士Fusion，在其樂曲間都帶有當代的Post-Rock底蘊，抑或用上電幻的Analog演奏。我喜歡帶著爵士風骨的Post-Rock，同樣地我也喜歡有著後搖滾態度的爵士Fusion音樂，所以他們的《Yes?》專輯正是對了我口味的東西。 

《Yes?》的開場曲〈カルトヒーロー〉在溫婉的情感間，滲透著Tortoise與Isotope 217°等芝加哥樂團的爵士化Post-Rock肌理。姑勿論你把〈Good Design Makes Me Happy〉、〈3+1〉等樂曲稱之為Urban Fusion抑或爵士後搖滾，他們奏出那份明媚流麗方是亮點；〈フレミングの家〉之美好Jazz Fusion情懷已不在話下，由懾人心魄鼓擊與Bassline帶出的Jazz Rock樂曲〈都市とモード〉奏出是都市的瘋狂而靡爛景象；八分半鐘的〈Bison〉之變化多端，是Hotel New Tokyo最為Post-Rock / Math Rock的時候。

女歌手Yo Harding主唱的〈Succession〉和〈Ebony and Ivory〉，讓我回到Acid Jazz的好時光，又好比打真軍樂隊奏出的Nu-Jazz / Jazz Electronica歌曲。